今の時代、確固として一貫性のあるレーベルブランドを築き、維持しながら発展させていくにはどうすればいいのか。Mutual Rytmはこの分野をリードしている。2022年に設立された同レーベルは、今や現代テクノシーンを代表する重要な存在だ。Yanamaste、Phil Berg、Lars Huismann、Chlär、Mathys Lenne、Sciahri、Chontaneなどのアーティストの作品を次々とリリースし、音楽そのものにとどまらず、クオリティや個性、そしてオーディエンスとのつながりを強く重視している。  「アーティストとしての歩みも、レーベルの成長も、どちらも長い時間をかけて築くものです」 そう語るのは、Mutual Rytmの創設者兼ディレクターであり、プロデューサー、DJでもあるSHDWだ。10月31日にワルシャワのProgresjaで開催される、Mutual Rytmにとってポーランド初のショーケースを前に、夢を現実にする方法、アルゴリズムや再生数の時代における音楽の真正さと新鮮さ、そして現在の視点から見たテクノの未来について話を聞いた。 Agata Omelańska：こんにちは、Marco。Undertonへようこそ！前回のワルシャワ訪問時にEXPO XXIで披露した力強いセットは、2025年のベストパフォーマンスのひとつに選ばれました。今回は、2026年10月31日に開催されるMutual Rytmのショーケースという、また特別な機会にお会いします。ポーランドのオーディエンスは間違いなく準備万端だと断言できますが、イベントを控えた今、どんな気持ちですか？SHDW： EXPO XXIでのあのセットへの反響には、正直、圧倒されました。1年が経った今でも、あの夜やセットが自分にとってどんな意味を持ったかを伝えるメッセージが届きます。あれほど人々の心に響くとは思ってもいませんでした。本当に大きな意味があります。 だからこそ、ポーランド初のMutual Rytmショーケースのためにワルシャワへ戻れることが、いっそう楽しみです。あの夜以来、初めての再訪になります。またあのエネルギーを体感できるのが待ちきれません。今年、特に楽しみにしている公演のひとつです。 https://www.youtube.com/watch?v=wIvpMhwF9ic&list=RDwIvpMhwF9ic&start_radio=1 今日はMutual Rytmを中心にお話ししたいと思いますが、あなたのビジョンやアイデアについても、あとで伺います！レーベルは2022年に始動し、徐々にそのアイデンティティや中核となるサウンド、そして強固なコミュニティを築いてきました。2026年には、世界で最も重要なテクノレーベルのひとつと見なされています。Mutual Rytmのサウンドは、何によって形作られたのでしょうか？また、ブランディングの観点から、テクノレーベルとして強いブランドを築き、維持するにはどうすればいいのでしょう？ Mutual Rytmのサウンドは、僕がずっと情熱を注いできた音楽と、一緒に仕事をしたいと思ったアーティストたちから、ごく自然に生まれました。レーベルをひとつの厳格な定型に沿って築こうとは、最初から考えていません。僕にとって共通項となるのは、クオリティ、個性、そして感情です。 アイデンティティの大部分は、作品の選定を通じて生まれます。それぞれのリリースが独自の個性を持ちながら、全体像に何かを加えるものであってほしい。カタログが、同じレコードを何度もリリースしているようではなく、ひとつの旅のように感じられることを目指しています。 ブランディングに関しては、一貫性と真正さが鍵だと思います。アイデンティティを無理に作り出すことはできません。明確なビジョンを持ち、それに何年も忠実であり続けることで育っていくものです。僕たちにとってそれは、音楽を最優先にし、細部にまで気を配り、アーティストやレーベルを取り巻くコミュニティと本物の関係を築くことを意味します。 そのとき人気のあるものを追いかけようとしたことはありません。自分自身のビジョンに忠実でいれば、いずれ人々はそれに気づいてくれます。 Mutual RytmのサブレーベルであるRaw、Spectra、Versus、Xの重要性も強調しておきたいですね。レーベルの一貫性を保ちながら、同時に中心的な方向性の枠を超えた音楽にも開かれている、素晴らしい例です！ サブレーベルがあることで、Mutual Rytmの世界のさまざまな側面を探求する自由が生まれます。Raw、Spectra、Versus、Xにはそれぞれ独自の個性がありますが、同じ哲学と選定基準につながっています。 レーベルが予測可能なものになってしまうのは避けたいので、この柔軟性は僕にとって重要です。同時に、サブレーベルを完全に別個のプロジェクトだとは考えていません。同じ物語の異なる章であり、特定のアーティストやサウンドが本当に成長できる場を提供しています。 レーベルオーナーの視点から見て、忘れられないトラックとはどんなものですか？そして今、プロデューサーにとって成功の本当の意味とは何でしょう？ 僕にとって忘れられないトラックとは、うまく言葉にできない感情を生み出すものです。最も複雑なプロダクションである必要も、最大級のクラブトラックである必要もありません。ひとつのメロディーやグルーヴ、音の質感、あるいは雰囲気が、曲を聴き終えたあとも心に残ることがあります。 独創性も大切です。今はあまりにも多くの音楽がリリースされているので、技術的に優れたものを作るだけでは、必ずしも十分ではありません。個人的な感覚があり、すぐにその独自の個性が伝わってくるものを求めています。 成功というものも変わってきたと思います。数字やストリーミング再生数、ブッキングはもちろん業界の一部ですが、それだけですべてがわかるわけではありません。僕にとって本当の成功とは、自分が信じる音楽を作り、それが人々の心に届き、何年たっても誇りに思えることです。一時的に注目を集めることより、長く続けることのほうがずっと大切です。 https://www.youtube.com/watch?v=6eDyXiQrPYA&list=RD6eDyXiQrPYA&start_radio=1&t=347s KiNK、Sciahri、Chontane、Human Safari、Mathys Lenne、Yanamaste、Dextro、Lars Huismann、Chlärなど、多くのアーティストの作品をリリースしてきましたね。そうした経験から、リーダーシップについて何を学びましたか？ リーダーシップとは、何よりも相手の話に耳を傾け、信頼し、相手に余白を与えるべきタイミングを知ることだと学びました。アーティストは一人ひとり違うので、誰にでも通用するやり方はありません。 Mutual Rytmには明確なアイデンティティを持たせたいと思っていますが、それに合わせるためにアーティストが自分らしさを変えなければならないとは、絶対に思ってほしくありません。彼らの音楽を信じているから一緒に仕事をするのであって、その個性はレーベルの一部として大切にされるべきです。 忍耐も学びました。アーティストを育てることもレーベルを築くことも、どちらも長い時間がかかります。すぐに結果が出る決断より、何年か先を見据えて理にかなった決断のほうがいい場合もあります。 最近、レーベルはさらに大きな一歩を踏み出しましたね。Mutual Rytm Festivalの第1回が開催されたときは、本当に感銘を受けましたし、誇らしく思いました！会場にはドルトムントのJunkyard Clubを選び、ANNĒ、Ben Klock、Colin Benders、Ignez、Phil Berg、Temudo、Alaricoなどのアーティストを招きました。この新しいプロジェクトで、最もワクワクしたこと、興味深かったことは何でしたか？そして「計画」から「実行」へ、どのように進んだのでしょう？ 最もワクワクしたのは、長い間話し合ってきたことが、ついに現実になったのを目にしたことです。Mutual...

Takaaki Itohを言葉だけで表現するのは、本当に難しい。日本で最もアンダーグラウンドで、尊敬を集めるDJ兼プロデューサーの一人である彼の本質を伝えるには、どんな言葉も足りないように思える。彼のテクノ観は純粋で、唯一無二で、ありのまま。ダンスフロアに100％身を置き、世界のことを忘れてこそ、最もよく理解し、体験できる。 Takaaki Itohが出演するのは Muse Festival 2026 だ。彼をラインナップに迎え、そしてここUndertonで話を聞けることを、とてもありがたく思う。電子音楽の過去、現在、未来や、今のお気に入りのトラック、フェスへの期待について尋ねた。インタビューを楽しんで、Balzaq Palaceで一緒に踊ろう！ Agata Omelańska：こんにちは、Takaaki。お迎えできて光栄です。次回のMuse Festivalに出演されるとのことで、Balzaq Palaceでお会いできるのを楽しみにしています。初めて訪れる場所でプレイするのは、どんな気持ちですか？フェスで体験するのが待ちきれないことはありますか？ Takaaki Itoh： 新しい場所、Muse Festivalでプレイするのが、すでに楽しみです！音楽を通じて一つになる人々を体験したいです。 今のお気に入りのオープニングトラックは何ですか？Muse Festivalでプレイするのを楽しみにしている曲はありますか？ イントロには、Monteroの「Long Distance Probe」をよくかけています。それから、Ostgut TonからリリースされたPlanetary Assault Systemsの新作アルバム「Planetary People」をプレイするのが楽しみです。 https://soundcloud.com/ostgutton-official/sets/planetary-assault-systems-9 フェスのラインナップを見てみましょう。即興でバック・トゥ・バックをするなら、デッキの向こう側で誰と組みたいですか？その理由も教えてください。 うーん、選べません。素晴らしい人たちがたくさんいます。でも、誰とでもやりとりできると思います。 あなたのスタイルは年月とともに変化してきましたが、その進化はキャリア全体における重要な要素でした。アーティストとして強い個性を築き、保ってきた方法を教えてください。 若い頃、Jeff Millsのプレイからとても大きな影響を受けました。今もその影響は続いています。長い間オリジナルなスタイルを見つけようとしてきましたが、まだこれからです。 https://www.youtube.com/watch?v=cFyC5WFOkYs&list=RDcFyC5WFOkYs&start_radio=1&t=4071s あなたの個性は、Electracom、Planet Rhythm Records、Mord、Warm Up、Modularz、Tsunamiといったレーベルからのリリースによって築かれてきたことは間違いありません。振り返って、こうしたコラボレーションの中で最も大きく、重要だった経験は何ですか？また、これまでに自分の音楽について受けた、最もうれしかった感想は何ですか？ どのリリースも、私にとって大きく重要なものでした。避けられないつながりを通じて、普遍的かつ自然に実現しました。 最初のリリース「Byte」は、Electracomレーベルからでした。デモテープを送ったところ、人生で初めてファックスで返事をもらいました。忘れられない出来事です。 もう一つの節目は、自身のレーベルを立ち上げたことです。2002年に始まったwolsは、自身の作品や、Oscar Mulero、Sleeparchive、Christian Wünsch、Mike Parkerといったアーティストによるリミックスをリリースするためのプラットフォームです。今後のレーベルの計画は？ 長い間眠っていたので、前向きに目を覚まさないといけません。今もとても個人的なレーベルなので、本当に尊敬しているプロデューサーたちを取り上げていきます。 https://soundcloud.com/reclaim-your-city/reclaim-your-city-581-takaaki-itoh では、レーベル名を逆から読んだ「slow」には、どんな意味があるのでしょう？ そうです。ただ逆さまにしただけです！ テクノが台頭した時代を、今とはまったく異なる環境で経験されました。音楽の面で、90年代の日本はどんな様子でしたか？また、今キャリアを始めるとしたら、何に力を入れますか？ 90年代にJeff Millsがすべてを変えました。彼が東京に来て、誰もが衝撃を受けました。 当時は、新しいものなら何でもわくわくしました。 今はDJやプロデューサーが何千人もいます。その中で、際立つ存在にならなければなりません。それは音楽そのもので実現するべきです。 あなたの地元のシーンで、最も興味深い要素は…… ヨーロッパと比べると、日本のローカルシーンはそれほど大きくありませんが、かなり力があります。人々は主に、音楽を目的に出かけます。 https://www.youtube.com/watch?v=ExW5NZIVQlo&list=RDExW5NZIVQlo&start_radio=1 スタジオにいるときやツアー中、音楽に時間を注いでいるとき以外は、何をしていますか？創造性を保つために、どんなことをしていますか？ 日本のスタジオを離れて、2週間から2か月以上ツアーに出ることがよくあります。ツアー中はノートパソコンでスケッチをいくつか作ります。 テクノはなぜ常に進化し、新鮮さを保ち続けるのでしょう？ テクノには、私たちがお互いを理解し合うような、深い何かがあります。...

どこでもかけられるほど親しみやすい音楽ばかりではない——でも、そうである必要はない。いつでも通用し、頂点へと導いてくれるような、唯一無二の普遍的な助言もない。 「成功とは過去へのフィードバックであって、未来への指示ではない」と語るのは、ベルリンを拠点とするプロデューサー兼DJであり、現代テクノを代表する重要人物のひとり、ラース・ハイズマンだ。彼の言葉は、シンプルながら非常に大切なメッセージを伝えている。Soma、Mutual Rytm、Voxnox、Vault Records、Dollyといったレーベルからのリリースを見れば、心に留めて（そして日々のスタジオワークで実践して）みる価値は間違いなくある。 ラースの最新EP「System Collapse」について、アーティスト、ダンスフロア、ファン、そして最も厳しい審判者であるDax J、それぞれの視点から話を聞いた。9月4日にMonnom Blackからリリース予定だ。エレクトロニック・ミュージックのトレンドは移り変わっても、このレーベルは現代テクノにおける最高品質の守り手であり続けている。 Agata Omelańska：こんにちは、ラース。お会いできてとてもうれしいです！もちろん、今回の主なテーマはあなたの新しいEPですが、詳しい話に入る前に、まずはウォーミングアップの質問から。元気ですか？最近はどこにいましたか？夏をどう過ごしていますか？これまでで一番うれしかったこと、心温まったこと、面白かったこと、あるいは印象に残った出来事は何ですか？ Lars Huismann： 今はアメリカ、カナダ、ラテンアメリカを回るツアーの真っ最中です。フロリダから始まり、メキシコシティ、モントリオール、カルガリー、ニューヨーク、アトランタ、トロントを巡って、最後はコロンビアでボゴタとアルメニアの2公演を行います。来週はマルタのGlitch Festivalに向かい、そこでDax Jとバック・トゥ・バックでプレイします。その後、ベルリンの自宅に戻ります。 それからスタジオにこもります。Monnom Blackからのリリース後は、Mutual Rytm向けのリリースを仕上げるほか、いくつか取り組むことが待っています。音楽以外にも、データサイエンスやウェブ解析の仕事をしているので、そちらもあります。DJ活動は続けますが、今後数か月はヨーロッパが中心になります。ベルリンに住んでいるので、そのほうが単純に動きやすく、ようやく仕事を片付けられます。 心に残っているのはラテンアメリカです。人々は言葉では説明しにくいほど親切で、ダンスフロアの熱気もヨーロッパではめったに味わえません。 音楽を楽しむうえで、お気に入りの方法はありますか？DJ／プロデューサーとしての視点に限った質問ではありません（いわゆる「人には言えないお気に入り」も歓迎です！）。 プライベートでは、自分がプレイする音楽とはまったく関係のないものもよく聴きます。クラシック・ハウス、オールドスクール・ガラージ、2000年代初頭のドラムンベースなどです。現代版のそれら、テックハウスや現代のドラムンベースは好きではありません。粗削りなものが好きなんです。2000年代初頭のサンプリングの不完全さには、それ自体の美しさがあります。当時の人たちが使っていた機材の限界も聴こえてきて、そこがまさに好きなところです。 DJをするときは、物語を語りたいと思っています。セットが時間とともに盛り上がり、より強烈になっていくように曲を選び、ある強度に達したら、その状態を保ちます。そこから下げることはありません。 フロアで聴く側としても、そういう展開を望んでいます。ピークの盛り上がりに達したあと、DJが突然ディープな方向へ移るほど、僕にとってセットの勢いを削ぐものはありません。 https://www.youtube.com/watch?v=5OTPrLVXNcE&list=RD5OTPrLVXNcE&start_radio=1 新しい音楽やアーティスト、ジャンルはどのように見つけていますか？聴いた音楽に可能性があると感じ、自分の新作になったり、セットやポッドキャスト、ミックスに加わったりすると、どうやって判断するのでしょう？ 主にプロモ音源や、未発表曲を送ってくれる友人を通じてです。僕が活動している界隈には、テクノが2種類あります。グルーヴィーで弾むようなものと、ローリングで催眠的なものです。僕は催眠的なほうが好きです。セットの中を引っ張っていく列車のように機能するからです。プレイするのもだいたい143〜145 BPMなので、グルーヴィーな曲にはあまり向いていません。 トリッピーで、雰囲気やリバーブがたっぷりある曲も探します。そういう曲はドラムが比較的控えめなことが多いので、土台を支えるエネルギッシュな曲を重ねます。それから、セットにメロディーを詰め込みすぎるのもあまり好きではありません。たまにはいいです。でもフロアでは、たいてい必要ありません。 では、今度はさっきの質問を逆にしてみましょう。エレクトロニック・ミュージックのアーティストとしてのあなたの可能性を、最初に見いだしたのは誰でしたか？ドラマーとしての経歴は、間違いなくあなたの音楽に重要な役割を果たし、スタイルにも影響していますが、駆け出しの頃に誰が支えてくれたのか気になります。 2010年頃にCubaseとFL Studioで制作を始めましたが、導いてくれる人はいませんでした。友人のほとんどはまったく違うジャンルが好きでした。当時はバンドで演奏していて、それ以前から何年も続けていました。ライブをするのは最高でしたが、インディー、ロック、メタル系の会場に遊びに行くのは好きではありませんでしたし、そういう場所でDJがインストゥルメンタル音楽をかけるのを見ても、しっくりきませんでした。そこで早い時期からテクノのパーティーに通うようになり、TresorやBerghainに行きました。影響を受けたのはそこでです。遊びに行き、耳を傾け、努力しました。あの頃は今とは違う時代でした。 本当に背中を押してくれた最初の人はMartinでした。2014年に一緒に腰を据えて、MLLH名義でレコードをリリースしました。テクノから着想を得つつも、よりハウスやダブの影響を受けた作品です。彼のおかげでオールドスクールなダブテクノに深くのめり込み、それは今も僕のサウンドを形作っています。 すべてに先立って、ドラムがありました。11歳で始め、ジャズやプログレッシブ・メタルのバンドでおよそ15年間演奏しました。この二つの音楽から学んだことは正反対です。ジャズは流動的で即興を基盤とするため、パターンがどう展開するか、どう緊張感を高めて解放するかを学べます。プログレッシブ・メタルはその対極で、変拍子、速さ、正確さが求められ、ミスは許されません。そのどちらも、今作るすべての音楽の土台になっています。 大事だったのは、何を削るかを学ぶことでした。ジャズやメタルは絶え間ない変化と膨大な情報が特徴です。テクノが求めるのはその反対です。 聴き手をトランス状態へと引き込む必要があるので、グルーヴは忙しくなりすぎず、それでいて面白さを保たなければなりません。特定のパターンというより、そのバランスこそがドラムから本当に得たものです。 テクノに対するあなたのビジョンは、年月とともにどのように変化してきましたか？エレクトロニック・ミュージック業界の「トレンド」をどう捉えていますか？ 音楽的な方向性は早い段階から明確でした。美学を見いだすまでには、ずっと時間がかかりました。それが本当の意味で定まったのは「Sounds From The Past」三部作で、テープ、外部ハードウェアによるフィルタリング、サンプリングに全面的に取り組みました。それ以来、オールドスクールな土台を手放さずに、よりダークでハードな領域へと進んでいます。 トレンドについて言えば、投稿する以外ではソーシャルメディアをほとんど使わないし、追いかけてもいません。トレンドは現れては消えていくものです。僕は自分のやり方を貫いてきたと思います。 僕の音楽はどこでもかけられるほど親しみやすくない、と何度か言われたことがあります。それはその通りです。自分らしさを貫くために作られたサウンドは、完全に合う場所もあれば、まったく合わない場所もあります。 何が流行っているか、あるいは人々が何を聴きたがっていると言われているかなど、ずっと前から気にするのをやめました。自分のやり方を貫いて、なぜかうまくいっています。 https://soundcloud.com/khidi/khidi-podcast-194-lars?in=lars-huismann/sets/podcasts あなたのスタイルの本質について話すなら、まさに今、次のEPに注目する絶好のタイミングです。Dax JのMonnom Blackから9月4日にリリースされる「System Collapse」ですが、このEPのコンセプトは何ですか？また、このレーベルに戻ってきたことは、今回のリリースを特別なものにしていますか？ 最初の作品が土台を築きました。つながり自体はそれより前にさかのぼります。Daxが、SteffiのレーベルDollyから出した僕の曲「Cope」をかけてくれて、それをきっかけに連絡を取り合い、1年後に「Mechanized」をリリースしました。 Monnom Blackは立ち上げ当初から追っていました。このレーベルはいつも非常に独自のサウンドを持っていて、何より一貫性があります。これはほとんどのレーベルには当てはまりません。すでに築いてきた信頼関係のもとで今回戻ってこられたことが、この作品を僕にとって特別なものにしています。 「System Collapse」は「Mechanized」と同じ土台に立っていて、両作を結ぶ最も明確な糸はダブの要素です。どちらにも、ダブの色濃いトラックが3曲収録されています。新作では「Atonal」がよりディープな曲で、「Grid」と「Anomaly」は同じ語法をピークタイムの全速力へと押し上げています。その軸を中心に、作品は意図的に幅広い展開を見せます。どの曲にも独自の個性と役割があります。僕にとって際立っているのは「Neon Shadows」です。高揚感のあるメロディーがあり、曲を支えるだけのメロディーを保ちながら、甘ったるくならないようにする。そのバランスを見つけることが、ここでの大きな課題でした。 サウンドデザインが決め手です。メロディーにはFMシンセシスを使います。FMには常に金属的な芯と、わずかなデチューンの気配があります。完全にクリーンな音にはならず、その少しの違和感が、メロディー主体の曲を甘くせず、ダークに保ってくれます。耳はそれを本能的に捉えます。誰もがすでに知っているような、磨き上げられたウェーブテーブルのパッチよりも、ずっと早く反応するんです。ほぼすべての曲でFMを使っているRemco Beekwilderは、その好例です。彼の曲は本当に強烈です。 コンセプトについてですが、EPを作ろうと腰を据えて設計するものだと思われがちです。実際には、全体が時間をかけた旅であり、進化なんです。コンセプトが生まれるのは個々の曲についてで、作品全体に対して生まれることはめったにありません。ミニマル・テクノや、雰囲気重視の実験的な作品なら、そのほうが取り組みやすいでしょう。...

「変わり者たちのための深夜セット」——Risa Taniguchiの音楽を知るきっかけとして、これ以上の誘い文句があるだろうか？ 東京生まれ、東京育ちの彼女は、日本で最も引く手あまたなDJの一人。尽きることのないエネルギー、洗練されたサウンド、そして精緻な選曲で知られている。CLR、Suara、Kneaded Pains、Second Stateなどのレーベルから楽曲をリリースしており、その一つひとつが、プロデューサーとしての彼女の多彩なスキルを示している。 Risaの音楽は、夜のトランス、機械的なサウンド、感情の重みの間を揺れ動き、これらすべての要素の間に緊張感を生み出す。そして、まだ内なる変わり者を解き放つのに少し気後れしているなら、彼女の最新EP—— 「Magnetic」 ——に、感じること、聴くこと、考えることのすべてを解き放つ手助けをしてもらおう。 Risa Taniguchiは、日本のテクノシーンを牽引する存在だ。正式な訓練を受けたピアニストである彼女は、友人たちを通じてエレクトロニックミュージックの世界を知り、初めてビートを聴いた瞬間に恋に落ちた。2018年、 「Ambush」 でデビュー。このEPはAmelie Lens、Dense & Pika、Pan Pot、Perc、Daniel Averyらから大きな支持を集めた。その後も制作やミキシングに取り組み、DJだけにとどまらず、芸術的な関心を広げてきた。真のブレイクスルーは、CLRからのリリースによって訪れた。 「Acid Flesh EP」 （2022年、Black Asteroidとの共作）と 「So Loud EP」 （2024年）は、彼女にとって節目となり、キャリアにまったく新しい章を開いた。  https://soundcloud.com/chris-liebing/clr-podcast-risa-taniguchi-475 現在、Risaは毎週末、国内各地でパフォーマンスを行い、東京のOhjo bldgでレジデントDJを務めるほか、ソウルのUndercity clubでは唯一の日本人レジデントである。また、日本有数の全国ラジオ局の一つ、J-WAVEで自身の番組を持ち、日本のファッションブランドATTACHMENTのランウェイショー2本の楽曲を作曲する機会にも恵まれた。さらに、多才な彼女はヨーロッパやアメリカにも定期的にツアーを行っている。彼女の創造性は、アジアのアンダーグラウンドな精神を世界へとつなぎ、その技を観客に披露する。2024年の出演のうち、Rave The Planetでの初公演とUltra...

一歩ずつ進み、忍耐を身につけ、信じてくれた人たちにいつも感謝する。これが、Nørbakが自ら選んだ道をどう捉えているかを表している。2026年、ポルトガル人DJ、プロデューサーであり、2つのレーベルを主宰する彼は、音楽制作10周年を迎える。そのことが、彼の姿勢が正しかった何よりの証しだ。 「今、キャリアにおいてとても幸せな時期にいます」 と、アーティストは率直に語る。この飾り気のない、しかし喜びに満ちた言葉は、若い世代のプロデューサーたちに大きなインスピレーションを与えてくれる。 Nørbakの出演を前に Muse Festival 2026で、彼にいくつか質問する機会を得た。拒絶や不確かさ、そして努力しても気づかれなかった時期にどう向き合ったのか、また、Oscar MuleroのWarm Upからのリリースが、夢にも思っていなかった扉をどう開いたのかを聞いてみよう。 Agata Omelańska：こんにちは、Artur。お会いできてとてもうれしいです！2026年のMuse Festivalに出演すると知ったとき、とてもわくわくしました。あなたの音楽には、現代のテクノサウンドの好きなところがすべて詰まっていますし、そこであなたを見られるのが待ちきれません。今のお気持ちは？宮殿でプレイする機会は、そうそうありませんよね？ Nørbak：まず、招待してくださったこと、そして私の音楽について温かい言葉をくださったことに感謝します！今年のMuse Festivalでプレイするのが本当に楽しみです。サウンドも演出も、全体の体験も最高のものになるとすでにわかっていますし、会場も本当に見事です。こうした会場でプレイする機会はめったにないので、この特別な場所にふさわしいセットにしたいと思っています。 もちろん、この質問をしたのには理由があります。KawęczynにあるBalzaq Palaceは、イベント会場として素晴らしく、ありきたりではない場所ですから。 フェスティバルでは、アーティストとして、また参加者として、どんなことに心地よさを感じますか？そしてプレイ中、ギグでいちばん好きな瞬間は？ フェスティバルを回る活動は、私にとってまだ比較的新しいものだと言わなければなりません。フェスティバルに頻繁に出演するようになったのは、ここ数年のことです。やはりクラブはいつまでも特別な場所です。観客とのつながりが、より濃密で親密に感じられるからです。とはいえ、フェスティバルのおかげで、私の活動を追っていてもフェスティバルシーズンにしか出かけない人たちとつながる素晴らしい機会を得られました。そのことには心から感謝しています。 https://youtu.be/O802Ux0yncg?si=g8d7DmdZHCpPqvk6 Muse Festivalのラインナップの中で、必聴のアーティストは誰ですか？その理由も教えてください。 Quelzaですね。親しい友人であるだけでなく、音楽の天才で、私たちのシーンを代表する存在の一人になるでしょう。ブースでもスタジオでも、さまざまなエレクトロニックミュージックの形に対して、情熱的で繊細、そして賢明なアプローチを持っているからです。 では、話をあなたに戻しましょう。2026年は、アーティストとしてのキャリアにおいて本当に重要な年ですね。音楽をリリースし始めてから10周年を迎えます。最大限の拍手と温かい祝福に値する節目です。この素晴らしい記念日を秋に特別な形で祝うとおっしゃっていましたね。どんなことに注目すればいいでしょう？また、この機会にあなたがもらう最高の贈り物は何ですか？ 今のところ言えるのは、この記念日を祝うために、特にお気に入りの都市やクラブを巡る小規模なツアーを行い、ツアーと同じ名前のアルバムもリリースするということです。道中では、私が大きな影響を受けたアーティストたちも参加してくれます。また毎晩、オープニングアクトとしてアンビエントのライブセットを披露します。続報は近日発表します！ エレクトロニックミュージック業界で最初の一歩を踏み出したのはどのようにしてでしたか？そして10年が経った今、どこにいますか？ 私の世代の多くのアーティストと同じように、スタジオで音楽を作り、レーベルにデモを送り、ときどき地元でギグをし、そこから少しずつ活動を広げていきました。やがて大きなレーベルと契約し、最終的には海外公演にも定期的に出演するようになりました。正直なところ、綿密な計画などありませんでした。物事は自然に、一歩ずつ進んでいったんです。 今は、正直に言って キャリアにおいてとても幸せな時期にいると言えます。 ずっと作りたいと思っていた音楽を、ようやくリリースできるようになったと感じていますし、自分が発表してきた作品すべてを心から誇りに思っています。DJとしての腕も大きく上達しました。以前から、もっと努力が必要だと感じていた部分です。それに、自分のレーベルは大きな喜びをもたらしてくれますし、長年かけて築いてきたものを本当に誇りに思っています。 https://soundcloud.com/fusebrussels/norbak-recorded-live-at-fuse-260424 自分のスタイルはどのように見つけましたか？そして、少し話がそれますが、それを保ち続けるのはどれくらい簡単ですか？ 本当に自分らしいと感じられる音のアイデンティティを築くまでには、時間がかかりました。長い間、さまざまな理由から、自分は 〜すべきではない あるやり方にこだわってしまうものです。たとえば、僕はずっとベースミュージックが大好きで、エレクトロニックミュージックの中では今でもおそらく最もよく聴いているジャンルですが、何年もの間、その影響をテクノと融合させるのを避けていました。センスがないと思われたり、そもそも一緒にすべきではないものを混ぜていると思われたりするのが怖かったんです。そうすることで、憧れのアーティストたちにどう思われるかも心配でした。 やがて、こう思うようになりました。 「もういい。自分が本当に作りたい音楽を作る。昔気質の人たちの中に気に入らない人がいても、気にしない」 そのとき、ようやく本当に自分らしいと感じられるサウンドを作り始めたんです。 あなたのスタイルや、ほかのアーティストのための場を作ることについて伺います。あなたのレーベルはどのように始まったのでしょうか。エレクトロニックミュージックについてのビジョンと、デモをHayesやNRBKに送るための「秘密の鍵」は何ですか？ Hayesの始まりは、レーベルが今も存続し、何年も意欲を保ち続けている理由とほぼ同じです。特定の、しかし幅広い音楽の好みを共有する友人たちの集まりなんです。矛盾して聞こえるかもしれませんが、これが一番しっくりくる説明です。異なるアイデアやサウンド、美学が共存できる共同体としてのプラットフォームを作ることが、ずっと目標でした。 NRBKについては、当初は自分の音楽だけをリリースするつもりでした。でも、才能ある友人たちの素晴らしい音楽をたくさん聴くうちに、それを自分だけのものにしておくのは違うと感じて、彼らにもレーベルを開くことにしました。それ以来、NRBKではより実験的で繊細なテクノに焦点を当てるようにしています。 契約されるための秘密があるとは思いません。音楽が良く、レーベルのアイデンティティに合っていて、一緒に仕事をしやすい人であれば、喜んで検討します。 https://soundcloud.com/norbakmusic/norbak-suave-lp-nrbk010-previews あなたが代表する地元のシーンについて伺います。ポルトガルのシーンをどのように表現しますか？何が特徴で、どのように機能し、変化し、発展しているのでしょうか。また、テクノ業界の国際的な舞台では、どのように感じていますか？ 今のポルトガルのシーンは、とても活気があると思います。非常に才能のある新人アーティストが大勢いる一方で、シーンを前進させ続けているベテランもたくさんいます。 また、素晴らしい小規模なフェスティバルもいくつかありますし、個人的には世界最高のクラブのひとつだと思うGareもあります。 特にここ4、5年で、シーンが発展してきたことをとても嬉しく思っています。それ以前は、クラブやフェスティバルのシーンがいつも同じ少数の人たちに支配されているように感じることがよくありました。今は多様性や機会が増え、新しい世代のアーティストが自分の居場所を見つけていて、ずっと健全な状況だと思います。 もちろん、まだ成長の余地はあります。スペイン、ポーランド、オランダのような国のほうが、テクノのインフラは整っていると思います。でも、僕たちは間違いなく正しい方向に進んでいますし、ポルトガルのシーンがこれからどうなっていくのか楽しみです。 あなたの音楽は、Warm Up Recordings、Pole Group、Axis、Dynamic Reflection、Mord、Token、Soma、Modularz、MindTripなど、名門テクノレーベルから数多くリリースされています。その中で最も重要だと思うレーベルはどこですか？また、これらのリリースにまつわる忘れられないエピソードをひとつ教えてください。 どれかひとつ挙げるなら、僕のキャリアに最も大きな影響を与えたのはWarm Upだと思います。 Oscar Muleroは、僕がまだキャリアの初期にいた頃にチャンスをくれました。それは僕にとってとても大きな意味があり、多くの扉を開いてくれました。彼が僕の音楽を信頼してくれたことに、これからもずっと感謝します。 忘れられないエピソードといえば、最初のリリースに至るまでの一連の出来事です。Oscarに送った最新のデモに返事が来るかと、5分おきにメールを確認していたのを覚えています。期待と不安が入り混じっていて、ようやく返事が届いたときは、大きな節目を迎えたように感じました。今振り返ると、受信トレイの更新にあれほど夢中になっていたなんて、おかしいですね！ https://soundcloud.com/oscarmulero/sets/norbak-faktor-ep-wu54d これまでに学んだ最も大切な教訓は何ですか？また、この10年間で直面した最も困難な課題は何でしたか？ ありきたりな答えかもしれませんし、深い答えでもないかもしれませんが、忍耐だと思います。最初の数年間、もっと辛抱強くいられたらと本当に思います。レーベルから期待していた返事がもらえないたびに、必要以上に苦しんでいたでしょうから。今振り返ると、音楽に懸命に取り組んだのだから良い返事をもらえるはずだと、時に世間知らずにも思い込んでいました。 最大の課題も、拒絶や不確実さとうまく付き合うことを学ぶことだったと思います。 レコードに何か月も費やしても、人々がどう受け止めるかはわからないままです。誰もが拒絶されることがあり、それもプロセスの一部にすぎないと理解するまで、少し時間がかかりました。 今振り返ると、あの頃の状況のいくつかは本当に笑えます……でも、その話はまた今度に取っておきます！ 2026年の...

直感に従い、感情や気持ちを大切にし、焦らない姿勢——それがANNĒの創作プロセスだ。このアプローチは、Mutual Rytm、Hardgroove、Soma、Symbolism、BPitch、TECHNOなどから数々の高い評価を受けた作品をリリースするだけでなく、自身のレーベルの設立にもつながった。Blind Harmoniesは彼女のアーティストとしてのキャリアにおけるまったく新しい章を告げるものだ。レーベルのビジョンがいかに一貫性があり、練り上げられ、質を重視しているかを見れば、これから美しく時代を超えて愛される音楽が数多くリリースされることを期待できる。  Muse Festivalの第3回開催を目前に控え、 Muse Festival彼女にいくつか質問する機会を得た。このインタビューは、音楽面でも個人面でも多くのインスピレーションを与え、直感を通して電子音楽を体験することを促してくれるだろう。 Agata Omelańska：こんにちは、ANNĒ！U.へようこそ。まずは簡単な質問から始めましょう。音楽を始めたきっかけは何ですか？電子音楽が最初に選んだジャンルでしたか、それともほかのジャンルも探求しましたか？ ANNĒ： 音楽はいつも私の人生の一部でした。幼い頃の記憶のいくつかは音楽と結びついているので、いろいろな意味で、私が音楽を選んだのではなく、音楽はずっとそこにあったんです。成長するにつれてそのつながりは強まり、やがてDJと音楽制作に出会いました。 電子音楽は、私にとって最初の音楽体験ではありませんでした。多くの人と同じように、さまざまなジャンルを聴いて育ちましたし、その多様さが今の私の音楽の聴き方や作り方を形作っていると思います。リズム、感情、メロディー、物語性など、どのスタイルにも学べるものがあります。 でもテクノに出会ったとき、何かがぴたりとはまりました。反復やグルーヴ、繊細な変化を通じて感情を生み出す力に魅了されたんです。個々のトラックだけの話ではなく、旅を組み立て、人々が音楽に完全に身を委ねられる空間を作ることでした。 その瞬間から、これこそが自分を表現するための言語だと分かりました。年月とともにサウンドは進化しましたが、最初にテクノに惹かれたときの感覚は変わっていません。スタジオに入るときも、デッキの後ろに立つときも、今なお刺激を受けています。 DJとしてのキャリアの初期にお気に入りだった曲や、アーティストとしてのあなたに最も大きな影響を与えた曲をいくつか挙げてもらえますか？実際にプレイしたことはありますか？ とても難しい質問ですね。私の歩みのさまざまな段階を彩った曲が本当にたくさんあるので。決定的な一枚があったとは思いません。むしろ、アーティストや作品の集まりが少しずつ私の音楽的アイデンティティを形作っていきました。 たとえば、Ben Klockの Subzero 、Jeff Millsの The Bells 、Slamの Vapour 、Rolandoの Knights of the Jaguar など、象徴的な曲を挙げられます。 今でも昔のレコードを聴き返し、新たな発見をするのが好きです。自分のインスピレーションの源を思い出させてくれますし、音楽のルーツとのつながりを保ちながら、前を向き続けさせてくれます。 Ben Klock、 Marcel Dettmann、, Jeff Mills、, Ben Sims、The...

催眠的なテクノに身をゆだねるのは、いつだって心地よい体験だ。急がず、サイケデリックで洗練されたサウンドは、動きながらの瞑想としても、深い旅としても楽しめる（その間ずっとクラブで踊る喜びも味わえる）。ベルリンを拠点に活動するDJ、プロデューサーであり、レーベルMonday Offのオーナーでもあるメアリー・ユゾフスカヤにとって、このゲームにはもうひとつ重要な要素がある。それはストーリーテリング、そして探求への欲求だ。それが彼女のセットを特別なものにしている。 メアリーは新作EPをリリースしたばかりだ。 BIN008 ――ParekaのレーベルBINÄRからの力強いデビュー作だ。そこで、彼女の現在のアーティスティックな活動について聞くことにした。Berghainでの次回Klubnachtセット、DJを脳のエクササイズと考える理由、PAX-ROMANAでのレジデンシーが生活に与える影響、そして音楽に関する弱点について話を聞いた。  Agata Omelańska：こんにちは、メアリー。お会いできてとてもうれしいです！ツアーやDJ、レーベル運営でとても忙しいのは分かっていますが、私たちのために時間を作ってインタビューに応じてくださり、感謝しています。さっそく始めましょう。話したいテーマがたくさんあります！ キャリアの中でもとてもワクワクする出来事、新作EPのリリースからお聞きしたいです。この音楽は間違いなく注目され、評価されるべきだと思います。コンセプトの一貫性、見事な曲の選び方、そして踊れる催眠的なリズムが、聴き手を深く魅惑的な内面の旅へと誘うところに感銘を受けました。「BIN008」の発想の出発点は何だったのでしょうか？ Mary Yuzovskaya： うれしい言葉をありがとうございます！Andre（Pareka）からBINÄRでリリースしないかと声をかけられたとき、具体的な注文はなく、創作面で大きな自由を与えてくれました。ただ、DJセットの中でそれぞれ異なる時間帯にかけられるようなEPを作ってほしいという希望はありました。A1はセットの幕開けに、B2は締めくくりに使えるように、ということです。この考え方は私にとても響きます。私自身、EPをアルバムとしても楽しめるのが好きだからです。Monday Offの作品を選ぶときも、これを念頭に置いています。 このEPは、Parekaが運営するベルリンのレーベルBINÄRからのデビュー作です。このレーベルからリリースすることは、あなたにとってどんな意味がありますか？また、制作の過程はどのようなものでしたか？ Andreは私のお気に入りのライティングアーティストです。Andreが照明を担当する中でセットをプレイするのはいつも大きな喜びなので、今回は違う形式で、再び一緒に何かを作れることにワクワクしました。 音楽だけでなく、それぞれの曲のタイトルにも興味をひかれました。偶然ではないように思えるのですが、 Rationalisation（合理化）、Denial（否認）、Overgeneralisation（過度の一般化） と Justification（正当化） は何を指しているのでしょうか？このEPを通して、どんな感情や経験、考察を聴き手に伝えたかったのでしょう？ 当初、このレコードには実際にタイトルがあり、収録曲の名前をすべて結びつけるものでした。BINÄRのリリースがすべて、それぞれのカタログ番号（私の作品はBIN008）をタイトルにしていると、私は知らなかったんです。一方のAndreは、私がEPにつけたタイトルに概念的な重みがあることを知らず、制作の過程で元のタイトルは失われてしまいました。 誤解に気づいたのはアートワークが印刷された後だったので、EPのタイトルも曲名も変更するには遅すぎました。そのため、このレコードの言葉にまつわるアイデアは今では隠れたままです。次のプロジェクトで明かすかもしれないので、タイトルが何だったかはまだお話しできません。 https://soundcloud.com/binaerberlin/sets/bin008-mary-yuzovskaya 新しいレーベルのためにレコーディングするうえで、最高の（そして逆に最も難しい）点は…… 初めて誰かと仕事をすることが、再び一緒に仕事をすることと大きく違うとは思いません。信頼があり、意思疎通が明確で、お互いに意欲があれば、すべてうまくいきます。 ……では、ほかのアーティストの音楽をリリースする責任を担う立場は、どんな感じでしょう？もちろん、あなたのアーティスティックなキャリアにおいて非常に重要な存在であるレーベル、Monday Offについてです。日々の仕事で助けになること、そして難題となることは何でしょうか？また、絶対に譲れない個人的なルールはありますか？ アーティストに対して、レーベルのビジョンや価値観、ルールなどを非常に明確に、率直に伝えることが不可欠だと思います。 アーティストが自分の参加することについて十分に理解していて、レーベルの方針もそのアーティストに合っているなら、その後に問題が起きることはないはずです。そうすれば、関係者全員にとって不愉快な驚きがなくなります。 アーティストにリリースを依頼するときはいつも、Monday Offはヴァイナルのみで、デジタル版は出さないことを明確に伝えています。もうひとつの絶対に譲れないルールは、マスタリングを必ずArtefacts MasteringのGio Contiに依頼すること。例外はありません。アートワークはLisaの担当です。彼女はプロデューサーと同じくらい、レコードにおけるアーティストです。彼女は音楽を聴き、それに触発された絵を描いてくれるので、私もアーティストも彼女の作品に口を出しません。 また、アーティストには、流通を誰が担当するのか、何枚プレスするのか、締め切りはいつなのかも伝えます。締め切りはできるだけ厳密に設定したいと思っていますが、各自のスケジュール次第で、案件ごとに変更できるものでもあります。こうした条件にアーティストが納得すれば、了承してくれます。でも、目標が私とは異なり、断られたとしても、まったく理解できます。それもすべてプロセスの一部です！ 個人的に、レーベルを運営するうえで最大の課題は、すべてを期日どおりに進めることです。あらゆる段階で遅れが生じますし、今でもそのことを深刻に受け止めてしまいます。 Monday OffはEPやコンピレーションのリリースで知られています。そこにはあなた自身の作品のほか、ORBE、D-Leria、Mathys Lenne、Ruhig、そしてMichał Wolski、Błażej Malinowski、Milena Głowackaといったポーランドのアーティストの作品もあります。音楽を聴くとき、最初に、そして最も大切にしているのは何ですか？それはなぜでしょう？ そのトラックが好きか、そうでないかです。自分に選曲のルールを課さないよう意識していて、ただ直感に従っています。でも、レーベルを運営して9年になるので、少なくともひとつ、無意識のパターンに気づいていると思います。 控えめなトラック、何か秘密を秘めたトラックには、明らかに弱いんです。 https://www.youtube.com/live/-7nwwTDLcz4?si=icwcd7pv2qCov7IK Monday Offに欠かせないのが、アーティストのLiza Shutovaが手がける、海の動植物に着想を得た美しいカバーです。個人的には、水中の生き物をレーベルのビジュアル・アイデンティティに選んだのは大正解だと思います。水中では音の聞こえ方が違い、動きの軌跡も異なり、時間もまた違う速さで流れているように感じられます。催眠的なテクノに少し似ていますよね？ 海の動植物をよく取り上げています。あまりにも美しく、無視できないからです。でも、作品のテーマは水中の世界にとどまりません。生き物全般が題材です。サボテン（MOFF001）、鳥（MOFF005）、ハエトリグサ（MOFF007）、桜の木（MOFF008 。よく見ると、桜の花は実は神経細胞です）、カワラタケ（MOFF011）、野草（MOFF012 と MOFF016）、それにアロエ（MOFF013）や雪の結晶（MOFF018）があります。レーベルのロゴは蚊です。 目に心地よい模様であれば、さまざまな方向に進んでいきます。 レーベルの立ち上げ期に、Lisaと私でレーベルのビジュアルについてアイデアを出し合ったとき、写真にするかグラフィックにするかを議論しました。写真ではなくグラフィックを選んだのは、そのほうがLisaの自由度が高く、思い切った表現ができるからです（たとえばMOFF005の鳥は実在の鳥ではなく、3種類の鳥をひとつに組み合わせています）。 この質問を選んだのは偶然ではありません。あなたのセットを聴くと、抵抗することなく、その洗練された催眠状態に身を委ねてしまいます。とても心地よくて、フロアを離れず、気が散ることもなく、自分の内面とも世界のほかの部分ともつながったままでいられます。選曲の感覚はどのように培ってきましたか？また、DJとしての手段、表現の媒体として、なぜレコードを選んだのですか？ 感想をありがとう。そう言ってもらえてうれしいです。セットの組み立ては、音楽の好みそのものよりも大切かもしれないと、いつも感じていました。だからDJを始めた頃から、その点にはかなり気を配っていました。セットやその一部をあらかじめ組み立てておくのは好きではありません。そうすると身動きが取りづらくなり、思いがけない幸運な展開の機会を奪われてしまうからです。でも、ブースにいるときはかなり戦略を練ります。数枚先のレコードまで考え、その場でアイデアを練り、進みうるさまざまな展開を考えます。会場の音響や、リスナーの踊り方も判断の助けになります。 私にとってDJは、間違いなく頭を使う作業です。おおよそどこへ向かうのかはいつも分かっていますが、道筋は変わることもありますし、プレイしながら探っていくのが好きです。 https://soundcloud.com/bananamilk/sets/mnmt-label-showcase-monday-off 意識してレコードを選んだわけではありません。始めた頃、クラブにあったのはターンテーブルだけで、CDJはそもそも存在しなかったので誰も使っていませんでした。実物のCDJを初めて見たのは、キャリアを始めて3年ほど経った頃だったと思います。ほかの人と同じようにレコードをかけていました。デジタル技術が主流になり始めたときに試してみましたが、しっくりこなかったのでレコードを続けました。 あなたの独特で非常に洗練されたスタイルは、ひと目で分かるブランドになりました。世界中を旅し、Radion、Tresor、Basement、Razzmatazz、Tillatec、://about...

尽きることのないエネルギーであらゆるステージに立ち、サウンドシステムも観客も圧倒する。DJへの需要が高い世界をどう渡り歩くかを熟知し、何よりも自分らしさを大切にしながら、幅広い音楽ジャンルに挑戦している。今年、Up To Dateに初出演するにあたり、Adnableとshhronが、現在のシーンにおける経験や見解を語る。 Dominic：音楽活動を一緒に始めて、何年になりますか？ずっと前から一緒にやっているような気がします！ Adnable：初めてB2Bをやってから約3年で、この2年はセットで比較的頻繁にブッキングされています。初めてのB2Bは自分たちの発案ではなく、プロモーターのアイデアだったのがおもしろいですね。クラクフのSektaで大成功を収めたイベントに、僕たちを一緒に呼んでくれたRefleksチームに感謝です。当時の僕はまだあまり自信がなくて、Szymekはすでにクラブで定期的にプレイしていた一方、僕は始めたばかりでした。それから約1年後、Hoerの配信で一緒にプレイし、それ以来、ブッカーからデュオとしてかなり定期的に声がかかるようになりました。 shhron：公式には、まさにそのとおりです。それに、そもそも初めてB2Bをする前から、僕たちはとても親しい間柄でした。長年の友人ですし、覚えている限りずっと、クラブミュージックの好みもよく似ていました。何年も前、二人ともベース色の濃いエレクトロに夢中で、それが僕たちの「セレクト」の個性になっていましたし、実際、今でもその響きは残っています。同じイベントにしょっちゅう足を運び、似たようなことに心を躍らせていました。 あなたたちのスタイルは「ベースヘヴィーな実験」と表現されています。このジャンルに興味を持ったきっかけは何ですか？また、広義のブロークンビートはポーランドのシーンでどのような役割を担っていると思いますか？ Adnable：自分をひとつの枠にはめるのは好きではありませんが、答えるとすれば、単純にブロークンなセレクトをさらに掘り下げていく過程だったと思います。僕が影響を受けたプロデューサーの多く（たとえばAloka）は、エレクトロだけでなく、よりブロークンなジャンルへと向かっていきました。ベースをかけ始めた時期は正確には覚えていません。最初のセットにもブレイクス、エレクトロ、UKガラージ、レフトフィールド・ベースが入っている一方で、4x4の雰囲気もあります。僕は「マルチジャンル」という言葉が好きで、必ずしもベースヘヴィーとは限りません。夏の夕暮れにダブの雰囲気でプレイするのも大好きで、そこにはちょっと心地よくて、いい感じのところがあるんです。 ポーランドのシーンについては、すごくいい状況です。昨年のUTDFフェスティバルでは、ポーランド人DJのセットがいちばんよかったと僕は思っています。セットからセットへ移動しながら、このレベルは最高だなと感じていました。地元には素晴らしいセレクターや音楽愛好家がいます。そのことをもっと広めていきましょう！ shhron：そもそも「僕のスタイル」がそう定義されることには、あまり同意できません。僕はむしろマルチジャンルのアプローチです。駆け出しの頃はエレクトロやゲットーをよくプレイしていて、それがポーランドのシーンで僕（と僕のコレクティブWE LECIM）の個性になっていたので、ブレイクのセレクターというレッテルは確かに定着しました。でも、この音楽はずっと4x4と交わってきましたし、テクノだけに限りません。こうしたブロークンビートを、何かトロイの木馬みたいにクラブへ持ち込んでいた、と冗談で言っていました。この場合、木馬にあたるのはテクノです（笑）。 今は4x4もブロークンビートと同じくらい大切ですが、どちらをプレイするかは、相手にする観客やイベントの趣旨次第です。特にFisherman's Bass Clubのイベントでは、ベースがとてもヘヴィーでブロークンなセットをかけることもありますが、どちらかというと、ジャンルをまたいだリズミカルなごちゃ混ぜになることのほうが多いですね。 Adnable & shhron：でも、二人でプレイすると、もっとレフトフィールドで実験的な、「ヘヴィー・ベース」の方向に進んでいくところがあるんです！自然な流れですし、隠すつもりもありません。そういうのが好きなんです。この分野では言葉を交わさなくても完璧に通じ合えますし、ソロプロジェクトで普段やっていることとは違うものを、二人で生み出しています。 テクノもプレイするんですか？ shhron：はい、もちろんです。ただ、プロモーターからはテクノとまったく結びつけられていないと自覚しています。テクノは最初から僕の生活の一部で、典型的なテクノイベントでプレイするのも好きです。でも、「100％ shhronな体験」を作れると感じるとき、テクノは異なるジャンルをつなぐ道具、接着剤のようなものです。今は特にラテン・テクノ／ラテン・ベースですね。同じようなアプローチのプロデューサーからずっと影響を受けてきたことも否定しません。昔はDJ Stingrayで、その数年後にNeffa-Tの活動を知り、今はVerracoのような人たちにものすごく刺激を受けています。南米のシーンに深く根ざしたプロデューサーで、テクノと共鳴するものがセットからも聴き取れます。次のUTDFで僕を探す人がいたら、この天才のセットの最前列にいるはずです。 Adnable：意外に思われるかもしれませんが、私はこういうふうにテクノをプレイしています。最初の頃から、ブロークンなジャンルから少しずつ離れ、テクノのブロークンな要素を壊してきましたが、テクノをプレイしていると言えるほどではありませんでした。そうしたスタイルに馴染み、今では自分の中に二匹の狼がいると分かっています。ブロークンな狂気と、正統派のテクノです。さまざまなジャンルをミックスするとき、とりわけUKの雰囲気があるものを多く使うので、ミックスはとても速くなることが多いです。ブレンドするのが大好きで、セット中は手を動かし続けていたいんです。フロアにあの雰囲気が生まれるのが大好きです！ 本当に楽しいですし、すごくクールなテクノのイベントでプレイする機会をいただけてうれしいです。もっと面白くするために、ベースのときもあれば、テクノのトラックのときもあります！ぜひおすすめしたいです！ 今年のUp To Date Festivalでの出演は、このイベントへの初出演ですか？どんなパフォーマンスが期待できますか？ Adnable & shhron：ラインナップに加わるのは今回が初めてですが、私たちは何年もこのフェスティバルを応援してきました。ポーランドのフェスティバルの中で一番のお気に入りだと称賛しているんです。何より、ラインナップがいつも私たちの好みにぴったりで、毎年たくさんの友人がUTDFに来るからです。友人たちとじっくり話せるのは、今回が初めてです。 私たちのセットに期待できることは？土曜日のラインナップの幕開けを務めるので、ベースを軸にした、より型破りでロックなトラックから始めることになるでしょう。次に出演するアーティストたちのために、ウォームアップでステージの雰囲気の土台を作る必要があります。この機会の選曲について考えるのは、正直とても楽しいです。ダブの要素を取り入れたブロークンなセットで、パーカッションやサブベース、オーガニックなサウンドもたっぷり盛り込むつもりです。 今ではDJ／プロデューサーが以前より一般的になり、地元で活躍する熱心な人たちの役割が、ある程度軽んじられるようになりました。 Up To Dateはポーランドに限らず、私たちのお気に入りのフェスティバルの一つです。今年、皆さんに会って音楽を聴けるのをとても楽しみにしています。シレジアのシーンについて、もう少し教えてください。INQbatorやElectric Cafe、学生向けのPanopticumのような場所でセットをしていた頃を、今でも覚えています。最近のカトヴィツェとその周辺のクラブシーンはどんな感じですか？お気に入りの場所はありますか？ shhron：INQは、カトヴィツェのアンダーグラウンド・クラブシーンで、これからもずっと伝説であり続けるでしょう。あの場所を懐かしむ声を時折耳にします。シレジアのクラバーを何世代にもわたって育ててきた場所ですから。閉店直前、まるで稲妻のような一瞬の機会に、そこでデビューできたことをうれしく思います。満員のパーティーで、伝説的なイベントでした。それは時代の終わりを象徴するものでもありました。閉店から3週間後にパンデミックが始まり、その余波は今もアンダーグラウンドのクラブシーンに感じられます。 シーンは変わりました。シーンに情熱を注ぎ、音楽を掘り下げ、DJやプロデューサーを追いかける人が減ったように感じます。今ではDJ／プロデューサーが以前より一般的になり、地元で熱心に活動する人たちの役割が、ある程度軽んじられるようになりました。 シレジアのシーンについて言えば、まだ生かされていない可能性が少しあると感じます。熱意あるコミュニティを築くための一体感が足りないように思います。また、生計を立てるために働いたり、とことんプレイしたり、ビジネス・テクノやハード・テクノなどを追求したりしたくない人たちの居場所も、シーンには足りないと感じます。これは誰かを批判しているわけではありません。特にパンデミック後の「苦しい」時期を経て、クラブも利益を上げる必要があることは理解しています。それでも、私のより「ひねりを加えた」選曲は、たとえばワルシャワやポズナンのシーンのほうが、より評価してもらえていると感じます。 幸い、地元でコミュニティを築いているクールなコレクティブには、いつも自分の居場所がありました。代替的なコミュニティづくりにもっと関わろうかと、時々考えることもあります。でも年齢を重ねるにつれて、何もかもはできないのだから、手放すことも覚えました。今のところ、優先しているのはプロデューサー、DJとして自分を成長させることです。 zerozero · [Adnable b2b Shhron] 00cast8 海外でプレイしてみたいクラブやフェスティバルはどこですか？ Adnable：ベースヘッドとして、OutlookやDekmantelでプレイできたら最高です。UKのどこかで、地元の観客を前に本格的なベースセットをプレイし、この音楽のルーツを本来の環境で体験するのも夢です。 shhron：特定のクラブやフェスティバルが思い浮かぶわけではありません。異なる文化と同じように、エレクトロニック・ミュージックのジャンルも盛んに混ざり合うパリやベルリンのシーンに惹かれます。たとえばボゴタで、南米のレイヴを主催するのも夢ですね。 来年の予定を教えてもらえますか？ほかにもフェスティバルへの初出演やコラボレーション、プロジェクトなどはありますか？ Adnable：待望のUTDFに加えて、今年はTauronでもプレイできることになり、とても光栄に思っています。PR1VAT3 D4NC3Rクルーと一緒に、Dance Circlesでもまだプレイする機会があります。Viとともに、100％テクノのセットを披露します。 テクノコアのフェスにもうひとつ出演する予定がありますが、まだ発表されていないので、何も明かせません……楽しみにしています！この夏はRadio Rudinaにも行く予定です。それからAbletonは1月からリリースを待っているのですが、いつになるのかは誰にも分かりません…… :3 shhron：ここで特に目新しいことを言うつもりはありません。今年はプロダクションの探求にもっと力を注ぐと決めたので、イベントのラインナップに登場する機会は少し減るかもしれません。簡単に言えば、もっとコンピューターに向かってマニアックに取り組むつもりです。SNSなどでの反応という点では、あまり目を引かないことも分かっていますが、私にとってはとても充実感があり、自分の成長における自然な段階だと感じています。海外レーベルのクールなV/A作品にいくつか参加する機会をいただいていて、とても嬉しいですし、定期的にDAWに向き合う自己規律を保つ助けにもなっています。 限りない成功を祈っています。インタビューに改めて感謝します。今年のイベントでステージに立つあなたに会えるのを楽しみにしています！ https://www.instagram.com/adnable https://www.instagram.com/shhron_music

初めて会ったのは約3年前。Wrocławで、 Plalが主催したイベントに出演したときでした。短い出会いから始まったものが、共有する好奇心や個人的な話題を通じて、ゆっくりと遠距離のつながりへと変わっていきました。彼女は、本当にオープンで寛大で、知識を人と分かち合うことを惜しまない、数少ないアーティストの一人です。それ以来、彼女が進化していく姿を見てきたことは、とても力強く、刺激的でした。 彼女の歩みは自然なものに感じられます。音楽は、生々しく荒々しい強度をもって空間を進んでいきますが、常に深い感情をたたえています。ダンスフロア向けに組み立てられたというより、内面の状態から直接すくい取られたかのようです。彼女の音への向き合い方には、純粋さと脆さがあります。楽曲は流動的な音の風景として展開し、テクスチャーや身振り、メロディーの断片に満ちています。それらは、ほとんどの人が見過ごす自然の細部から引き出されたようでありながら、彼女はそれを感じ取り、豊かなメロディーラインへと翻訳することができるのです。 トゥールーズ出身で、現在はベルリンを拠点とするJan Loupは、ヨーロッパ各地で自身の世界を広げ続けています。彼女の存在感は増しており、近い将来、そのエネルギーがさらに多くのダンスフロアに届くことは明らかです。ぜひ注目してください。思っているより早く、あなたの街にやって来るかもしれません。2018年から活動するプロデューサー、DJ、サウンド・テクニシャン。ひとりで制作することも多く、モダンなダブステップ、ダークなドラムンベース、パーカッシブなハーフタイム、そしてトライバルな影響を融合させた独自のサウンドを生み出しています。 まずは簡単な質問から。今どこにいて、今日はどんな気分ですか？ やあ！今はベルリンのスタジオにいて、いくつかのステムの書き出しを待っているところ。今日は少し疲れてる。スタジオ作業を詰め込んで3日目だから（この場所を使えるのは1週間だけなんだ）。でも、自分の探求をさらに押し進めたいという気持ちで、わくわくしてるよ。 最近ベルリンに移ってきましたね。何がきっかけだったのでしょう？ はは、簡単には話せないね。ここに本当に移住したのか、自分でもわからない。ここ数年の大半は旅をしていたし、もう家に帰りたいと思わなくなっていた。毎週末、一晩だけ滞在する以上のことをしたかったんだ。人と出会い、コラボレーションし、地元のシーンに関わり、その土地を深く知りたかった。人々がどう暮らしているのか、そこでコミュニティがどう繁栄し、あるいは生き延びているのか。心からの交流を求めていたんだ。 とはいえ冬が来て、制作に適した場所も必要だった。あちこちを巡るなかで、ベルリンは最も「ここにいたい」と思わせてくれる場所のひとつだった。人々、音楽、エネルギー、発見できるものの多さ。まるで、力を身につけた魔女や、アーティスティックなゴブリン、DIYのピクシー、ほかにもさまざまな並外れたアンダーグラウンドの生き物たちが、巨大な沼地に集まっているみたい。フランスで経験してきたものと比べて、とてもクィアで、オープンで、寛大な場所だと感じた。トゥールーズよりもここでのほうが、ずっと自分の居場所だと思えた。自分の内側にある何かと響き合うように感じるから。好奇心を刺激され、インスピレーションを与えられ、もっと知りたいという欲求が湧いて、学ぶことに夢中になった。 首都だからこそ得られるものもあるんだと思う。ただ、典型的な「大都市」という感じはそこまで強くない。街が広く、ゆったりした場所が多いから、窮屈さを感じずに歩き回れて、心を落ち着けられる。とはいえ、まだ自分のリズムを見つけているところだけど。 Tempaからリリースされる、近日発売のコンピレーション『All Stars』に参加していますね。あなたの作品も素晴らしいです。このつながりはどのように生まれたのでしょう？ そうだね、Beatrice M.とは、すでにNAFFから一緒にEPを出していて、 『Shallow, Light and Safe』という作品だった。だから5月に再びつながったのは自然な流れだったよ。Goodness UKのパーティーでFoldに出演するためロンドンにいたんだけど、Hewan AmanとB2Bでプレイしたんだ。イベントのあとももう1週間滞在して、Beaに会って、当然スタジオにも行った。その時点で彼女たちはすでにTempaと連絡を取っていて、セッションのすぐあとくらいに、コンピレーション用の楽曲を集めているとBeaが教えてくれたんだ。向こうが興味を持ってくれるなら、まさに絶好のタイミングだと思ったよ。 Beatrice M.とのコラボレーションは、とても親密で自然なものに感じられます。このアーティスト同士のつながりは、どのように育まれてきたのでしょう？ 初めて会ったのは、彼女たちがもともと学んでいたストラスブールだった。お互い、プロジェクトを始めたばかりの頃だったんだ。そのときは頻繁に連絡を取り合うようにはならなかったけれど、実は自分のポッドキャストで彼女たちにインタビューしたことがある。 『Mana-Machine』当時、私はアーティストが自分の創作プロセスをどう捉え、どこからインスピレーションを得ているのかを調べていました。数年後に私たちは再びつながりました。お互いにまた巡り合えたことを、たぶん喜んでいたし、とても自然に感じました。当時、フランスでダブステップ／UKの影響を受けた音楽をプレイし、制作しているFLINTAの人たちは、私たちを含めてごくわずかでした。シーンの中でFLINTAとして活動する苦労も、互いに分かち合っていました。そこから連帯感やエネルギー、怒りが生まれ、それが私たちの音楽に入り込んでいきました。私にとって、そうした緊張を作品を通じて解き放つのに、これ以上の方法はありません。錬金術のようなプロセスです。私はいつも、奇妙な音を彫り上げたり、白昼夢と菌糸の成長のあいだにあるような雰囲気や質感に没頭したりするのが好きです。一方、彼女たちはより速く、正確で、構造的かつつながりを意識したビジョンを持っていて、建築家のような思考をします。だから私たちはかなり補い合えていたんです（ただ、これは私から見た彼女たちの印象なので、間違っていたらごめんね、bea :3）。 （ただ、これは私から見た彼女たちの印象なので、間違っていたらごめんね、bea :3） https://soundcloud.com/janloup/beatrice-m-jan-loup-si-jadore?utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 2025年11月にOf Paradiseとプロジェクトをリリースしましたね。このコラボレーションはどのように始まったのですか？ Of Paradiseから初めて連絡が来たのは2024年で、彼らのコンピレーションの1曲についてでした。それが最初のコラボレーションです。私は「 Marée Basse」という曲を送りました。その後、2025年にまた連絡をもらいました。 メールが届いたのはTrois-Quart-Taxi-Sistemの家にいたときで、一緒にコラボを始めてからたぶん1日後でした。ふたりともその機会に新しいことを試し、取り入れたので、展開はとても速かったです。とてもスムーズで自然な感じでした。最近見つけた、あるいは試してみたかったコツやテクニックを、お互いに見せ合いたいという気持ちでいっぱいでした。セッションの直後にデモを送り、OPはすぐに気に入ってくれました。ところで、短い話をすると、TQTSはその数週間後に、個人制作やmalesaとのコラボ曲、ライブ用の作品など、すべてのデータが入ったコンピューターを盗まれてしまったんです。バックアップはゼロ……。それで、この曲も失われたと思っていました。ギグからの帰りに電車で眠っている間に起きたことで、本当に悲劇的でした。彼は駅から、まさに直後にパニック状態でメッセージを送ってきて、まだ必死にコンピューターを探していました。彼は本当に優しい人で、今でさえ謝ってくるんです！彼のことが本当に気の毒で、そのときどんな気持ちだったかを強く想像しました。「いや、ライブセットも制作物も全部失くしたんだよ。今は僕たちの曲のことなんて、最後に心配すべきことだよ」と思っていました。 実際、私たちはこの作品をとても気に入っていたので、ふたりとも失われたと考えるのはつらかったです。でも、彼は本当に制作物をすべて失くしたんです。あれはたった1回のセッションで作った曲でした。 その後、セッションの最後に彼がデモのWAV版を私に送っていたことが分かりました。結果的には、ミックスもそれほど悪くなく、私たちの記憶よりもかなり完成に近い状態でした。いくつか手を加えてミックスを整えたら、送れる状態になりました。TQTSはコンピューターを取り戻せませんでした……。今ではこの話を、みんなに自分の作品のバックアップ体制を整えるよう勧めるために使っています。必要なら私の方法も共有できます。似たような話をたくさん聞いてきましたし、あのような大きな事故をきっかけに制作をやめてしまった人もいます。思いがけない事故から自分の作品を守ることは、自分自身への贈り物です。本当に。私はとてもスピリチュアルな人間ですが、こういう出来事に必ず意味があるわけではありません。もちろん、何からでも成長できるように、そうした出来事から成長することはできます。でも、学ぶのにもっといい場所はきっとあります。 https://soundcloud.com/030esar0303/2-jan-loup-maree-basse-of-paradise?si=548df6d473244b9ab951b91b8c34b450&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing ステージについて話しましょう。パフォーマンスは時間とともにどのように変化してきましたか？ステージではどんな気持ちになりますか？自分の中で今も変化し続けているものは何でしょう？ 話すことが本当にたくさんあります。DJとしてステージに立つ自分の仕事や、そこにいるときの存在感や役割について、自分が何をもたらしたいのか、何を手放すべきなのか、自分ではどうにもできないことは何なのか、よく振り返ります。今ではそれを、時間をかけて築かれ、さまざまな経験を通して絶えず変化していく芸術として捉えているので、形を変えながら進化し続けています。絶え間ない実践です。出演するたびに、自分自身や音楽、人間、シーン、パーティー、魔法、そしてこうしたものすべてや、それ以上のものが展開していく生態系全体について、少しずつ学んできました。 でもそうですね、パフォーマンスへの向き合い方が大きく変わったと言えるでしょう。きっかけは、神経科学者で作家のAnne-Laure Le Cunffの話を聞いたことでした。簡単に言うと、彼女は「勝つこと」にとらわれた考え方が、私たちを身動きできなくさせることがあると説明し、代わりに「小さな実験を重ねるマインドセット」へ移行することを提案しています。彼女の言葉のおかげで、内面的にも、システム的にもさまざまな理由から自分に与えていなかった自由を得られたと思います。 私は以前から、創造性には実験と失敗が欠かせないと、いつも自分の人生を通して表現してきました。でも、そう口にするのは、この現実を心から受け入れることよりずっと簡単です。さらに、DJをすることはそれをいっそう複雑にします。パーティーでは、90分から3時間という短い時間に、偶然性や激しさ、混沌が凝縮されます。その背後には数えきれないほどの時間があるにもかかわらず。掘り下げ、準備し、磨き上げ、意味を探し、形にし、新しい何かを生み出そうとする……。だから、「うまくやりたい、記憶に残りたい」、あるいは自分を証明したいという欲求を手放すのは難しい。特に、人生の早い時期には得られなかった受容や安心、承認を求める、よく知られたアーティストの傷を抱えているならなおさらです。 ともあれ、新たに見つけたこの自由のおかげで、DJセットを協働によって生まれるフィクションの芸術作品（物語としてのフィクション、集団で幻想を紡ぐもの）と捉える、以前からの考えをさらに深められました。私にとってそれは集団で形づくられるもの、いわば共創されるものであり、空間・時間・ダンサー・社会・政治・経済という文脈から切り離すことは決してできないと思っています。DJセットはパーティーの中心と見なされることが多いですが、私にはむしろ建築的なものに感じられます。より大きな構築物の一部です。そして、DJを台座に載せ、神のような位置に置こうとする風潮には、かなり抵抗しています。そもそも、私が初めて経験したパーティーの多くは、森のレイヴでした。DJは、より広い劇場の中の役割のひとつだと考えています。私はこの役割に対する自分なりの適応と認識をもって、自分の役を演じます。パーティーでは、ほかの誰もがそれぞれの役を演じているのと同じように。もちろん、私自身の物語や感情、人生経験も、私の存在と私の 作品を通して響いています。 文化とは、共有された明晰夢だ。 今、ステージに立つときは、自分の内なる直感に意識を向けています。前頭前野が言葉で表現できる範囲をはるかに超えて、私たちは物事を感じ取っているのだと、今ではわかっています。私たちの全身がアンテナであり、受信機であり、私たちは身体を通して学ぶのです。今の私には、こんな信念とマントラがあります。「私たちは身体で学ぶ。すべては筋肉の記憶だ」。だから、身体の直感に耳を傾け、コンパスを頼りに進むように、あるいはダウザーの杖のように、世界やその場、人々のエネルギーや感情の状態、生体場や電磁場、そして自分のプレイリストや欲望、希望、彼らのために用意した旅路、伝えたいメッセージ、連れていきたい場所から漂う、さまざまな気配の中を進んでいきます。いつも、何の制約もない熱狂的なダンスへと至る道を、ともに築きたいという願い、いや、渇望があります。よく言うところの「ヴァイブス」――精神の檻から解放されるような感覚が、たとえほんの一瞬でも生まれるものです。 もっと理性的な人たちには、少しニューエイジすぎる話に聞こえるかもしれませんね（笑）。私の感覚は、それが解き明かそうとしている人生の秘密の真実であれ、まったくの幻覚であれ、自分の実践を築き直し、刷新していくための大切な指針だと思っています。同じように探し、感じてきた人たちが自分より前にたくさんいたと知り、さまざまな言葉で表現されているのを見ると、どこか安心します。最近、Eris Drewの文章に出会いました。彼女の「Motherbeat」という考えは、私自身が感じていたことと深く響き合いました。 今でもステージ恐怖症に悩まされています。もっと安心して、自信を持てるようになりたい。真の創造性は、そういう状態でこそ生まれるからです。ストレスと相反するものではありません。ストレスがエネルギーの原動力になることもあります。でも、このプロセスから自分の価値を切り離すことが大切なのです。恐れではなく、音楽と人々に導かれる、とても無私で繊細なアンテナとなり、自分のすべてを捧げること――そんなふうに、何かと調和したいという気持ちです。 今後、3組のアーティストとコラボレーションできるとしたら、誰を選びますか？ 実はもう、本当に素晴らしい仲間たちとコラボレーションしていて、とても嬉しく、わくわくしています。Bea、Ojoo、georg-i、Cinna Peyghamy、Son du...

彼を表現する言葉はいくつもあるが、彼を知るいちばんの方法は、そのサウンドを通してだ。Ø [Phase]は、時空を超えるスタイルで知られている。Mote EvolverやTokenといった名門レーベルから作品をリリースする一方、自身のレーベルModwerksも情熱と献身をもって運営している。Tresor、Berghain、RSO、Basement、KHIDI、Fuseにもたびたび出演しており、Jasna 1のレジデント、daisy cutterの招きで、Ø [Phase]が再びワルシャワを訪れた。 前回のWild At Heartシリーズは3月21日に開催された。そこで、音楽についていくつか質問してみることにした。Agata OmelanskaがØ [Phase]に、最新アルバム『White Pills』、ライブパフォーマンスへの復帰、Luke SlaterおよびPhyxixとのコラボレーション、そして彼が最も高く評価するプロデューサーについて話を聞いた。  Agata Omelańska：こんにちは、Ashley。お話しできてうれしいです！何年もあなたの音楽を聴いてきました。私にとってあなたは、今では最も心に響き、人生の一部となったテクノのサウンドを知るきっかけをくれたアーティストの一人です。ありがとう！ まずは最近の活動について聞かせてください。2025年、前作から4年を経て、新しいアルバム『White Pills』をリリースしました。また、自身のレーベルModwerksや、Mote-Evolver、Phyxixなどから数多くのEPも発表しています。そのほかに、重要な出来事やプロジェクトはありましたか？また、こうした要素は『White Pills』のサウンドにどのような影響を与えましたか？ Ø [Phase]： LPの制作と、それに伴うライブセットの準備以外では、ここ数年、Modwerksの発展に最も力を注いできました。そのすべてのおかげで、通常のツアー活動以外でもとても忙しく過ごしていました。 LPへの影響という点では、より広い哲学的な影響もありました。タイトルの「White Pills」は、映画『マトリックス』に由来する「赤い薬／青い薬」の比喩を参照しています。ますます混沌としているように感じられる世界のなかで、「White Pills」は（「Black Pills」とは対照的に）楽観的でいること、前向きでいることをテーマにしています。 https://soundcloud.com/ashley-phase/o-phase-white-pills-promo このアルバムにはどれくらいの期間取り組みましたか？制作のプロセスはどのようなもので、最初に抱いていたビジョンはすぐにスタジオでの作業へと移されましたか？ アイデアの多くは、必要になったり、完成させる気持ちになったりするまで、スケッチのままになっています。 もっと短期間でまとまるものもあります。このLPも例外ではありませんでした。さまざまな断片を集め始めると作品群が形になり、それらがLPとしてどうまとまるのかが見えてきました。今回は特に、要点を押さえた、長すぎず、フロア向けの作品にしたいと思っていました。構想から曲が完全に仕上がるまで、制作にはおそらく数か月（もう少しかかったかもしれません）かかったと思います。急いで仕上げることはまずありませんし、気が変わることもよくあります！ Ignezの最新リミックスにも触れずにはいられません。彼の曲「Ethereal」をあなたが再解釈したバージョンは、エネルギーや加わった音楽性、そして原曲より強くクラブを意識した感触に驚かされました。このリミックス、そしてより広く、あなたが手がけるリミックス全般にはどのように取り組みますか？最初に取りかかる要素は何でしょう？ 正直なところ、音楽やリミックスの制作に決まったやり方はありません。 どこへ向かいたいかというアイデアが頭のなかにあることはあって、それがアプローチに影響する場合もありますが、基本的には毎回違います。 Ignezの曲では、思い描いていたリズムと動きを出そうと、ベースとキックをいろいろ試すところから始めたと思います。そこからほかの要素が続いていきました。 https://www.youtube.com/watch?v=xeBKj3XENUQ リリース前に、自分の音楽をチェックしますか？それとも、どれくらいの頻度でチェックしますか？ダンスフロアでのオーディエンスの反応と、業界の人たちの声の両方について聞いています。どちらかがより重要ですか？それとも、他人の意見はまったく気にせず、自分の内なる指針に従うのでしょうか？ 以前は、新しい音楽をレーベルマネージャーに聴いてもらい、意見をもらうのが役立っていました。でも今は、作品のほとんどをModwerksから出しているので、そういう機会はなくなりました。クラブでダイナミクスを試すのは確かに役立ちますが、内容については、 最近はたいてい、自分の直感と経験を信頼するようにしています。 数年のブランクを経て、ライブパフォーマンスに復帰しましたね。「何年ぶりかの復帰」の最初の会場に、ブリュッセルのFuseを選んだのはなぜですか？そして、近いうちにライブをもっと頻繁に聴けると期待してもいいでしょうか？ 最後にライブセットを演奏したのは2020年頃で、ちょうど世界が混乱に陥った時期でした。その頃には、しばらく休んでレーベルの立ち上げとDJ活動に集中したいとも感じていました。そもそも、ライブをするのはごく限られたイベントや会場だけでした。昨夏のLPリリースをきっかけに、再びライブ演奏に取り組み、新しいセットを準備することにしました。通常のDJ出演に加えて、今後いくつかライブの予定が入っています。 ライブ形式では何が得られ、DJとしてプレイすることで何が得られますか？準備という点で、この2つのスタイルはあなたにとって異なるのでしょうか？また、特定のパフォーマンスやセットに取り組むとき、どこから始めますか？ 僕にとってライブは、すべて自分の楽曲なので、全般的にもう少しパーソナルなものに感じられます。セットにはDJよりもずっと多くの準備が必要です。自分の音楽を構成要素に分解するのにかなり時間をかけます。そうすれば、パフォーマンス中にさまざまな方法で再構築できるからです。 https://www.youtube.com/watch?v=o2FFsovUGWE プレイ中、クラブで一番好きな瞬間は…… フロー状態に入り、それをフロアのほかの人たちも感じ取って、一緒に乗ってくるのを察知する瞬間です。 冒頭でMote-EvolverとPhyxixという2つのレーベルに触れたのは、理由があってのことです。源流をたどり、レーベルからその背後にいるアーティストへ、そして共に手がけるプロジェクトへと話を進めましょう。Luke SlaterとはRoog Unitとして、MatrixxmanとはPhyxixとして活動しています。こうしたコラボレーションはあなたに何をもたらしますか？パートナーから何を学び、それはソロアーティストとしての活動にどう影響していますか？ 制作の面では、コラボレーションを心から楽しんでいます。創作へのアプローチを組み合わせることで、とても力強い成果が生まれる可能性があります。特に、それぞれのアーティストが独自の何かを持ち寄れる場合はそうです。コラボレーションの過程では、じっくり話し合い、アイデアやコンセプトなどを探っていくことも多いです。それぞれのスケジュールにもっと余裕があれば、さらに取り組みたいですね。 一緒にパフォーマンスするのもとても楽しいです。特に、息がぴったり合ってからは。 LukeやCharlesと一緒に取り組む中で、特定の問題について意見が食い違ったり、考え方が異なったりすることはありますか？お二人それぞれが持つ豊富な経験、知識、スキルを踏まえて尋ねています。それでも、どんな課題にもさまざまな角度から取り組めるものですから。 個人的には、どちらの場合も良い経験だったと感じています。どの関係にも独自のつながりがあり、それが音楽面で物事がまとまるあり方に影響します。ただ、コラボレーションで否定的な意見の食い違いを経験したことはありません。それぞれが相手のアイデアやアプローチに耳を傾ける心を持っていれば、違いは簡単に理解でき、前向きに活用できます。 https://www.youtube.com/watch?v=U9WLQrt0RB4 今日のエレクトロニック・ミュージック・シーンを見て、最も尊敬し、応援し、声援を送りたいのは誰ですか？最もよくかけるのは誰のトラックで、特に注目すべきなのは誰でしょう？ ここ5年以上の間に、非常に優れた若手プロデューサーが大勢台頭してきました。一文では挙げきれないほどです。 とはいえ、Alarico、Stef Mendesidis、Rene...

一流DJとしてのキャリアという夢を実現するのは、どんなものだろう。すぐに最大級のステージに立ち、最も権威あるレーベルと契約し、トップクラスのヘッドライナーたちと肩を並べるのだろうか。そうかもしれないし、そうでないかもしれない。しかし通常、アーティストが国際的な成功を収める前には、その根を下ろした地元のシーンの一員として活動している。支援を受け、キャリアを一歩ずつ築き、（単なる「イメージ」ではなく）質にこだわらなければ、何かを築き上げるのは難しい。 地元のシーンには価値があり、独自の個性があると語るのは、ワルシャワを拠点とするプロデューサー兼DJで、SENSOR Recordsの創設者兼オーナーでもあるMAUERだ。2月末にリリースされた最新EP『Subzero Complex』は、モジュラーでミニマルなサウンドに浸る機会を与えてくれただけでなく、ポーランドのエレクトロニック・ミュージック・シーンについて考えるきっかけにもなった。MAUERは地元を拠点に活動しているが、彼のトラックは世界中でプレイされ、評価されている。 アガタ・オメランスカ：こんにちは、ピョートル！アーティストにとって特別な機会にお会いできましたね。最新EP『Subzero Complex』が2月27日にリリースされました。何度か先行試聴する機会がありましたが、本当に素晴らしい楽曲がそろっていると、心から言えます。これらのトラックは何についての作品なのでしょう？何にインスピレーションを受け、EPの制作はどのように進みましたか？ MAUER： ポーランドのエレクトロニック・ミュージック・シーンと、地元のアーティストが海外のアーティストを優先する形で見過ごされがちな状況から着想を得ました。このEPは、そうした状況への応答であり、地元のシーンにも価値と独自のアイデンティティがあることを示す試みです。より深みのある音色を持つモジュラー・サウンドに焦点を当て、多くの要素を即興で生み出しました。無機質な完璧さを追い求めるのではなく、トラックの個性や雰囲気を形づくる小さな不完全さを大切にしました。 『Subzero Complex』は、荒々しいモジュラー・サウンドを特徴とする4曲で構成されています。このEPを聴いて、ここ2年ほどであなたのスタイルが大きく進化したように感じました。もちろん、あなたらしさは変わりませんが、サウンドがミニマルになるほど、いっそう魅力的になっています。あなたのプレイや、制作する音楽に最も大きな影響を与えているものは何ですか？ 自分のプレイや制作に最も影響しているのは、これまでの経験、今の自分が音楽をどう捉えているか、そして人生のどの段階にいるかだと思います。感情のような音楽以外の要素や、シーンや創作プロセスそのものに対する自分の姿勢が変化していることも重要です。私にとってミニマリズムは、もはやそれ自体が美学なのではなく、細部をよりはっきりと浮かび上がらせるための手段になりました。 今は「WOW効果」よりも、真正さや一貫性に関心があります。 https://soundcloud.com/sensorrecords/sets/mauer-subzero-complex このEPの背景にあるストーリーはとても興味深いですね。とりわけポーランドで、業界のプロデューサーであるとはどういうことかという、重要な側面を数多く取り上げています。地域性を創造力の源として示し、地元のアーティストを後回しにすることは、彼らの成長を制限するだけでなく、シーン全体の発展も妨げると指摘しています。今のシーンにとって非常に重要な声です。この問題について発言してくれて、ありがとうございます。 このEPは、私たちの多くが感じていながら、率直に語ることの少ない事柄に、まさに名前を与えたいという思いから生まれました。 批判のための批判とは考えていません。そこに作用している仕組みに注意を向けてもらうための試みです。私にとってローカリズムは自然なことです。しばしば「地元の流しの演奏家」と呼ばれる自分たちのアーティストを信頼する土壌を築けなければ、シーンはいつまでも比較とコンプレックスにとらわれてしまいます。それでも、私たちには本物で価値ある作品を生み出すために必要なものがすべてあります。このプロジェクトが議論の中の一つの声として受け止められていることをうれしく思います。まさにそれが狙いでした。こうした省察を促し、視点を少し変えることが目的だったのです。 あなたのEPが、ポーランドのSoundCloudチャンネル、Polish Techno.logy、Lost in Ether、Znamy się z Techno、Synapsaのみで初公開された点にも注目したいです。一方では象徴的な決断であり、他方では、「注目されるには海外のチャンネルに載るしかない」という考えが広く浸透しているなかで、意識的に選んだものでもありました。 完全に意識的な決断でした。リリースの形式を、EP全体のコンセプトと一致させたかったのです。『Subzero Complex』が地域のアイデンティティと自分たちのシーンへの信頼をテーマとしている以上、地元のアーティストを本当に支援しているポーランドのチャンネルをリリースの基盤にするのは自然な選択でした。国際的なプラットフォームの重要性を否定するつもりはありませんが、私たちはそれだけをキャリアへの唯一の道として扱いがちだと感じます。しかし、シーンが発展するためには、地元の取り組みが生み出す場が欠かせません。 これは象徴的なジェスチャーにとどまらず、私自身もその一員であるエコシステムへの実践的な支援でもあります。 それなのに、海外のアーティストたちもあなたのことを聴いていますね！EP『Subzero Complex』は、Quelza、Ben Klock、future.666、Tashaといったアーティストから非常に好意的な評価を受け、以前の作品も彼らに評価されています。尊敬するアーティストからそんな言葉をもらうと、どんな気持ちですか？胸が温かくなりますよね？ 自分のトラックを誰かがプレイしたというメッセージを受け取るたび、心からの感謝と満足感を覚えます。 音楽にはそれ自体の命があり、人々に届き、世界を旅し、ダンスフロアで誰かの物語の一部になるのだと、あらためて感じさせてくれます。 純粋に創作したいという思いから生まれた音楽が、世界各地の人々が集まる場所のサウンドシステムに届く。そのことを実感するのは、本当に特別です。 長年、私の心の中で特別な場所を占めてきた会場、Berghainで、憧れのアーティストが私のトラックをプレイしてくれる瞬間にも、心から感謝しています。Berghainは、クラブミュージックのシーンにおいて、長い間、私にとって最も重要な道しるべのひとつでした。だから、尊敬するアーティストのセットで自分の音楽がそこで流れていると気づくことは、私にとって大きな意味があります。これらすべてが、活動を続け、新しいものを創り出す大きなモチベーションになっています。 https://soundcloud.com/sensorrecords/sets/mauer-human-grotesque 教えてください。海外のアーティストと地元のアーティストをめぐる、根強いこの国の神話は今どうなっていますか？私たちは本当に、今でもヘッドライナーや海外アーティストを観に行く一方で、ポスターに「小さな文字」で載っている人たちを格下扱いしているのでしょうか？ これは昔からずっとそうだったように思います……そして今もそうだと思います。ここでは、マーケティングはいまだにネガティブなものと見なされています。でも、海外のアーティストがヘッドライナーへと上り詰めたのは、マーケティングのおかげです。ソーシャルメディアのリール動画で使われているトラックが、その証拠です。何かの数字が芳しくないと、見過ごされ、価値が低いと判断される時代に私たちは生きています。マーケティングの力があるからこそ、寝室からフェスのメインステージへと進む人もいるのです。 一方で、オーディエンスが地元のシーンにより意識的な関心を寄せ、問題に気づき始めていることも、ますます明らかになっています。昨年の夏、ワルシャワのクラブのひとつでイベントを2回開催しました。どちらも出演者は地元のアーティストのみでしたが、来場者数は多くの海外ヘッドライナーのイベントを上回りました。 新しい顔ぶれが自分自身や作品を披露する機会は、どのように得られるのでしょうか？オープンデッキや、コンペティションへのミックスの応募といった従来の方法は、デビューを目指す人に今も実質的なチャンスを与えているのでしょうか？それとも、DJの世界はオンラインでの存在感に支配され、それが名を上げるための鍵になっているのでしょうか？ オープンデッキのような従来の形式は、今でも価値があります。オーディエンスと直接触れ合い、実際の現場でダンスフロアの空気を読む方法を学べるからです。経験を積み、最初のつながりを築くのに良い場です。問題は、それだけでは長期的に認知されるには不十分なことが多いという点です。今日、オンラインでの存在感はとても重要になっています。インターネットは音楽配信にとって自然な環境だからです。セットやミックス、自分の作品、あるいはコミュニケーションの仕方さえも、そうでなければあなたの存在を知ることのなかった人々に届く助けになります。 とはいえ、確かな音楽的基盤を欠いた「イメージ」だけでは、すぐに意味を失います。イメージは手段であって、それ自体が目的ではありません。 『Subzero Complex』の象徴的でありながら重要な要素、氷山にも触れておきたいです。オーディエンスはこれをどう解釈すればよいのでしょうか？この巨大で冷たい塊の下には、私たちのエレクトロニックミュージックのシーンに関して、何があるのでしょう？ このシンボルは、シーンの価値が、最も華々しく、メディア受けするものだけから生まれるわけではないと思い出させるためのものです。 基盤となる部分は、静かで、散在し、過小評価されていることがよくあります。 それでも、全体の構造を支えているのは、まさにそうした部分です。この「見えない部分」がなければ、表面にあるものは何ひとつ存在できません。ネット上にはポーランドのシーンは若いという意見もありますが、2021年にはすでにアンソロジー『30 Years of the Polish Techno...

生々しく、雰囲気があり、実験的で革新的。私たちがPercの魅力を最も感じるのは、まさにそんなところだ。ロンドンを拠点とするプロデューサー、DJ、ライブアクト、そしてレーベルオーナーである彼は、現代テクノのサウンドを語るうえで欠かせない存在のひとりと見なされている。Perc Traxを通じて自身の確かなブランドを築き、世界のシーンを代表する人物としての地位を20年以上かけて確立してきた。その一方で、今も探求と進化を続け、リスクを恐れない。 しかし、最新EPでは、Percのまた違った一面を聴くことができる。「Microtrax」は、世界中を旅し、時差ぼけや見知らぬ環境を経験するなかで生まれた、彼のキャリアで最も個人的で親密、そして内省的な作品だ。新作について、そしてワルシャワのJasna 1で予定されているギグについて、ぜひいくつか質問したいと思った。 Agata Omelańska：こんにちは、Ali。お話を伺えてうれしいです！2026年が始まったばかりなのに、10月に「Soft Launch」をリリースした直後に新しいEPで私たちを驚かせてくれました。本当に素晴らしいですね。「Microtrax」を聴いて、その背景にある物語が気になりました。 初めて「Microtrax」を聴いたとき、強く心を揺さぶられました。音楽的には生々しく、リズミックで、とてもクラブ向きなのに、同時に柔らかさや繊細さも感じられて、とても意外でした。この組み合わせは美しく、とても親密で個人的なものだと感じます。自分のなかにあるこうした層に、どのようにたどり着いたのでしょうか？ Perc： ただ、何か違うものを表現し、少し深く掘り下げて、さまざまな感情を探りたかったんです。最近のテクノの多くは、衝撃と畏怖を与えるような展開に頼りすぎています。現代のハードテクノに含まれる感情は、攻撃的なパンチのようなものだけ。それ自体は問題ないし、とても人気があります。でも、さまざまな感情を伝える音楽を聴いていると、自分が作る音楽にも同じことをさせたくなるんです。 「Microtrax EP」の曲は、ギグへ向かう移動中やイベント後に休んでいるときにスケッチしたので、時差ぼけと見慣れない環境にぼんやりと包まれた状態で制作しました。最初のデモはヘッドフォンで作りました。それが曲に近さや親密さをもたらしたのだと思いますし、自分の声を曲に使ったことで、さらに個人的な作品になりました。 このEPの制作状況について、常に移動し、時差ぼけに悩まされ、世界各地で混乱したり、道に迷ったりするような感覚を抱えていたと話していました。こうした状態や感情は決して楽なものではありませんが、それを誠実な音楽へと昇華させました。あなたのリスナーである私たちに、本当のあなたの姿をこの形で見せてくれて、ありがとうございます。 僕にはいろいろな顔がありますが、最もよく知られているのは、ピークタイムやクロージングのセットで強度を上げ、テクノのハードな側面にアシッドやレイヴの影響を織り交ぜてプレイする姿でしょう。その一面は今も存在していて、ふさわしい時にはまた見られるはずです。でも今は、もっと内省的で、孤立した、空間の広がりを感じる場所へ向かうことに強く惹かれています。 https://soundcloud.com/perc/sets/perc-microtrax-ep-1?si=d43c23b2378141d8ba6c16ba261bc85d&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 新作をこれほど早くリリースするとは思っていなかったとも話していましたね。2025年10月に「Soft Launch」EPをリリースしたばかりですから。間隔は数か月しかありませんが、曲のサウンドや雰囲気には違いがあり、さらに深く内側へ入り込んでいくように感じました。この一歩を踏み出すには、どれほどの勇気が必要でしたか？それとも、まったく自然な決断だったのでしょうか？ 「Soft Launch EP」はかなり前から計画していて、ヴァイナルでのリリースだったため、曲はEPの発売より少なくとも6か月前には完成していました。EPが完成するとすぐに、Hypercolourから自分の曲「The Drums」の新しいリミックスを依頼されました。その頃、スタジオを移転しなければならなかったので、このリミックスはかなり短期間で仕上げました。もっと深く掘り下げたいと思い、完成したのが「Future Mix」です。これが、次に進みたい方向性の青写真になりました。こうしたより深みのある曲は、「Soft Launch」や「Resistor」のような曲に比べて要素が少なく、旅先でも制作できて、クラブでかけてもきちんと響きます。 この変化を勇敢だとか大胆だとか考えたことはありません。ただ、やらなければならないことでした。 ハードテクノのシーンには、賛同できないことや、自分が関わりたくないことが多すぎました。こうした曲をリリースする必要はありませんでしたが、作らなければならないと分かっていたんです。 https://soundcloud.com/perc/sets/perc-soft-launch-ep?si=ffa1f1e4f33146b4aaa546a9d4277aea&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 「Microtrax」のサウンドは、これまで誰も知らなかった、聴いたことのなかったPercだと言ってもいいでしょう。文字どおり、あなたが自分の声を楽器として使ったのは今回が初めてだからです。声を使った制作はいかがでしたか？抵抗を感じましたか？それとも、声を解放することで、自分のなかの新たな一面も解き放たれたのでしょうか？ ええ、私にとってはかなり違うサウンドですが、本質的には今も「Perc」です。これらのトラックには、以前の作品と同じ要素や制作・アレンジ上の工夫が数多くあります。ただ、それらを違う形で取り入れているだけです。自分の声を使ったのは、EPをできるだけパーソナルなものにしたかったからというのもありますが、世界各地のホテルの部屋でボーカルを録音したので、ボーカリストが私のアイデアを解釈するまで何週間も待つのではなく、その瞬間や感情を捉えたかったからでもあります。ボーカルはとてもクリーンなものもあれば、強くエフェクトをかけたものもありますが、何より大切なのは、それが私自身の声だということです。ボーカルについて否定的なことを言った人はいなかったと思います。これらのトラックで私がボーカルを担当したことに驚いた人はいたとしても。 「Microtrax」は業界から非常に高い評価を受けています。Luke Slater、Daniel Avery、Jennifer Cardini、Randomer、Scuba、DJ Hell、Kwartz、Blush Responseなどから称賛されています。彼らの意見はあなたにとってどんな意味がありますか？また、あなたほど経験豊かで尊敬されているアーティストにとって、フィードバックを求めるのは簡単ですか？ フィードバックの一部は、私が敬愛するアーティストにEPを直接送って得たもので、ほかは私とHype FilterというPR会社が、多数のDJに送って得たものです。そうしても、DJからの返答率はわずか15％ほどでした。これは普通のことです。気に入らない作品に否定的なフィードバックを残さないのは、業界ではよくあることです。ブラウザーのタブを閉じて、先へ進むだけです。 https://www.youtube.com/watch?v=kdKFWhPe1zM 自分のことを完璧主義者だと思いますか？自分に高い基準を課していますか、それとも自分にプレッシャーをかけないようにしていますか？ できる限り高い基準を設定するようにしていますが、完璧を目指すのは愚かなことです。 いつも同じサイクルを繰り返しています。作品を制作している間は自信が持てず、リリースすると好評を得る。それから次の作品に取りかかると、前作に比べて出来が悪いと思い、また同じサイクルが続きます。その理由のひとつは、完成度が半分ほどのデモと、仕上げてマスタリングまで済んだトラックを比べていることです。本当は公平な比較ではありません。 あなたは20年以上にわたってエレクトロニック・ミュージックのシーンで活動してきました。あなたを主な指標とする人も多く、テクノ界で最も尊敬されるプロデューサーのひとりであり、独自のクオリティを築いてきたアーティストだと見なされています。これまでを振り返って、今の自分をどう見ていますか？キャリアで最も重要な成果だと思うリリースやイベントはどれですか？その理由も教えてください。 まさに渦中にいると、客観的になるのは本当に難しいですね！長い間この活動を続けてきましたし、 キャリアを通じて成長を続け、リスクを取ってきたと思いたいです。「Microtrax EP」はその好例です。 キャリアの大半を通じて同じ音楽を作り続けているプロデューサーは多いように思います。サウンドを磨き、使う機材を新しくしても、結局は同じ音楽を何度も作っている。自分は今も存在感と評価を保ち、新しいプロモーターからもブッキングされていると思いたいです。それは私にとって大きな意味があります。何年も毎年一度出演しているプロモーターとの関係もあり、本当に大切にしていますが、新しいプロモーターやイベントと仕事をすることで、自分が愛するシーンの一員であり続けていると実感できます。 時系列で挙げると、私にとって重要な作品は次のとおりです。 Up、My Head Is Slowly Exploding、Take...

創作の過程は、疲れ果てるほど大変で退屈なこともあれば、多くの犠牲や、スタジオで費やす膨大な時間を必要とすることもある。ところが、まったく正反対の場合もある。そのとき苦労に取って代わるのは、気楽さ、楽しさ、そして創作する純粋な喜びだ。クリス・リービング初の完全なソロ・アルバムの背景にあるのは、疑いようもなく後者の、ずっと明るい物語だ。 結果ももちろんとても重要ですが、自分のしていることを楽しめなければ、その結果に何を期待できるでしょうか？ そう語るのは、誰もが認めるレジェンドであり、ヨーロッパのテクノを切り拓いたパイオニアのひとり。その答えは、彼の新作LPを聴けば見つかるはずだ。アルバム『Evolver』は3月27日、クリスのレーベルCLRからリリースされる。ワルシャワのSmolnaでの公演を控えたこのアーティストは、アルバムの背景にある、美しく力強く心を動かす数々のエピソードを私たちに語ってくれた。 アルバム『Evolver』は予約受付中！ Agata Omelańska：こんにちは、クリス。Uにお迎えできてうれしいです。またポーランドに来てくれることをとても楽しみにしています。ここではいつでも歓迎されていることを知っておいてくださいね！インタビューの時間を作ってくれてありがとう。 今回は、あなたのキャリアにおけるとても特別で、画期的とさえ言える瞬間についてお話しします。3月27日にリリースされる、初のソロ・テクノ・アルバムです。おめでとうございます。新しい音楽にとても感銘を受けました。最初の質問は少し変わっているかもしれませんが、言葉についてです。タイトル『Evolver』はどこから来たのでしょう？そして、このアルバムにはどんな物語があるのでしょうか？ Chris Liebing： 私はずっと、アルバムという形には、12インチ盤を1枚出すだけでは表現できないものを表す力があると思ってきました。今回はクラブ・テクノの作品で、もちろんMute Recordsからの直近2作についても同じことが言えます。アルバムには、何かより深い意味が込められるべきだと常に感じていました。2000年代初頭、アンドリュー・ウッデンと共同プロデュースした最初のテクノ・アルバムは、2003年にCLRからリリースされ、『Evolution』と名付けられました。私は生物学的な進化だけでなく、哲学的な側面や、人間としてどこへ向かっているのかということにも、昔からとても、とても、とても、とても強い関心を持っていたからです。 Muteからの2枚のアルバムには、そうした哲学的な引用が数多く含まれていました。一方、『Evolution』は、曲名にも表れているように、文字どおり進化をテーマにした作品でした。だから『Evolver』では、クラブ向けの作品を作りながら、さらに深く掘り下げていきたいと思ったのです。テクノDJ、プロデューサーとして過ごしたこの20年、あるいは25年のあいだに、さまざまな面で自分が進化してきたと感じていました。そして、自分の考えを音楽にできるところまで来たのだと思います。 誰もがそれぞれの道を、自分のペースで進化していきます。 私にとっては何かが展開し、形になっていきました。アルバム収録曲のひとつである「Unfold」が示唆しているのも、そういうことです。「Evolver」のほうが、自分自身の歩みをよりよく表していると感じました。 https://www.youtube.com/watch?v=MS5MEab1zLY あなたは多くの人から、アイコンであり、パイオニアであり、テクノというジャンルの最も重要な人物のひとりと見なされています。シーンで30年を過ごし、数多くの作品、ギグ、リミックスを発表し、この業界で豊富な経験を積んできた今も、初めてのことに挑戦しました。この挑戦にどう取り組み、目標を達成するまでの道のりで何がモチベーションになりましたか？ 新しいアルバムについて考え始めたのは、もう2年前です。Mute Recordsからリリースした、ラルフ・ヒルデンボイテルとの前作『Another Day』を出した後でした。早い段階から、テクノのルーツに戻りたいと思っていました。Muteのアルバムは、どちらかというとじっくり聴くための旅を意図した作品だったので、今度はクラブ向けのアルバムを作りたいと感じていたんです。これは、テクノ音楽に関して今の自分がいる地点、そしてどこまで進化してきたかを、とてもよく反映しています。最初の質問への答えを少し繰り返すことになりますが。 テクノのアルバムを作りたいと思っていましたし、ひとりで作ることも決めていました。 その理由のひとつは、スイスに移住して、自分が仕事をしたり実験したりするのが大好きな、とてもとても居心地のよい素敵なスタジオを構えたことです。スイスでの新しい生活のおかげで、山や自然の中でたっぷり時間を過ごしながら、機材や電子機器に囲まれて、日中に経験したことを夜に音楽へと変えることができました。そんなふうに1年半ほど制作を続けて、この作品が形になっていきました。 ごく自然な形で実現していきました。大きな計画があったわけではありません。基本的には、その時々にやりたいと思ったこと、スタジオでその日にするべきだと感じたことをやっていました。ある時点で、いくつかのプロジェクトがまとまり始め、自分の中で意味を持つようになりました。そして、それらが一つになって、今聴いてもらえる最終的なアルバムになったのです。 「Evolver」はあなたのソロアルバムですが、Luke Slater、Speedy J、The Advent、Terence Fixmer、Pascal Gabriel、Daniel Miller、Charlotte de Witteなど、多くの興味深いゲストを招いて共作しています。昔からの友人や、初めて一緒に仕事をする人たちと制作するのはいかがでしたか？ すべてがとても自然にまとまりました。この2、3年、Luke SlaterやSpeedy JとはCollabs 3000としてたくさんのセットを一緒にプレイしてきましたし、音楽も一緒に作ってきました。Speedy Jと僕はNovamuteからCollabs 3000名義の作品をリリースしています。スタジオにいるとき、彼に新しいアルバムを制作中だと伝えて、少し一緒にセッションしないかと誘ったのが、この曲の始まりでした。最初からきちんとした計画があったわけではありません。Luke Slaterは一緒にプレイしたとき、イントロ用にアシッドなフレーズを少し作ってくれたので、それを曲にしようと僕が提案し、実際にそうしました。Terence Fixmer、Daniel Miller、Pascal Gabrielとは、年に一度、冬の休暇でオーストリアへ行きます。モジュラー機材やほかの機材を持っていって、ただいろいろ録音するんです。そこで録音したものを僕のスタジオに持ち帰り、曲に仕上げました。 https://soundcloud.com/resident-advisor/ra1006-collabs-3000?in=chris-liebing/sets/mixes-live-sets-podcasts Charlotteに声をかけたのは、何年も続いている音楽的なつながりを、これからも深めていきたかったからです。彼女のレーベルKNTXTから最初の作品を一緒にリリースしたので、この素晴らしいレーベルを彼女とともに始められたことを光栄に思っています。テクノアルバムを作るにあたって、本格的なアシッドトラックを入れたかったので、彼女に参加したいか尋ねるのはごく自然なことでした。Charlotteはすぐに乗ってくれて、素晴らしいアシッドのフレーズとボーカル、そして曲の構成を考えてくれました。それを二人で形にして、最終バージョンに仕上げました。 こうしたアーティストたちとの制作は、とても気楽でスムーズでした。何の問題もなく、音楽って本来こうあるべきだと思えるものでした。あまり苦労せずに、すべてが自然とまとまっていったんです。 このアルバムの最も素晴らしいところは、そこだと思います。とても心地よい経験でした。 このアルバムに参加したのはミュージシャンだけではありません。ほかの芸術分野の人たちも、それぞれの個性を加えてくれました。長年の協力者であるStudio Bergforsがデザインとビジュアル面を担当し、伝説的な写真家Anton...

こうしたコラボレーションは、最高の言葉で語られるべきものだ。そして、それにふさわしい価値がある。スペインのテクノシーンを代表する2人の才人、Orbeとpsykは力を合わせ、エレクトロニックミュージックを可能な限り高いレベルへと引き上げるプロジェクトを始動させた。彼らが生み出す音楽のサウンドやクオリティだけでなく、音楽への向き合い方もその理由だ。彼らは、このコラボレーションが調和と相互学習を基盤としており、決して競争ではないと強調している。 スペインのアーティストたちが生み出した相乗効果の成果とは？ 3枚のEPと、2026年3月にリリース予定の初のフルアルバムだ。そして、ワルシャワのクラブSmolnaでの公演を控えたこの機会に、デュオの片割れであるOrbeに話を聞くことができた。 Agata Omelańska：こんにちは、Fernando。お話を伺えてうれしいです。何から何まで聞いてみたいと思っていたアーティストにインタビューできて、とても光栄です。 まずは個人的な感想と、心からの感謝を伝えさせてください。2025年9月中旬にTokenからリリースされたばかりのEP『Ascender』は、まさに私が一番必要としていたときに届きました。一方では、自分の頭の中から遠くへ連れ出してくれ、混乱や痛み、そして答えの出ない多くの問いの中で瞑想するような時間を与えてくれました。他方では、動き、踊ることで、それらすべてを解き放つことができました。 ORBE： 言葉をありがとうございます。リスナーの心に響くことは、僕たちプロデューサーにとって大きな喜びです。本当にありがとう！ このEPの背景にはどんなストーリーがあるのでしょうか。機材を使った音楽制作にはどのように取り組んでいますか。また、感情や経験は創作のプロセスにどう関わっていますか？ このアルバムでは、僕の青春時代に大きな影響を与えたレーベルやフェスティバルに、少し敬意を表したかったんです。ブレイクビーツのレコードを集め始めて、最初に行ったパーティーもこのスタイルが中心でした。レーベルから出る作品の中でブレイクビーツを使った曲は1曲だけですが、それぞれの名前には、僕の人生のその時期にまつわる意味があります。 僕にとって、機材を使った音楽制作はとても直感的で、自然にできることです。機材の前に座って再生ボタンを押したら、何か自分を驚かせてくれるものが見つかるまで、シーケンスを操作したり作ったりし始めます。 自分自身を驚かせること、それが一番の目標です。 最初のパターンができたら、さらにレイヤーや要素を加え、曲が完成するまで発展させていきます。Tokenから出したこのアルバムも、そうやって作りました。 https://soundcloud.com/tokenrecords/token134-orbe-ascender あなたにとって、音楽を書くときの出発点は何ですか？ インスピレーションはどこで見つかり、アイデアから次の段階へはどのように進めていくのでしょう？ 経験や感情は、間違いなく創作のプロセスに影響します。僕の場合、自分自身と折り合いがついていて、穏やかで幸せであること、そして中断のないルーティンが必要です。それは僕に大きく影響し、音楽制作にとても積極的に取り組めるようにしてくれるので、できるだけ中断のないルーティンを保つようにしています。運動をするようにしているし、自然や、リラックスできる場所が好きです。自分に良い影響を与えてくれる、自分を豊かにしてくれる人たち――つまり、自分にとって大切な人たちと一緒にいるようにしています。こうした要素はどれも重要です。それらがすべて整っていると、スタジオでの制作がずっとうまくいきます。 ORBE Recordsは、自主リリースのためだけでなく、ほかのアーティストが自分たちの音楽を世に発表し、共有するためのプラットフォームでもあります。Hadone、Elias Garcia、Mathys Lenneの素晴らしい作品や、psykとのコラボEPもリリースしたばかりですね。デモを聴くとき、特に注目するのはどんなところですか？ サウンドや使われているテクニックについて、何か特別に求めているものはありますか？ レーベルを立ち上げた当初のアイデアは、自分の音楽をレコードでリリースすることでした。でも年月が経つにつれて、大好きで、良い関係を築いているほかのアーティストにも発表の場を提供したいと思うようになりました。 普段、デモを受け付けることはありません。どちらかというと、自然に起こる、計画していないプロセスなんです。 Mathys Lenneと出会ったときのことを覚えています。フランスのパーティーで知り合い、それがアルバムの制作につながりました。Eliasの場合も同じで、ボストンで一緒にDJをしたことから、アルバムを作ろうというアイデアが生まれました。自然にそうなるというのは、こういうことです。僕はそういうやり方が好きなんです。だからといって、驚かされ、心を動かされるデモが届いたらリリースしたくない、というわけではありません。もちろんリリースしたいですし、門戸を閉ざしているわけではありません。 さっきpsykの名前を出したのには、実は理由があります。一緒にパフォーマンスやレコーディングを行い、ツアーもしていて（演奏している音楽は本当に素晴らしいです！）、お二人のコラボレーションがどのように始まったのか、とても気になっています。スタジオで力を合わせ、その成果をより多くの人に届けようと決めたのはいつだったのでしょうか？ そうですね、実のところ、Manuはずっと僕の憧れの存在でした。僕が自身のレーベルOrbe Recordsを立ち上げた頃には、彼はすでに世界中をツアーで回り、自身のレーベルNONをテクノシーン屈指のレーベルとして確立していたスペイン人アーティストです。そんな彼に、ある日、マドリードの有名なレコード店でありレーベルでもあるAter Cosmo Recordsのためにリミックスを手がけてもらえることになりました。このリミックスをきっかけに直接会い、スタジオで一緒に制作してみようと決めたんです。 その後どうなったかは、もうご存じですよね。一緒に3枚のEPを制作し、初のアルバムも完成しました。アルバムは2026年3月にリリースされます。本当に素晴らしい経験でした。 https://soundcloud.com/orberecords/orb015-psyk-orbe-tagma-2 電子音楽のプロデューサーは、別のプロデューサーから何を得られるのでしょうか？ psykから学んだこと、あるいはその逆に、彼があなたから学んだことはありますか？ もちろんです。いつだって何か新しいことを学べます。誰もがそれぞれ独自のテクニックやワークフローを持っていますから。 もうすべてを知っていると思い込むのは、大きな間違いだと思います。 毎日、新しいことを学べます。思いもよらない人から学ぶことだってあります。Manuからどれほど多くのことを学んだか、想像してみてください。さっきも言ったように、彼はずっと僕の憧れでした。彼と一緒に音楽を作り、彼のテクニックを学べたのは、贈り物のような経験です。でも学んだのはスタジオの中だけではありません。レーベルの運営や、ギグに臨む姿勢についてもそうです。一緒にたくさん旅をして、そこからも学びました。彼も僕から何か学んでくれていたらいいですね（笑）。 あなたにとってメンター、あるいは芸術面でのインスピレーションの源となる人は誰ですか？いちばん必要なときに支え、励ましてくれるのは誰でしょう？ 一人だけ選ぶのは、とても難しい質問ですね。これまでに影響を受けた人は本当にたくさんいます。特に活動を始めたばかりの頃はそうでした。最初にカセットテープを家に持ち帰ってきた兄から、故郷アルヘシラスで最初のレコード店を営んでいたJamiまで。店では何時間も過ごしました。Bubuについて言えば、僕が初めて足を踏み入れたスタジオは彼のものだったと思います。その後、もうそれほど若くなくなってからは、Eduardo de la Calleに多くのことを教わりました。彼にはとても感謝しています。前にも話したように、たくさんの人から多くを学んできました。自分を豊かにすることに終わりはありません。 一方、二つ目の質問への答えはとても簡単です。いちばん支えてくれるのはパートナーです。出会った当初から僕のキャリアを尊重し、目標を達成できるよう応援してくれました。パートナーにこれ以上何を望めるでしょう？ https://soundcloud.com/bassiani/bassiani-invites-orbe-podcast-254 まもなく、あなたとpsykがポーランドに戻ってきます。Electrum Up To Date 2025 Festivalで素晴らしいギグを披露した後、ワルシャワのSmolnaでプレイします。今回のセットをどんな気持ちで迎えていますか？フェスティバルとクラブでは、プレイするうえで何か違いがありますか？ ワルシャワでDJをするのは初めてですし、こんなに有名なクラブでプレイできるので、とても楽しみです。これ以上何と言えばいいでしょう？本当にわくわくしています。僕自身は、どのパフォーマンスにも同じ姿勢で臨みます。クラブでもフェスティバルでも、プレイする時間に合わせて曲を選びます。違いは明らかです。クラブのほうがいつも親密な空間ですが、フェスティバルでも観客とつながることはできます。その証拠がここにあります。 最後にもう一つ。ありきたりな質問だと思われるかもしれませんが、あえて聞かせてください。いつかUFOが地球に着陸したら、人類を知るために聴くべきアルバム、あるいはアーティストは誰でしょう？その理由も教えてください。 へへへ、いい質問ですね。 聴かないほうがいいものなら言えます。Jeff Millsです。聴いたら、まるで自分たちの家に帰ってきたように感じるでしょうから（笑）。 でも、そうですね。まもなくリリースされる、PsykとOrbeによる最初のLPを聴いてもらうと思います。 Fernando、インタビューに応じてくれて、U.のために時間を割いてくださり、本当にありがとうございました！Smolnaでお会いしましょう。人生とキャリアが素晴らしいものになりますように！

フランス人アーティスト、Vitalicのデビューアルバム『OK Cowboy』は、2005年にDifferent Recordsからリリースされた。それから20年。記念ボックスセットの発売を機に、Vitalicにキャリアや若いクリエイターへのアドバイスについて話を聞いた。 Dominic Leix：やあ、Pascal。お会いできてうれしいです！今年は『OK Cowboy』の発売20周年を迎え、特別版を準備されていますね。今この作品を振り返ろうと思ったきっかけは何ですか？また、20年が経った今、このアルバムをどう見ていますか？ Vitalic：『OK COWBOY』は僕の初めてのLPで、心の中で特別な位置を占めています。当時の若者たちの多くにとっても、そうだと思います。この記念の機会に、少し懐かしい気分に浸るだけでなく、楽曲をリマスターし、当時の映像や写真など、さらに資料を探すことができました。 いいアイデアですね！このエディションにはリマスター音源や未発表バージョンが収録されるのでしょうか？制作過程で、アーカイブの中から特に感慨深かったり、新たな発見があったりした資料は何ですか？ そうです。LP全体をリマスターしました。望んだサウンドに仕上げるため、実は3回もリマスターしたんです。日本盤用の特別トラックのような、貴重な曲や未発表曲も収録しました。それから、「Fanfares」のライン・バージョンも入っています。これは長年にわたって大きく進化した曲です。 映画音楽も作るし、Kompromatではポストパンクもやっています。いつも動き続けているから、退屈することはないですね。 『OK Cowboy』から現在のプロジェクトまで、これまでのキャリアを振り返って、音楽において最も重要だと考える要素は何ですか？それはどのように変化してきましたか？ キャリアを通じて最も重要なのは自由だと思います。テクノからエレクトロクラッシュへ、次はシンセで楽器の音を模倣し、その後はレイヴとディスコをミックスして、さらにコズミックな音楽へと移ってきました……。映画音楽も作るし、Kompromatではポストパンクもやっています。いつも動き続けているから、退屈することはないですね。 あなたの映画音楽は素晴らしいですね。特に、白黒映画『The Legend of Kaspar Hauser』が印象に残っています。何度も観ました。今年はポーランドの Summer Contrast Festival で演奏する機会がありましたが、そのステージはどんな印象でしたか？また、ヨーロッパのこの地域にある他のフェスティバルと比べて、どのように感じましたか？ 今のところ、Summer Contrastは地球上で一番好きなフェスティバルです。規模が好きだし、自然とのつながりもいい。観客は音楽をよく理解していて、感じがよく、自由な場所です。今年出演したときは、完全にクレイジーな盛り上がりでした。ポーランドのアンダーグラウンド・シーンとはとても深いつながりがあるので、このフェスティバルは最高です。 今年、会場であなたの演奏を聴きました。本当に圧倒されました！ 振り返ると、あなたのデビューアルバムは2003～04年、ディジョンでシンプルなパンクの機材を使って制作されました。それ以来、制作へのアプローチはどのくらい変わりましたか？また、当時から変わらず大切にしているものは何でしょう？ 制作のやり方は、あまり変わっていないと思います。アイデアや曲のスケッチを集めて、それを形にするための技術を身につけ、できる限りいつも自分のルーティンを壊そうとしています。変わったことといえば、ジャムをするよりも、エンジニアとして音楽を作り込むのにますます時間をかけるようになったことだと思います。音楽制作に求められるものはどんどん増えていて、レベルも長年の間に大きく上がりました。 バンドKompromatでのRebeka Warriorとのコラボレーションは、本当にうれしく、誇りに思っていることのひとつです。 キャリアを通じて、さまざまなアーティストとコラボレーションしたり、関わったりしてきました。あなたにとって画期的だったコラボレーションと、その理由を教えてください。 バンドKompromatでのRebeka Warriorとのコラボレーションは、本当にうれしく、誇りに思っていることのひとつです。二人の創造性と、洗練された無礼さが気に入っています。一緒にライブをするのは本当に楽しくて、刺激的です。僕たちには素晴らしいつながりがあります。 ええ、二人組としての見た目もサウンドも本当に素晴らしいと、友人たちに何度も話してきました。エレクトロニック・ミュージックが変化している今、これまでの活動から大きく離れるような、新しいプロジェクトや実験を計画していますか？もしあれば、どんなものが期待できるでしょう？ 実は、自分のために少し休む時間を取ろうと思っています。9か月くらいかな。それから、映画音楽を2本分書く予定です。自分のプロジェクトを見直す必要があります。自分の価値観からはるかに遠いテクノ・シーンから距離を置いてね。 長年活動してきたミュージシャンとして、若い頃の自分や、エレクトロニック・ミュージックの世界に足を踏み入れたばかりの若いプロデューサーに、3つアドバイスをするとしたら何ですか？ こう言います。 1. 自分だけの語彙を作ること。自分を特別に、あるいは人と違う存在にしているものは何かを考えて。 2. 創造性は、すでに知っている場所ではなく、行くのが怖い場所で見つかる。 3. 信頼できる人たちと仕事をすること。僕は間違った相手と組んでしまい、何年も経った今もまだその人たちとの関係を続けています。そんなことは避けたいでしょう。 『 OK Cowboy 周年を迎えるにあたり、今日のエレクトロニック・ミュージック・シーンを見て、今後10年間にテクノ／エレクトロのアーティストが直面する最大の課題と、最大のチャンスは何だと思いますか？ まったく分からない。音楽もプロジェクトも新しいツールも、あまりにもたくさんある。未来を予測するのは不可能だと思う。僕としては、近いうちに新しいシーンが生まれることを願っている。ミュージシャンが増えて、道化師が減ることを。 率直なお話をありがとうございました。また次回、ステージでお会いしましょう！ ソーシャルメディア Instagram: https://www.instagram.com/vitalicofficial/ Facebook: https://www.facebook.com/VITALICOFFICIAL SoundCloud: https://soundcloud.com/vitalicofficial

ハードグルーヴとは何か、どう定義する？ 心と頭から生まれるものだという人もいれば、その源はダンスフロアで踊り、エネルギッシュに足を踏み鳴らすことにあると考える人もいる。さまざまな説があるなか、私たちはこのジャンルを代表する輝かしいスターのひとり、Ben Sims本人に尋ねてみることにした。 今週金曜日、10月24日、UKハードグルーヴの先駆者がワルシャワの Jasna 1 に戻ってくる。フロアを一分たりとも離れられない、最高のトラックを届けてくれるはずだ。 「少し実験して、いろいろなスタイルを織り交ぜ、セットを通してグルーヴに変化をつけて、観客も一緒に楽しんでくれていると感じられるときが、一番幸せなんだ」とBenは、U.のジャーナリスト Agata Omelańskaに語る。グルーヴに満ちた心を思いきり躍らせる機会がまだなかったとしても、Benの傑作ぞろいの選曲が、きっとその心を目覚めさせてくれるだろう。 Agata Omelańska：Ben、Jasnaへおかえりなさい！ またワルシャワに来てくれてうれしいです。昨年は会場の7周年を祝い、出演してくれましたね。まずは少し振り返って、あの夜の思い出を聞かせてください。ダンサーやクラブのみなさんと同じくらい楽しんでくれていたらと思います！ Ben Sims： うん、素晴らしい夜だったよ。あそこで過ごした時間を心から楽しんだし、観客からもいい反応をもらえた。特別な機会には、いつも最高のパフォーマンスを届けるよう全力を尽くしている。もちろん、どのギグでもそうしているけれど、特別なパーティーではなおさらだ。記念すべきイベントだから、ただDJセットを披露する以上のものを届けたいんだ。 https://soundcloud.com/thethirdroom_t3r/ben-sims-at-stone-techno-festival-2024 Jasnaのバースデーパーティーで、一番よかったこと、最もクレイジーだったこと、あるいは一番驚いた思い出を覚えていますか？ もちろん、挙げたもの全部について聞かせてもらっても大歓迎です！ 一番クレイジー、あるいは驚いたのは、ワルシャワでも観客から「Benito」と声をかけられたことかな（スペインでの僕のニックネームなんだ）。それだけで自分のホームにいるような気分になって、観客が僕のやっていることを知ってくれていると分かってリラックスできる。正直、ポーランドでそう呼ばれるとは思っていなかったよ。 一番よかったのは、かけた音楽への温かい反応だね。 少し実験して、いろいろなスタイルを織り交ぜ、セットを通してグルーヴに変化をつけて、観客も一緒に楽しんでくれていると感じられるときが、一番幸せなんだ。 あの夜は、まさにみんなが一緒に楽しんでくれていると感じたよ。 「Jasna体験」の一番の魅力は何ですか？ レイヴァーの視点は知っていますが、出演アーティストとしてどう感じるのか気になります。 親密な雰囲気の会場で、伝説的なロンドンのクラブ、Corsica Studiosを思い起こさせる。広さもちょうどいいと思うし、ブースからフロアにいる全員が見えた。目の前の最前列しか見えないのは、あまり好きじゃないんだ。後ろのほうで自分だけの世界に入り、夢中で踊っている人たちこそ、プレイするうえで一番刺激になることが多いからね。 観客がみんな一様にDJのほうを向いているわけではないのもいいね。DJの姿なんて見えなくていい、というタイプではないよ（フロアにいるときは、DJが技術的に何をしているのか見たいと思うし、それができないなら、録音済みの音源に合わせて踊るのと変わらない……実際、何度かそうしていたと思う）。ただ、観客がそれぞれ独自のやり方で音楽を感じているほうが、しっくりくるし、雰囲気もより盛り上がる。Jasnaには間違いなくそれがある。 Ben Simsが考える、正統派テクノクラブの定義とは？ プレイするにも楽しむにも優れた会場に欠かせない要素を、3つ挙げてもらえますか？ フロアにいるときは、動き回れるスペース、体で感じられ、耳でも楽しめる素晴らしいサウンド、そしてDJがよく見えることが大事。プレイする側なら、やはり素晴らしいサウンド、少し高くなったブース（全員が見えるように）、そしてケーブルや人につまずかずに自分のプレイができるスペースだね。 （笑）。 https://www.youtube.com/watch?v=BzUJjb4hrvs&list=RDBzUJjb4hrvs&start_radio=1 では、会場の話はここまでにして、音楽をメインの話題にしましょう！ あなたはテクノだけでなく、グルーヴ、ディスコ、ハウスなど多くのジャンルで、アイコンであり先駆者、そして非常に大きな存在と見なされています。ツアーをしながら、2つのレーベル（HardgrooveとSymbolism）を運営し、NTS Radioの番組「Run It Red」を担当し、さらにクラブナイトシリーズも2つ開催しています。これらのプロジェクトのうち、最も時間を費やしているのはどれですか？ 音楽に関わる活動が何もない生活を想像できますか？ 自分で考えられるようになった頃からずっと音楽に情熱を注いできたから、これからも何かしらやっていると思う。音楽は僕の初めての本当の恋で、仕事かどうかに関係なく、これからも人生の大きな部分を占め続けるよ。 当然、ツアーに一番時間を取られる。でも、移動中にトラックを編集したり、ラジオ番組やポッドキャストをまとめたりと、複数のことを同時に進めていることも珍しくない。やりたい音楽関連のことを全部こなすには、一日の時間が足りないのが残念だけれど、できる限り詰め込むようにしているよ。 趣味であり、現実逃避であり、仕事でもある。全部が一つになっているから、たとえ試してみても、どうやって休みを取ればいいのかわからないよ。 https://soundcloud.com/ben-sims/ben-sims-pres-run-it-red-126 HardgrooveとSymbolismから今後リリースされる作品についてですが、今年中に新しい音楽が出ると聞きました。もう少し詳しく教えてもらえますか？ もちろん、いつだっていろいろ準備が進んでいるよ。次は、復帰アーティストたちによる最高のEPが控えている。 Ritzi Lee と...

Instytut、25周年おめでとう！2025年、ポーランドのエレクトロニック・ミュージック業界を代表する、最も象徴的な取り組みのひとつが、節目を迎えるだけでなく、何よりもその豊かな遺産を祝います。 2025年9月19日〜20日、イベントシリーズは原点に立ち返りました。電力工学研究所の稲妻のシンボルのもと、Marcel Dettmann、James Ruskin、Tommy Four Seven、MOIA、DJ Rush、Błażej Malinowskiなどのアーティストが届ける、質の高いテクノを愛する人々が一堂に会しました。  そして、現地インタビューにUndertonの特別ゲストとして登場したのは、 Stephanie Sykes でした。英国生まれ、ベルリンを拠点に活動する彼女は、荒々しく、催眠的で、本格的なテクノを表現するアーティストです。Instytutへの2度目の出演、 AETHA との興味深く、相性抜群のバック・トゥ・バック、そして現在スタジオで取り組んでいることについて話を聞きました。 インタビュー全編はU.のYouTubeチャンネルでチェックしてください！ https://www.youtube.com/watch?v=HJFVRsvUMjE Stephanie Sykesの各種アカウントはこちら： Facebook： https://www.facebook.com/profile.php?id=100044423646591 Instagram： https://www.instagram.com/stephaniesykes/  SoundCloud： https://soundcloud.com/stephanie-sykes 

インタビュアーとインタビューされる側には、よく知られた共通点がある。ルーツだけではなく、音楽への情熱を共有し、ひとつの目的のもと、濃密な芸術世界を人々に届けたいという思いだ。それは、ダンサーを恍惚の瞬間へと導くこと。私は今回、テンポよくAda Kalehからいくつか答えを引き出すことにした。彼は私にとって魅力的であると同時に、ポーランドの聴衆に丁寧に紹介する価値のある人物だと感じていた。この出来事の輪の中で、視野を広げ、知識を深め、動きを感じてもらうために。 Ada Kalehは、ブカレストを拠点とするルーマニア人のエレクトロニック・ミュージック・プロデューサー兼DJの別名義だ。ステージネームは、ドナウ川にあった現在は水没したオスマン帝国時代の島、Ada Kalehに由来し、彼のアイデンティティに神秘性と文化的記憶の層を加えている。彼の音楽はミニマル・テクノ、ダブ・テクノ、深みのある音響テクスチャーを融合させており、長く展開していくグルーヴとともに、催眠的で有機的、サイケデリックだと評されることが多い。わかりやすいドロップや大箱向けの高揚感を追い求めるのではなく、繊細なディテールと没入感のあるサウンドデザインに重点を置いている。彼の作品は、次のような国際的に高い評価を受けるレーベルからリリースされている。 R&S Records そして、アンビエントに特化したそのサブレーベル、 Apollo Records。作品そのもの以上に、今回は現在の取り組みについて、そして何よりも Supersanityについて話を聞きに来た。SupersanityはAda Kalehがキュレーションする学際的なイベントシリーズで、音楽、ファッション、演劇、ビジュアルアートが交差する。インクルーシビティ、敬意、そしてその場にいることを大切にし、ダンスフロアでは携帯電話の使用を禁止する一方、差別のない安全な場を育み、テクノのエレガントな側面を祝福している。これまでSupersanityのアートイベントは トレヴィーゾとブカレストで開催され、次回は 10月18日にブカレストのForgeで、Tresor Berlinとのパートナーシップのもと再び開催される。 世界各地で活動する彼だが、ポーランドの聴衆は、2022年に ポズナンのSchronで地元の才能あるアーティストたちと共演したセットを覚えているかもしれない。これを踏まえて、ブカレストのSupersanityというプラットフォームの拡大と、Ada Kaleh自身のアーティストとしての歩みについて、いくつか質問していこう。 こんにちは！まずは気軽な質問から始めましょう。以前、ポズナンのSchronでポーランド公演をしていますね。これまで出演したほかの場所と比べて、ポーランドのシーンをどう見ていますか？また、こちらのエレクトロニック・ミュージック全体のムードについて、どんな印象を持っていますか？ こんにちは！はい、以前ポーランドでは何度か出演していますが、ここ数年ではSummer Contrast FestivalとSchron Poznanだけですね。正直に言うと、一般的にフェスティバルはあまり好きではありません。もっと親密な雰囲気で、ニッチな客層のクラブのほうが好みです。Schronでのプレイは楽しかったです。よりミニマルな夜の出演としてブッキングされていたのですが、結局テクノ寄りのセットをプレイしました。観客もそれに応えてくれました。ポーランドには、荒々しくざらついたテクノの側面を好む傾向があるようです。いつかぜひポーランドに戻りたいですが、単なるDJセットではなく、一晩通してプレイしたいですね。ドローンやアンビエント、ダウンテンポからテクノまで、そして最近、次のアルバムに向けて制作している、より高いBPMのサイケデリックな曲も含め、自分の音楽的知識をすべて表現できると思います。 あなたについて調べてみたのですが、音楽との出会いや初期の関わりについてはあまり見つけられませんでした。すべてはどのように始まったのでしょう？ へへ、それはつまり、目立たずにいることや、ソーシャルメディア、恥ずかしげもない宣伝、「業界で成功しようとする」ゲームに巻き込まれないことが、うまくできているということですね。最初から話すと、音楽、とりわけエレクトロニック・ミュージックとの関わりは1992年に始まりました。父と近所の人たちが電子機器を買いにドイツへ行き、父が適当に選んだレコードを何枚か持ち帰ったんです。そのうちの2枚がVisions of ShivaとSven Vathでした。それがきっかけです。1998年ごろ、初めてコンピューターを手に入れたときに制作を始め、その後ハードウェアのシンセやエフェクターも使うようになりました。当時はトランスに夢中で、最初のレコードは2002年にリリースされました。それから、アーティストとしての自分の成長に関して多くのことが変わりました。 https://soundcloud.com/adakalehromania/sets/ada-kaleh-o-seara-de-ragaz-1?si=a2664cfb16234c2abbade2b3ec644575&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing Supersanityのほかに――その話は後ほどするとして――今、特に楽しみにしているコラボレーションや芸術的な交流はありますか？ おそらく、ミニマル・ハウスとしてはこれが最後になるリリースが、この秋に控えています。親しい友人であるWareikaとのコラボレーションです。数年前からこの曲たちを寝かせてきましたが、今のミニマル／ハウスシーンがひどい状態にあることを考えると、これほど本物の作品をリリースしないのは惜しいと思ったんです。今後に向けて、進行中のグループプロジェクトや個人プロジェクトはありますか？ グループプロジェクトについて言えば、今はすべての力をSupersanityに注いでいます。さまざまな環境で活動するアーティストを支援し、ここブカレストに、機能するテクノと学際的なアートのシーンを築こうとしています。 個人プロジェクトでは、この3年間、とても実験的で「ぶっ飛んだ」アルバムに取り組んできました。アルバムは基本的に、2022年7月18日に経験した臨死体験を音で翻訳したものです。これまでに作ったものとはまったく違います。 今この瞬間、音楽を作ることと演奏することを、どのように捉えていますか？ 今でも音楽を作ることが本当に大好きです。それこそが、まさに私を形作っているものです。25年間ずっと続けてきましたが、今になってようやく、本当に意味のあるものを創り、新たな宇宙を探求していると感じています。目的や用途のある機能的な音楽を作るのをやめようと決めたとき、解放されたと感じました。次にどんなものを生み出せるのか、とても楽しみです。一方で、今のシーンの状況で音楽を演奏するのは、ほとんどの場合、まったくの悪夢です。人々は音楽に注意を向け、内省的な体験をする能力を失ってしまいました。それに、最近リリースされる音楽の大半はまったくひどいもので、誰もが互いの真似をして、同じ型にはまった作品を何度もリリースしています。主な理由は、流行に乗ってギグを獲得しようと、みんなが躍起になっているからです。要するに、システムから利益を得ようとする寄生虫です。 それでは、Supersanityについて掘り下げていきましょう。このプロジェクトの詳細や見どころ、あるいは隠れた瞬間について教えていただけますか？イベントを体験する前に、どんなものなのか少し感じられるように。 実のところ、Supersanityの全体的なコンセプトは、その場にいて、その瞬間を自分自身で体験することです。この雰囲気はそのままにしておいて、みんなが準備できたときに、自分で見つけて解き明かしてもらおうと思います。 Supersanity イベントチケット 以前の対談では、シーンへの失望、つまり改善できることや間違っていることについて少し触れました。こうした懸念を読者に聞かせてもらえますか？ ああ、シーンの欠点をいつも指摘する「ヘイター」だと思われたくはないんです。というか、芸術に関わること全般についてそうですね。だから、ただ、表面的なものやメインストリームの外で、意味のある体験を求める人たちのための選択肢を作ることに集中します。 将来、コラボレーションしてみたいアーティストはいますか？ はい、Jeff Millsです。 臨死体験について教えてください。 瀬戸際まで近づくと、物事の捉え方や人生の見方が変わります。そんな体験を言葉にするには、何日もかかることがあります。言えるのは、死はそれほど恐ろしいものではないということです。でも、そこから戻ってこられて、物事を違ったやり方で、真の目的を持って行う二度目の機会を得られたことをうれしく思います。Supersanityはこの体験の延長線上にあります。興味のある方は、ぜひQuantumを垣間見てください。 最後に、「Under…」という言葉を完成させてください。 …自分自身を理解し、己を覆うベールの向こうへ進む勇気を持つことが、人生における真の目的へと導いてくれます。 ソーシャルメディア： Instagram / Soundcloud /...

クラブシーンにおける彼女の存在は多面的だ。彼女が手がけることすべてから、情熱と献身、そして細部へのこだわりが感じられる。AETHAはDJとして活動し、NOCEクラブを運営するほか、Instytut Dźwiękuで教え、講座も担当している。クラクフを拠点としながらも、故郷ルブリンを心に大切に抱き、両都市の地元クラブコミュニティに深く関わる一方で、海外でも音楽への情熱を追い続けている。 彼女は多くのものを捧げ、電子音楽が人生のほぼすべての瞬間を満たしている。それでも、そのすべては彼女に力を与えるものとなって返ってくる。9月20日のInstytut 25 Yearsでは、Stephanie Sykesとのb2bという夢を実現する。そこでこの特別な機会に、いくつか質問し、Instytutの思い出を振り返ることにした。 Agata Omelańska：こんにちは、AETHA！Undertonにお越しいただけてうれしいです。Instytutの25周年が間近に迫っていますね。まずは思い出をたどる旅から始めましょう……Instytutでの一番の、最も印象深い思い出は何ですか？初めてこのイベントに参加したのはいつでしたか？ AETHA： こんにちは！まずは、このインタビューにお招きいただき本当にありがとうございます。とてもうれしいです！ご質問への答えですが、Instytutには美しい思い出をたくさんもらいました。Instytutが私に与えてくれた感情に、何度も足が震えたほどです。 最初に思い浮かぶ思い出のひとつは、当時Instytutで働いていたAnja Kraftから電話があり、2019年にモドリンで開催されたInstytut Festivalへの出演を打診されたことです。Rave Stageでrraphとb2b形式で出演しました。私が出演した初めての大規模なテクノフェスティバルでした。その夜、テントを満たしていたエネルギーをよく覚えています。今でも思い返すと鳥肌が立ち、その思い出を何度でも振り返りたくなります。もうひとつ、とても強烈な経験は、ベルリンのRave The PlanetでInstytutのプラットフォームに出演したことです。 https://soundcloud.com/aethapl/aetha-jasna-1-live-rec-15022025 シーンを代表するアーティスト、他に類を見ないロケーション、テクノミュージックに理想的な空間——こうした要素がInstytutを形作り、四半世紀前、ポーランドのシーンにまさに世界水準の場をもたらしました。このリストに何を加えますか？ 何よりも、揺るぎない情熱とエネルギー、そして「やってみよう」という姿勢です。次世代の手本となるべきものだと思います。 ここ数年、あなたはInstytutにも大きく貢献しています。プロモーターが主催するイベントに定期的に出演するだけでなく、Instytut DźwiękuのスクールでDJワークショップも行っています。あなたの音楽活動と指導者としてのキャリアは、どのようにしてこのプロモーターと結びついたのでしょうか？ 私はInstytutと、いくつかのクリエイティブな分野で協力しています。都合がつく限り、このプロモーターに関係するプロジェクトを手伝うようにしていて、Instytut Dźwiękuのスクールでは3年以上にわたり定期的にレッスンを担当しています。 これまでに、DJ、音楽制作、ライブアクトのワークショップを企画しました。電子音楽に関する講義や、自分だけの電子楽器を作るワークショップもありました。自分が興味を持てることを探し、より知識のある人から新しいことを学べるよう、同じ関心を持つ人たちを集めてきました。 愛好家たちのニーズをいつも見つめ、自分のアイデアで足りない部分を補ったり、彼らが自分のアイデアを実現できる場を提供したりしてきました。 しばらくしてから、自分でミーティングやDJ講義を主催するようになりました。おかしなことに、自分のDJスクールを始める計画を立てていたので、Piotr Figielを誘って一緒にやろうとしました。彼がこう言ったのを覚えています。 「きちんとやるか、まったくやらないかだ」 そして結局……何もしませんでした（笑）。 Karol Murawski（Manoid）がクラクフでレッスンを担当する人を探していたとき、調査をして私を見つけてくれました。それから数年間、一緒に仕事をし、2つの都市（クラクフと私の故郷ルブリン）でレッスンをしています。これは私の仕事——責任あるフルタイムの仕事——になっただけでなく、何よりも大切な情熱にもなりました。 私は「子どもたち」が大好きです。成長を見守り、デビューする姿を見るたび、また小さなことでも大きなことでも何かを成し遂げるたびに、誇らしく、胸が熱くなります。私が何かを教えるだけでなく、彼らもまた私に教えてくれます。何よりも、落ち着きや心の平穏、そしていっそうの共感力を学ばせてくれます。 https://soundcloud.com/aethapl/aetha-cialo-33h-live-rec-29072023 では現在の話に移りましょう。Instytut 25 YearsではStephanie Sykesとb2bでプレイしますね。おめでとうございます。こうした夢をどうやって実現するのか、ぜひ聞きたいです。このギグを前にどんな気持ちですか？どんなプレイを期待できますか？ まずは、ありがとうございます！私たちのデュオにとてもわくわくしていますし、まったく緊張していないと言ったら嘘になります！Stephanieとは何年も前からの知り合いで、連絡を取り合っています。ユーモアのセンスは抜群で、音楽の好みもとても似ています。でも彼女は、私の音楽の好みや成長に影響を与えてくれたDJです。何年も前から、b2bのパートナーといえばStephanie Sykesが私の一番だと言い続けています。 セットの間は流れに身を任せようと決めました。お互いの音楽の好みを長年知っているので、直感を信じることにしたんです。ロンドンのCorsica Studiosで初めてStephanieのプレイを聴いたとき、彼女は魔法のように催眠的で、クラシックなテクノセットを披露していました。それが、ミックスにおける空間のレベルについての私の見方を変えたんです。まさにこの雰囲気をThe High Voltage Hallの壁に届けたいと思っています！ 少しの間、Instytutや大きなステージの話から離れて、日々の暮らしに目を向けましょう。あなたは、クラクフのカジミェシュ地区にある新しく美しい会場NOCEのマネージャー兼ブッカーで、街の電子音楽ファンの間でますます人気が高まっています。この場所はどのようにして生まれたのでしょうか。また、パーティー会場としてNOCEを選ぶ人たちに何を届けたいですか？ NOCEは、私がもう2年近く、すべての時間とエネルギーを注いできた小さなわが子のような存在です。NOCEがあるのは、クラクフのクラブシーンにとって歴史ある場所、カジミェシュの中心にあるダイヴォル通りです。数年前、この建物にはCaryca、Kitsch、Kawiarnia Naukowaといったクラブが入っていました。NOCEは、まさにKawiarniaがあった場所に誕生しました。 私がそこで働き始める前は、会場のコンセプトが絶えず変わっていました。正直に言うと、面接に行ったとき、私はそこに一度も行ったことがなく、どんな場所なのかもまったく想像できませんでした。 一歩足を踏み入れた瞬間、クラクフのクラブシーンに何年も欠けていたものをすぐに感じました。物質的なもののことではなく、何よりも、良質で澄んだ、新しいエネルギーのことです。 やるべきことがたくさんあると、すぐに分かりました。コミュニティづくりから、バーチームの編成、コンセプトづくり、PRやコミュニケーション、ビジュアルアイデンティティの構築まで。基本的に、一夜にしてすべてが私の手に委ねられ、今もその状態です。 最初の1年は本当にハードでした。でも、週を追うごとに、パーティーを重ねるごとに、また来てくれる人が増え、フロアもどんどん混み合うようになりました。今ではプロモーションイベントの予定が何か月も先まで埋まり、結束の強いコミュニティがあり、レジデントDJも十数人います。それに、テクニカルライトが点いても、なかなか帰ってもらえないことがますます増えているんです（笑）！ しっかりとした電子音楽クラブのブランドを築く仕事とは、実際にはどのようなものだと感じていますか？また、あなたにとってNOCEで最も大切な要素は何ですか？ この場所をつくるにあたって、あらゆる電子音楽ファンにとって安全な場所にしたいと思っていました。ここではテクノが主流ですが、ドラムンベース、ハウス、テックハウス、ハードテクノも定期的に予定に組み込むようにしています。 NOCEをひとつのジャンルに限定したり、同じ名前ばかりを何度も取り上げたりしたくありません。20歳でも40歳でも、誰もがここでくつろぎ、望めば自分らしさを発揮できる場所だと感じてほしいんです。 一度きりの大改革をするつもりはありません。私の気まぐれではなく、人との実際の対話をもとに、少しずつ新しいことを取り入れ、空間を改善していきたいんです。 プレイしているときも、客として訪れているときも、クラブの空間で心地よさを感じるのはどんなときですか？ 何よりもまず、人とそのエネルギーです。会場にポジティブな雰囲気があると、本当にうれしいです！同じくらい大切なのは、良いサウンドシステムと素敵な照明。それから、ノンアルコールの選択肢があるバーの品ぞろえも、いつも評価しています。ほかにも仕事柄気になることはいくつかありますが、ここでは触れないでおきます！（笑） 会場の運営や生徒への指導、DJとしての活動だけでなく、さまざまな音楽・アートプロジェクトにも取り組んでいますね。FEEDやTechno Lublinなどの企画の共同創設者であり、クロアチアのMo:Dem...

クラスは、サウンドの質とともになければならない。とりわけ、丁寧にキュレーションされ、厳選された、時代を超えるエレクトロニック・ミュージックを届けることを目指すなら、妥協できない価値観だ。イギリス人プロデューサー兼DJで、レーベルSK_elevenの創設者でもあるSetaoc Massも、まさにそうした姿勢でよく知られている。細部にまで気を配り、アーティストとしての一貫性を最優先する姿勢によって、彼はエレクトロニック・ミュージック界で大きな尊敬と称賛を集めてきた。 そんなSetaocが金曜日のヘッドライナーに選ばれたのも、当然のことだ。 Muse Festival 2025。 Agata Omelańskaが、イベントの印象やパフォーマンスで音楽を選ぶことの重要性、そして今年6月にリリースされた最新EP『Where The Rainbow Begins』の着想について、アーティストに話を聞いた。 Agata Omelańska：やあ、Sam。グダニスクのMuse Festivalであなたの演奏を聴けてうれしかったです。さらに、いくつか質問できる機会をいただけて光栄です。まずは、いちばんホットな話題から始めましょう。フェスティバルはいかがでしたか？楽しめましたか？会場にはどんなことを期待していましたか。また、Museでのセットの選曲は何を基準にしましたか？ Setaoc Mass： やあ！招いてくれてありがとう。フェスティバルは最高でした。会場も気に入りましたし、観客も素晴らしく、音響も最高でした。音響は最も重要な部分です。とてもつながりを感じました。 教会で演奏するのは今回で2回目だとおっしゃっていましたね。アーティストとしてのあなたにとっても、ダンサーである私たちにとっても、本当に素晴らしい体験でした。観客のエネルギーを感じ、それが忘れられないパフォーマンスにつながっていたらうれしいです！ そうですね。キャリアの中でほかに一度だけあったと思います。2018年か19年に、Jeff Millsと一緒でした。 小規模で、まだ始まったばかりのDIYフェスティバルに出演してくれて、本当にうれしいです。アーティストの立場から、こうしたイベントをどのように捉えていますか？ フェスティバルはすでに、素晴らしく親しみやすいチームと運営体制が整った、居心地のいい、確立されたイベントという印象でした。 これまで出演した中で、最も大規模なフェスティバルと最も小規模なフェスティバルはどこですか？それぞれ、どんな経験になりましたか？ 人数で判断するのは難しいですね。観客がどれくらいの規模なのかを見積もるのがとても苦手なんです。ただ、キャリアの中で大きなステージにもいくつか出演してきました。大規模でも小規模でも、いつも自分のサウンドを届けようとしています。 レコードを掘るときの基準は何ですか？どんな音楽にすぐ惹かれますか？特にインスピレーションを受けるジャンルはありますか？あるいは、セットやポッドキャストに入れるべき「この曲だ」と思えるトラックを見つけたと感じるのは、どんなときですか？ 毎日新しい音楽を探しています。時には探しすぎるくらいです。僕にとっては、まずプロダクションそのもののサウンドが大切です。ミックスダウンの質が適切でなければ、すでに自分向きのトラックではありません。 次にアイデアですね。一般的には、電子音が響く、推進力はあるけれど荒々しくないトラックに惹かれます。「よし、これは自分向きだ」と思うまでに、トラックにはたくさんの基準をクリアしてもらわないといけません。 https://soundcloud.com/groove-magazin/groove-podcast-446-setaoc-mass セットでよく選ぶアーティストやプロジェクトはありますか？あるとしたら、その音楽を初めて聴いたときのことを覚えていますか？ 最近は本当に多くのアーティストがいますが、このところ惹かれているレーベル／プロジェクトはPrimordial Stateです。Markus SuckutとSven Eickhoffによる、比較的新しいレーベルです。音楽からアートワークまで、レーベル全体の美意識がとても心に響きます。 ご自身の作品についても伺います。先日、レーベルのSK_elevenから新しいEP『Where The Rainbow Begins』をリリースされました。このEPの背景にあるストーリーは何ですか？主なインスピレーションは何で、それをどのように音楽の言葉に置き換えたのでしょうか？ 自分のタイトルや音楽には、潜在的なメッセージがたくさん込められていると思います。意味はないけれど、響きがいいだけのものもあります。このEPは主に、妻とポルトガルへ移住し、新しい生活を始め、太陽の下で暮らすことについての作品です。だから、飼い犬には「Sundogs」というタイトルを付けました。これは写真にもある現象だと、あとから知りました。EPを作るときは全体として、似たトラックや相性のいいトラックをつなぎ合わせるようにしています。B面には少しメランコリックな曲を、A面にはよりアップビートな曲を置くことが多いですね。 https://skeleven.bandcamp.com/album/where-the-rainbow-begins SK_elevenのボスとして、Arkan、BLANKA、Phil Berg、Rene Wise、Ignezなどのアーティストの作品をリリースしてきました。まさに宝の山ですね、おめでとうございます！最も誇りに思うのは誰ですか？また、あなたの意見では、近いうちにキャリアが大きく花開きそうなのは誰でしょう？ レーベルのキュレーションには、本当に力を注いでいます。懸命に取り組み、サウンドを前進させてくれる人を見たいですし、音楽面でも個人としても投資したいと思える相手であることが大切です。レーベルにいる全員が僕の心の中で大きな存在です。彼らが僕を信頼してくれていること、そして僕も彼らを信頼していることに感謝しています。 彼らのサウンドに「変化」が見られないか、2〜3年後に方向性を変えるような人ではないか、いつも注意しています。このレーベルが、伝説的なテクノ・レーベルのひとつとして歴史に名を刻みたいと思っていますし、すでにその道を歩んでいるように感じます。特定のアーティストをひいきすることはできません。みんな個性的で、とても才能があります。 十分に強調できていなかったかもしれませんが、ここにいるアーティスト一人ひとりを応援しています。彼らの音楽は、私の好みにとても合っているので！さて、最後はインスピレーションに関する質問です。あなたのミューズは誰、あるいは何ですか？音楽に限らず、人生全体について、人、場所、活動、アイデアなど……。 妻はいつも私を支えてくれますし、犬もそうです。家やスタジオにいるときが、いちばん音楽とのつながりを感じます。自然の中でちょっと休憩するのも、とても助けになります。インスピレーションに対する考え方は、年月とともに確実に変わりましたし、人生がたどってきた道のりにとても満足しています。 インタビューと、Muse Festivalでの素晴らしいセットを本当にありがとうございました！ご活躍をお祈りしています。またポーランドでお会いして、音楽を聴けるのを楽しみにしています。

Białystokで開催されたElectrum Up To Date Festival 2025でのGiuseppe Di Leriaのパフォーマンスに関連して、このアーティストの制作に対する姿勢や今後のプロジェクトについて話を聞く機会を得た。 Dominic：デビューアルバム『Driving to Nowhere』の完成には5年かかりました。これほど時間をかけることにした理由は何ですか？完璧主義、自分自身の表現を探すこと、それともサウンドの探求でしょうか？ D-Leria： 最初のアルバムは、アイデンティティとメッセージを確立するものなので、どのアーティストにとっても重要だと思います。2014年にこのプロジェクトを始めたとき、まだ明確なビジョンはありませんでした。さまざまなジャンルが好きだったので、しばらく制作に取り組んでから、何を作るべきか考えるのがいいと思ったんです。結局、ただ自分の好きなものを作ることにしました。実際、『Driving to Nowhere』では、ストレートなテクノ、トライバル、実験的なもの、シンセもの、アンビエントなど、そのときしっくりくるものを詰め込んだフルEPをリリースし始めました。 Dominic： 2024年のアルバム『Multiverso』では、あなたの作品のよりアンビエントな側面が表れています。主なインスピレーションは何でしたか？宇宙、内省、それともモジュラー技術そのものでしょうか？ D-Leria： この2枚のアルバムの主な違いは、セットアップが変わったこと、そしてもちろん、技術的な知識が深まり、自信がついたことです。コンパクトなシンセサイザーからモジュラーシンセに切り替えたことで、自分のサウンドの中でもシンセアンビエントや実験的な側面を、より探求するようになりました。 Dominic： モジュラーシンセを基盤としたライブセットは、多くのステージで高く評価されています。準備のプロセスはどのようなもので、即興の余地はどのくらい残していますか？ D-Leria： ライブセットの準備はいつもとてもストレスがかかりますし、1か月ほどかかることもあります。スタジオでの制作とはプロセスがまったく違います。モジュラーのセットアップはごく一部しか持ち運べないので、妥協が必要になり、この場合はサンプラーを使います。低周波のループ（たとえば、キックとベースをあらかじめまとめてミックスしたもの）に使い、中高域の大部分はアナログ音源から出します。そこが、より即興の余地を残している部分です。 ハードコアが本当に与えてくれたのは、自由の感覚です。トレンドやシーンに合わせることを気にせず、好きなものを何でも作れると教えてくれました。 Dominic： 伝説的な会場やフェスティバルで演奏してきました。その中で、ライブのアプローチに特に影響を与えた出来事はありましたか？ D-Leria： そうした出来事ですべてが変わったとは言いませんが、確かに影響はありました。伝説的な会場で演奏すると、ある種の重みと視野が加わり、大きな歴史の一部になったように感じます。でも、ライブパフォーマンスへの自分のアプローチは、観客の反応や失敗など、ほかの経験を通じても進化してきました。いろいろなものが混ざり合っています。 Dominic： 初期はハードコアで、現在はアンビエント、アシッド、インダストリアルの境界線上で制作しています。より激しいジャンルでの経験は、現在の作品にどのような影響を与えていますか？ D-Leria： ハードコアが本当に与えてくれたのは、自由の感覚です。トレンドやシーンに合わせることを気にせず、好きなものを何でも作れると教えてくれました。その感覚は今も残っています。制作するときは、今でも自分自身の道を歩んでいます。 Dominic： まだ実現していない構想はありますか？サウンドインスタレーションやサウンドトラック、あるいはまったく予想外のものかもしれませんが。 D-Leria： 「実は、構想しているプロジェクトが2つあります。そのうちのひとつ、Kongasはすでに紹介していますが、まだ最終形ではありません。もうひとつは、もっと個人的なものです。長い間取り組んできたプロジェクトで、僕の名前を冠しています。Giuseppe Di Leriaです。でも今は、あまり多くを明かさないでおきたいですね:P」 DtekkとのB2Bはとても楽しかったです。彼のプレイを見ていると、いつも10代の頃を思い出します…… Dominic： Electrum Up To Date...

寒い朝、ロンドンで、セブこと Baytee Baytakに会った。さっとコーヒーを飲むつもりが、音楽、抗議活動、ジャーナリズム、そして音の振動がもたらす論理について、長くとりとめのない会話になった。セブは気負いなく話し好きで、いい意味で好奇心旺盛、考えについて語るときには深い寛大さがある。驚いたことに、ポーランドのエレクトロニック・ミュージック・シーンにも強い関心を示してくれたので、そのまま話を続けた。 セブはジャーナリストとして10年にわたり、Financial Times、New Statesman、BBC、Novara Mediaなどでビジネス、政治、社会を取材してきた。国家元首やビジネス界のリーダー、そしてその間にいるあらゆる人々にインタビューしてきた。彼の記事が扱うテーマは非常に幅広く、海外投資からセックストイまで及ぶ。 だが、それも納得だ。多くの人々にインタビューするときも、ベイルートの「サウラ」の街頭録音をブレイクビーツに重ねるときも、セブは物語とサウンド、知性と感情のあいだを自在に行き来する。 Baytee Baytakとして、レバノンのパーカッションをUKクラブカルチャーの生々しいエネルギーと融合させている。会話はオンラインでも続き、彼は参考資料や音楽、背景情報を共有してくれた。思考とベースの両方が詰まった、寛大なアーカイブだった。 音楽面では、2022年にカイロを拠点とするレーベルHIZZからリリースしたデビュー・アルバム『Electricté Du Liban』で鮮烈な登場を果たした。その勢いは、ロンドンを拠点とするレーベルShubzinとGeotactからの2作のリリースへと続き、デビューEP『Shadows of Beyrouth』も含まれている。 けれど、メディアを共有しただけでは、彼についての大切なことを見落としていたかもしれない。それでは、この話がどう展開するか見てみよう…… こんにちは、セブ。今日はどんな気分？一日をどんなふうに過ごしたか、詳しく聞かせて。 こんにちは！xoxo  今日は、英国議会でガザのために声を上げている、とても刺激的なスコットランドの政治家ブレンダン・オハラへのインタビューを仕上げていたところ。2か月前、セルティックの試合を見に行く途中、グラスゴーの市場を歩いていたら、偶然彼に会ったんだ。  今もロンドンを拠点にしているの？そうなら、ここで地に足をつけていられるのは何のおかげ？混沌と活気に満ちたこの街は、音楽面でも政治面でも、あなたの関心や決断にどう影響している？ 今もロンドンにいるよ。ここに住んで……13年になる。その数字を聞くとかなりびっくりする。ロンドンにいることに驚いているわけじゃなくて、こんなにあっという間に過ぎたなんて信じられないんだ。しばらくこの街が大好きだったけれど、この18か月で、パレスチナをめぐる大規模な連帯運動のおかげで、さらに恋に落ちた。「西側」のほかのどの都市も、ロンドンほど断固としてパレスチナを支持していない。そこに参加できることを誇りに思う。ロンドンには本当に多くのコミュニティやアイデンティティがある。自分の好きなようにこの街を形づくれるし、それはここの音楽シーンにも表れている。ロンドンのアラブ人やレバノン人のコミュニティにとても強いつながりを感じているし、イギリスの文化や友人、エレクトロニック・ミュージックにもつながりを感じている。そのすべてが、僕の音楽に大きな影響を与えてきた。  https://soundcloud.com/baytee_baytak 長年、政治や社会について報道してきたよね。ジャーナリズムでは言えないことを、音楽なら表現できると思う？ 文章では表現しにくい、ある種の「政治的な感情」に光を当てることはできる。でも、音楽で何かを言おうとしているというより、何かを感じたり、楽しい時間を過ごしたりするために作っていると思う。ジャーナリズムのほうは、何かを伝えることが中心だね。政治的な音楽を作ると、かなり気恥ずかしく感じずにはいられない。だから、自分の音楽が特定の人々の代弁をしたり、その人たちを代表したりするものではないと、自分にはっきり言い聞かせている。特定の出来事をめぐる自分自身や自分の感情を表現しているだけで、あまり深刻に捉えてはいないよ。でも、速くて混沌としたリズムが、緊張や苛立ち、怒り、行動への衝動を捉え、解き放つことができるのが大好きなんだ。僕の音楽は、体を動かしながら聴くのがいちばんだと思う。とてもキネティックで、BGMにもラウンジ・ミュージックにも向かない（笑）。そういう用途にはあまりにも反社交的すぎるからね。  自分は外向的だと言っていたけれど、音楽制作をしていると落ち着くそうだね。その対照をどんなふうに感じる？現実逃避のようなもの、それとも自分を地に足のついた状態にする手段？ 自分と向き合って、ペースを落とす時間を十分に取れていないんだ。音楽を作るとき以外はね。ジャーナリズムに集中していて、もう9か月ほど何も制作していないから、ものすごくフラストレーションを感じてる。セラピーと自分だけの時間を逃しているような感じだよ。  あなたのパーカッション作品には、身体的で太古から続くような何かがある。リズムとの関係はどこから来ているの？ 間違いなくアラブのパーカッションだね。テンポやドラマ性が大好きだし、レバノンで過ごした子ども時代を強く思い出させてくれる。両親がとても信心深かったから、家でも教会でも、たくさんの音楽に囲まれて育ったよ。  あなたの音楽には、秩序と混沌、美しさと崩壊のあいだにある緊張感がある。曲を「完成」と判断するのはどんなとき？ 自分の曲が完成したと感じることはめったにありません。たいていは、聴くのにうんざりして、完璧主義にも疲れ果てて、「もういい、これで完成だ」と言うだけです。でも、私の音楽についてのあなたの表現は気に入っています。ありがとう。最初のアルバム『Electr*cté Du Liban』は、まさに混乱と崩壊をテーマにしていました。タイトルはレバノン国営電力会社にちなんでいます。同社は長年、ベイルートにあるビルの看板の「i」の文字さえ点灯できませんでした（だからアルバムタイトルにアスタリスクが入っています）。自社の看板すら照らせない電力会社――レバノンという国が、いかに詩的なほど壊れ、腐敗し、無能になったかを物語っています。今もこの国では、国が供給する電気は1日わずか6時間です。 https://soundcloud.com/baytee_baytak/edl-ma3azef-mix 「 Tasstooz」について教えてください。この作品と以前の作品の間で、何が変わりましたか？ いくつかの曲では、Tasstoozをもう少しメロディックにしようとしました。でも、まだ工夫が必要です。何より大切なのは、Tasstoozはまったく政治的ではないということです。政治的な音楽を作れる量には限りがあると思うので、このアルバムは不条理で、ノスタルジックで、おどけたものにしたかったんです――でも、以前の作品のように、すごく速くて金属的な響きは残しています。「Tasstooz」はレバノン・アラビア語で「小さなお尻」という意味です。アルバムのジャケットには、宇宙空間に浮かぶビデが描かれています。だって、いいじゃないですか。それにビデは本当に最高だし、恋しいんです。イギリスにはほとんどないので、これは危機ですよ（笑）。お気に入りの歴史書のひとつ『The Anarchy』には、1765年のインドにいたムガル帝国の役人が日記にこう記したとあります。「まだ尻の洗い方も知らない、ほんのひと握りのイギリス植民地主義者から命令を受けなければならないとしたら、我々に残された名誉とは何だろう？」ビデの最古の原型は、古代メソポタミアとインド亜大陸にまでさかのぼります。 。 Baytee Baytak · TassTooz（LP） 一緒にコラボレーションしてみたいアーティストの名前をいくつか教えてください。 Zuli。DJ Plead。aya。 次は何をする予定ですか？音楽に限らず、今思い描いていることや、興味が向いていることはありますか？ もっとゆっくりした、あるいはそぎ落とした音楽を作りたいです。よりメロディックで、体を動かしやすいものに。ここ2年はとても緊張感の強い日々だったと思うので、もっとリラックスできる（そして違った）ものが欲しいです。  「Under…」という単語を完成させてください。 mydeadbody。  ありがとう！ Underton Team undertonmusic.com

野心的で、自分の思い描くとおりに音楽を作ることに情熱を注ぐ一方、テクノだけに自分を限定しない。ドイツ人DJ兼プロデューサーのAfem Sykoにとって、大切なのは特定の方向性を無理に押し通すことではない。デビューEP『RAS1』はR Label Groupからリリースされた。彼自身と同じように創造性を自然に育み、絶えず変化する自分の好みに合わせていくことだ。 こうしたオープンな姿勢のおかげで、DOOM、Respira Festival、Hardlab、Synoid Weekenderなどのイベントやフェスティバルに出演する機会を得てきた。ほんの一例を挙げるだけでも、これだけある。 Theia Crushに招かれたAfem Sykoは、10月5日にヴロツワフのクラブTransformatorでプレイする。そこで、彼の音楽活動の初期や、元ボクサーとしての人生とテクノ界の頂点へ向かう道のりとの共通点などについて、いくつか質問した。 Agata Omelanska：こんにちは、Afem。お会いできてうれしいです。お忙しいとわかっているので、インタビューの時間を作っていただけてとても感謝しています。それでは始めましょう！ Afem Syko：お招きいただき、本当にありがとうございます！このインタビューに参加できてうれしいですし、お話しできるのを楽しみにしていました。それでは始めましょう！ 少し難しい質問から始めます。まず音楽以外のことについて、あなた自身のことを教えてください。どんな人で、何に興味があり、誰（あるいは何）に刺激を受け、情熱を注いでいることや好きな活動は何ですか？ こんにちは、Matthiasです。ドイツ北部の小さな街で育ちました。子どもの頃は屋外で過ごすことが多く、自然を探検したり、周りにあるものを何でも吸収したりしていました。昔からスポーツ、特にボクシングに強い情熱を持っていて、そこで規律や集中力、自分の限界に挑む大切さを学びました。故郷は大好きでしたが、もっと広い世界を見てみたいと早くから思っていました。だから、機会を得るとすぐに新しい経験を求め、視野を広げるために故郷を離れました。旅をしたり、新たな課題に挑んだり、居心地のよい場所から一歩踏み出したりと、もっと多くのことを知りたいという思いが、いつも私を突き動かしてきました。 エレクトロニック・ミュージックの世界に入る前は、どんな生活を送っていましたか？あるいは、学校や大学などで、かなり早い時期から何らかの形で音楽業界とつながりがあったのでしょうか？ エレクトロニック・ミュージックに出会う前は、生活の中心はスポーツ、とりわけボクシングでした。本気で打ち込み、プロになる道を歩んでいて、何度も試合を経験しました。初期の頃、最も親しんでいた音楽はヒップホップで、今の自分を形作るうえで大きな役割を果たしました。興味が少しずつ変化し、エレクトロニック・ミュージックの世界を知るまでは、いつもヒップホップを聴いていました。 ボクシングの規律から音楽の創造的な世界へ移ったことは、私にとって大きな転機でした。一見まったく異なる道ですが、どちらにも強い献身と情熱が必要で、それを音楽のキャリアにも生かしてきました。あの頃のエネルギーと意欲は、今の仕事への取り組み方にも確実に影響しています。 人生から得たインスピレーションのなかで、最も大切なものを一つ挙げるとしたら、何（または誰）ですか？その理由も教えてください。 2010年に開催された最後の公式Love Paradeは、私の人生を決定づけた出来事です。初めてのテクノイベントだっただけでなく、音楽を作る道へ進むきっかけにもなりました。あのエネルギーや一体感、そして音楽は、それまでに経験したことのないもので、まさに私にとって文化的な目覚めでした。しかし、その日は悲劇とも結びついています。痛ましい事故で、多くの人が命を落としたのです。この体験の二面性は、今も心に残っています。テクノの力が人々を結びつけることへの深い喜びと、命がいかにはかないかを思い知らされること、その両方です。 では、今度は音楽の話をしましょう！初めてのレイヴを覚えていますか？誰があなたをテクノクラブに連れて行き、今では情熱だけでなく仕事にもなっている世界を見せてくれたのでしょう？また、あなたのスタイルに最も大きな影響を与えたアーティストは誰ですか？ 皮肉なことに、初めてのレイヴ体験は、人生で最も大切なインスピレーションにもなりました。テクノとの出会いにとどまらず、自分の音楽的な関心が大きく変わった瞬間でもありました。あのエネルギーと雰囲気が心に残り、こここそ自分の居場所だとすぐにわかりました。実はその日、行くことにあまり乗り気ではなかったのですが、友人たちに誘われて一緒に行きました。今振り返ると、誘ってくれてよかったと思います。ちょっとした選択が人生を変える道につながることもあるのだと、改めて感じさせてくれる出来事です。 テクノの世界を探り始めた頃、Paul Kalkbrenner、Richie Hawtin、The Advent、Industrialyzerといったアーティストに惹かれました。 それぞれに独自の魅力がありました。Kalkbrennerのメロディーで物語を紡ぐような表現、Hawtinの革新的なアプローチ、そしてThe AdventとIndustrialyzerの荒々しく力強いエネルギー。彼らは皆、私のサウンドを形作り、テクノへの情熱をかき立てるうえで重要な役割を果たしました。 Afem Sykoプロジェクトはどのように始まったのでしょうか？活動を始めた頃はどのような感じで、いつ自分に最も合うサウンドを見つけ、現在は主にどのジャンルのエレクトロニック・ミュージックに取り組んでいますか？ しばらく別々の名前で楽曲制作やDJ活動をしていた後、新たなスタートを切りたいと感じたことが、Afem Sykoプロジェクトの始まりでした。数年前、変化し続ける自分のアーティストとしてのビジョンに、より合った新しい名義が必要だと考えたんです。Afem Sykoでは、これまでの活動に縛られず、新たな領域を探求できる場所を作りたいと思いました。 最初は、さまざまなサウンドやスタイルを試しながら、自分に本当に響くものを探すことに尽きました。自分の心に響く新しいサウンドを探し続けることが、昔からの原動力ですし、これからも変わらないと思います。特定の方向性を無理に決めるのではなく、自分とともにプロジェクトが自然に成長していくのに任せることが大切なんです。自分の好みも変化し続けていますから。 主にテクノを制作していますが、ほかのジャンルからの影響を取り入れることにも常に前向きです。Afem Sykoプロジェクトの魅力は、その時々の自分の状態を反映していること。僕とともに、これからも変化し続けていくでしょう。 こうした活動は、どのようにしてR Label Groupにつながったのでしょうか？Kobosilとはどのように知り合い、彼のレーベルから音楽をリリースする機会を得たのですか？ きっかけは、僕のトラックはR Label Groupにぴったりだと、友人たちが次々に言い始めたことでした。当時レーベルからリリースされていた作品と、僕の制作する曲のエネルギーやスタイルに共通点があると感じたようです。自分でもそう思うようになってから、思い切ってデモをいくつか送って聴いてもらうことにしました。 ベルリンはとても大きな街ですが、音楽シーンは驚くほどつながりが強いんです。適切な人たちとつながりのある知人が何人かいて、そのつてを通じて、最終的に僕のトラックを聴いてもらうことができました。粘り強く何度もデモを送る必要がありましたが、その努力が実を結び、R Label GroupからEPをリリースし、VAにも3作品参加することになりました。 大手レーベルに見つけてもらいたいプロデューサーの皆さんに伝えたいのは、メールやSoundCloud、InstagramのDMなど、さまざまな方法で連絡することをためらわないでほしい、ということです。礼儀を忘れず、しつこく送りつけるのは避けましょう。ただ、レーベルには大量のメッセージが届くので、送ったものが埋もれてしまうこともあります。それでも諦めず、挑戦し続け、腕を磨いてください。そうすれば、いつか粘り強さが報われるはずです。 https://soundcloud.com/kobosil/sets/afem-syko-ras1-1 新曲については、Amelie LensのExhaleレーベルからリリースされたばかりの最新作「Slingshot」にぜひ触れたいですね。おめでとうございます！ ということは、今後もあなたの音楽が次々にリリースされるのでしょうか？現在取り組んでいることについて、少し教えていただけますか？ 今は創作に集中していて、自分のサウンドを探り、磨き上げているところです。最近、多くのトラックを完成させましたが、自分のビジョンに合っているか確かめるため、時間をかけています。現在、新しい作品にも取り組んでいて、とても楽しみにしています。高い基準を設けるプロセスが好きなんです。それが、自分自身にもリスナーにも深く響くものを作る原動力になります。次のリリースまで少し間が空くかもしれませんが、本当に自信を持って届けられる作品にすることに集中しています。 https://soundcloud.com/hate_music/premiere-afem-syko-slingshot-exh009?si=dcf1174e802343a2aa985d72c848c520&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 新作を待つ間に、ひとつ言わせてください。あなたのポッドキャスト／ゲストミックスのリストは素晴らしいですね！BCCO、Slam...

開催中のSummer Contrast FestivalでMila Sternに会い、彼女のキャリアについていくつか話を聞く機会を得た。Mila Sternは多くの音楽ジャンルを独自の方法で融合させ、増え続けるファンを魅了するアーティストだ。 やあ、Mila！プロデューサーとして、あなたは音楽の中で実に多くのスタイルを結びつけています。日々、どんなものから影響を受けていますか？ 何よりもまず、私はレイヴァーです。10年、15年前ほど時間が取れなくなったとしても、クラブやフェスティバルのフロアにいることが、最大の影響源です。それに、日常生活ではクラブミュージック以外にも本当にさまざまな音楽を聴いています。それは自分が制作する音楽にも、DJとしてプレイする音楽にも大きな影響を与えています。私はポストパンクやインディーミュージックを背景に持っていて、そうした影響は自分の作品にもはっきり表れていると思います。私のサウンドは間違いなく、カウンターカルチャーの感覚によって形作られてきました。 制作を始めたのは比較的遅く、2018年でした。今はベルリンのKater BlauとハレのStation Endlosでレジデントを務め、世界各地をツアーしています。 キャリアの始まりについて、もう少し聞かせてもらえますか？ DJを始めたのは16年前、2008年です。ライプツィヒに近いハレに住んでいて、DIYのアンダーグラウンドクラブやスクワットされた場所、違法な野外パーティーでプレイしていました。パンクバンドの直後に出演することさえありました。それは大好きな趣味でしたが、プロの仕事になったのはずっと後のことです。ライプツィヒやベルリンのパーティーにもよく行きました。その後しばらくテルアビブに住み、そこのクラブシーンも楽しみました。6年以上前にベルリンへ引っ越す前から、ベルリンのシーンに深く関わっていたので、ここに住むのは自然なことでした。制作を始めたのは比較的遅く、2018年です。今はベルリンのKater BlauとハレのStation Endlosでレジデントを務め、世界各地をツアーしています。親友のMira、そしてPeter Schumannと一緒に、Kater Blauのインハウスレーベル、Kiosk IDでも活動しています。 シンセやグルーヴボックスなど、複数の機材に囲まれて作業するのと、ラップトップとAbletonだけでミニマルに制作するのでは、どちらが好みですか？ シンセやグルーヴボックスなど、複数の機材に囲まれて制作できたらいいなと思うかもしれませんが、持っていないんです。私の「スタジオ」は、小さなアパートにあるデスクです。だから今は、MacとAbleton、ヘッドフォン、プラグイン、サンプルだけで作業しています。 近いうちに出演する予定のフェスティバルやクラブイベントはありますか？ 北ドイツのSummer ContrastやMoyn Moynなど、シーズン最後のフェスティバルに出演するのを楽しみにしています。Kater Blauは8月末にアニバーサリーを祝うので、私にとって間違いなく大きな見どころです。もうひとつ楽しみな出演は、9月6日に同じくKater Blauで行われるイベントで、Heinz Hopperフロアを主催します。ロンドンのCenkkを招きました。彼のプロダクションもセットのドラマ性も大好きで、ここ1年で一緒に過ごすのが楽しい友人になりました。もう一人招いたゲストはDelia Planggです。彼女の折衷的なセットは素晴らしいですし、Station Endlosのレジデントでもあり、私の友人でもあります。 ポーランドのSummer Contrast Festivalでの次のショーは、初めて出演する場所ですか？ 昨年すでにSummer Contrastに出演していて、Oak Stageに戻れるのがうれしいです。ポーランドではさまざまな場所でプレイしてきました。ほんの数か月前にはヴロツワフのCiałoに出演し、屋外フロアのクロージングを担当しました。あそこの雰囲気が本当に気に入りました。 曖昧な上部構造に縛られない純粋主義的な美学として、レイヴカルチャーに対する自分のビジョンを伝えたい。 今回のセットはどんな内容になりそうですか？新曲や未発表曲も聴けますか？ 木曜日の午後5時から8時まで、Oak Stageでプレイします。フェスティバル全体の比較的序盤の雰囲気をつかむようなセットにしたいです。今後数か月のうちにKiosk IDからリリースする、他のアーティストの未発表曲もいくつか必ずかけるつもりです。 このジャンルの先駆者的存在とみなされ、熱心なファンを築いてきました。そうした人々に伝えたいメッセージはありますか？ 自分のセットやプロダクションは、伝えたいメッセージというより、美学に関わるものだと思います。曖昧な上部構造に縛られない純粋主義的な美学として、レイヴカルチャーに対する自分のビジョンを伝えたい。私が制作する音楽はとても機能的です。人々を踊らせるためのものです。ただし、私の美学に合った音楽で踊ってもらうことを目指しています。型破りなサウンドや、周縁的な音の風景が大好きです。耳に厳しく、暗く感じられるこうしたサウンドを使うより、フロアに人を集める簡単な方法はいくらでもあります。でも、観客と私がこうしたサウンドに包まれ、その苛烈さの美しさを感じながら、一緒に特別な瞬間を生み出せるときが大好きです。 https://soundcloud.com/mila-stern 次のリリースに向けて、今はどんなことに取り組んでいますか？ 現在、次のEPを制作中です。どこからリリースするかはまだ分かりませんが、自分に合いそうなところはいくつか思い浮かんでいます。その後はNiki Sadekiのトラックをリミックスする予定です。オリジナルはすでに素晴らしいです。来年は友人と一緒に自分のレーベルを立ち上げます……これはまだちょっとした秘密なので、今はあまり話せません。お楽しみに…… あなたにインスピレーションを与える、あるいは何度も聴き返したくなるトラックを5曲教えてもらえますか？ 5曲を選ぶのは僕にはとても難しいですね。明日聞かれたら、たぶん違う5曲を答えると思います。でも、次の5曲は僕のスタイルをよく表していると思います。昔からのお気に入りの1曲と、最近の曲をいくつかです。 Sobek & Yourr -...

まず耳に届くのは、彼女のサウンド。MORD、Symbolism、KEY Vinylなどのレーベルからリリースされている、グルーヴ感とリズムにあふれたエネルギッシュなトラックは、すぐにダンスフロアで体を動かしたくさせる。次に目にするのは、Tresor、Radion、Fuse、RSOといったヴェニューでプレイする彼女の姿や、ナポリを代表するクラブDuelのレジデントとして活躍する姿だ。そして彼女をもっと知るための次のステップは、テクノとその文化について語る言葉に耳を傾け、電子音楽のサウンドの世界に注ぐ情熱に気づくことだ。  Muse Festivalがゴシュチ宮殿で開催されるにあたり、25歳のイタリア人DJ兼プロデューサー、Rebecca Delle Pianeに話を聞いた。最新プロジェクトや刺激的なコラボレーション、キャリア初のライブアクトについて、そして何より、電子音楽に対する自分らしさとビジョンをどう保っているのかを語ってもらった。 Agata Omelańska：チャオ、Rebecca。お会いできてとてもうれしいです。ここに来てくださって本当にうれしいです！ まずは軽いウォーミングアップから始めましょう。自己紹介をお願いできますか？あなたはどんな人で、どのように電子音楽の世界に入ったのでしょうか。また、テクノのサウンドに出会う前は、どんな生活を送っていましたか？ Rebecca Delle Piane：チャオ！私もここにいられてとてもうれしいです！Rebecca Delle Pianeです。25歳で、イタリア中部の小さな街の出身です。音楽は母のお腹の中にいた頃からずっと私の人生にありましたが、転機をひとつ挙げるとしたら、すべてが始まったのはおよそ10年前です。音楽学校でエレクトリックベースを学んでいて、自分で何かを作りたいと思うようになりました。そこで電子音楽の制作を始め、同時に初めてパーティーにも行くようになりました。とても自然な流れで、どんどん夢中になり、すべてに真剣に取り組むようになって……それで今の私がいます！ それ以前の私はごく普通の学生でした。情熱を本当の仕事にできるとわかったとき、大学を辞めて、この道にすべてを捧げることにしました。でも将来、どんな形であれ、中断した勉強は必ず再開するつもりです！ https://soundcloud.com/bpitch-control/bpitch-020-rebecca-delle-piane あなたはイタリア人で、ローマとナポリの間に位置する街、フォルミアの出身ですね。どちらの街もイタリアの電子音楽史にその名を刻み、数多くの才能や、よく知られたイベントシリーズ、コレクティブを生み出してきました。この二つの街のすぐ近くで暮らしてきたことは、あなたの人生にどのような影響を与えましたか？ そうですね、実際のところ、初めの頃は「外の世界」からあまり影響を受けていませんでした。もう少し説明させてください。音楽を作り始めたのは、必要に迫られてのことでした。だから、自分の本能や感覚だけに耳を傾けていました。もちろん、後にシーンにより深く関わるようになると、アーティストやイベントについて調べ始め、周囲にも目を向けるようになりました。 どちらの街もテクノ／電子音楽シーンに大きな影響を与えてきたのは確かですが、私は自分自身から、そしてもちろん、クラブで聴きに行った世界各国のアーティストから影響を受けてきました！そうやって少しずつ、プロデュースへの情熱とDJの技を結びつけていきました。とはいえ今では、ナポリのオールドスクール・テクノは間違いなくお気に入りのひとつです。 もちろん、ローマ、ナポリ、そしてあなたの地元の間に対立があるわけではありません。イタリアの人々が自分の出身地と強く結びついているのはよく知っていますから！ただ、今の地元のシーンがどのようなものなのか気になります。若い世代も、Deborah De LucaやFreddy Kといった人たちの話を今なお覚えているのでしょうか？それとも、新たな才能がイタリアの電子音楽シーンの新しい章を書き始めているのでしょうか？ いい質問ですね。大きく二つに分かれていると思います。シーンに足跡を残したアーティストたちと、過去の歴史に強く結びついている人たちがいる一方で、文化的な背景をあまり知らない若い人たち（あるいは、一般的にそういう人たち）もたくさんいます（でも、それは誰かの落ち度でも、侮辱でもありません。今はソーシャルメディア上の情報が多すぎて、時に本質を見極めるのが難しいということです）。だから、状況は少し揺れ動いていると思います！でも、これは多くの場所で同じだと思います。 https://soundcloud.com/slam_djs/slamradio-580-rebecca-delle-piane ナポリの話が出ましたが、あなたには個人的な視点と仕事上の視点の両方があると思います。ナポリのクラブのひとつ、Duelのレジデントとして、観客だけでなくシーン全体にも影響を与える機会があります。自分をトレンドセッター、良質な音楽のアンバサダーだと感じますか？それとも、そういうことはあまり考えていませんか？ もちろん考えています！まず、Duelのような歴史ある重要なクラブを代表できることを、とても幸運に思っています。だからこそ、その周りで起きるすべてのことを本当に大切にしていて、クラブの名をできる限り最高の形で伝えられるよう、最善を尽くしています。私はトレンドセッターでも音楽大使でもありません（そうなれたら素敵ですし、いつかはそうなるかもしれませんが）。私は音楽を作っています。それ以外のことはすべて、できるだけ多くの人に自分の芸術的ビジョンを届けるために、慎重に使う「調味料」あるいは手段です！ では、いったんイタリアの話は置いて、音楽に焦点を当てましょう！自分のスタイルや、作り、プレイしたいサウンドはどのように見つけたのですか？音楽の道のりはどのようなものでしたか？最も大きなインスピレーションを与えてくれた人、そして今も与えてくれている人は誰でしょう？ 自分は常に進化し続けていると感じています。自分のアイデンティティは確かに見つけましたが、完全に完成したと思うことはありません。おそらく、サウンドを絶えず探し続けていることが、アーティストとしての今の自分を形作っているのでしょう。そして、まさにこの探求の中に自分のスタイルを見つけたのだと思います！実験したり、サウンドやフローで遊んだり、自分の特徴を必ず保ちながら、異なる作品を届けたりするのが大好きです。このすべてを通じて変わらない大きな要素は、ひとつだけ。リズム、グルーヴです。 物事を単純化しすぎたくないので、影響を受けたジャンルをひとつだけ挙げたり、インスピレーションの源として何人かのアーティストだけを語ったりするつもりもありません。テクノ、R&B、アンビエントのいずれであれ、あらゆるものや人から刺激を受けます。あらゆる刺激や感情、感覚を、自分だけの何かへと変えているんです！ あなたの音楽をリリースしたレーベルの目に留まったきっかけは何でしたか？MORD、KEY Vinyl、Symbolism、Emeraldは、どれも異なり、非常に幅広いサウンドやジャンルを代表しています。あなたが扉を叩いたとき、その扉を開けた秘密の要素は何だったのでしょう？ 先ほど説明したように、リリースごとに異なる形で取り入れながら、常に自分らしさを加えている、幅広いサウンドだと思いますし、そうであってほしいです。加工されたサウンドやリズムに聞いてみるべきですね！（笑） ツアー、Duelのレジデント、ポッドキャストやミックスの録音以外では、今どんなことに取り組んでいますか？すでに忙しい日々を送っていますが、近いうちに新しい音楽も出てくるのでしょうか……？   もちろん、これからいろいろあります！制作については今のところ何も明かせませんが、今年初めて披露する最も重要なプロジェクトは、自分のライブセットです。演奏するのが本当に待ちきれません。デビューまでの日数を数えています……！それから、Raffaele AttanasioとRRONINというデュオプロジェクトを始めました。今年から一緒に各地でプレイします！ https://soundcloud.com/raffaele_attanasio/rronin-studio-podcast KEYについてですが、Freddy Kのレーベルとのコラボレーションは大きな出来事だったに違いありません！おめでとうございます。これからもリリースや、ボスと一緒に出演するギグが続くことを願っています。Freddyから何を学びましたか？また、この経験は夢に近づくうえでどのように役立ちましたか？ 本当にありがとう！Alessio（Freddy K）は、私のキャリアや芸術的ビジョンに大きな影響を与えてきた人であり、友人です。彼のことも、彼のレーベルKey Vinylの理念も、とても大切に思っています。彼の信念を心から尊敬していますし、本人もそれを知っています！彼のレーベルから音楽をリリースできたことは、私にとって大きな一歩でした。Key Vinylのショーケースすべてに参加できたことは、それ以上に大きな経験でした。こうした機会を与えてくれた彼には、いつまでも感謝しています。レコードへの情熱をさらに深めてくれたことにも感謝しています！ 彼はこの種の音楽やシーンが大切にする本物の価値観に、とても忠実な人だとずっと感じていました。彼は、もともと自分の中に根付いていたものを確実に伝えてくれましたが、今ではそれがさらに確固たるものになっています。おかげで、自分の信念を貫き、目標や夢を実現するために、いっそう努力し続けられます。 https://keyvinyl.bandcamp.com/album/keen-edged-key032 少し先の話に進み、Muse Festivalの素晴らしい会場について聞かせてください。7月にポーランドのGoszcz Palaceで開催されるイベントに出演されますね。イベント初開催のステージに立つことを、どう感じていますか？今、新しいフェスティバルブランドを作るのは難しいと思いますか？また、ソーシャルメディアやテクノの過剰な人気の時代に、アンダーグラウンドの精神と独自性をどう守ればよいでしょう？ フェスティバルで皆さんと一緒に過ごせるのが本当に待ちきれませんし、参加できることを心から嬉しく思っています！招待してくれて本当にありがとう。もう今からワクワクしています！追伸：会場はすごいですね！ 私の考えでは、確かに難しいことです。一般的に、多くのエネルギーや努力、献身が必要ですから、運営は決して簡単ではありません。新しいものを広めるとなれば、なおさらです。でも、私たちにはこれが必要で、人々にも必要です！何があっても、誰が相手でも、自分に忠実であり続け、自分の道と好みを貫けばいいんです！大切なのは、本物であり続けることです。 https://soundcloud.com/vault-sessions-collective/vault-sessions-135-rebecca-delle-piane

日を追うごとに、現代エレクトロニックミュージックの世界で存在感を急速に高めているDJ、プロデューサー、そしてライブアクト。彼の音楽は、ニューウェーブとブレイクビートの影響を受けたエレクトロを融合したサウンドで、ハーグの歪んだドラムマシンと、80年代サンフランシスコのロマンティックなシンセメロディーによって形作られている。L.F.T.に、インスピレーションやライブ楽器、音楽制作への取り組みについて話を聞いた。 ダークなエレクトロ／ニューウェーブサウンドが自分の定番だと気づいたのはいつですか？また、どのようなものがその方向性の作品に影響を与えましたか？ この種の音楽に出会ったのは20代前半の頃です。当時、ハンブルクのGolden PudelやKraniche clubではよくかかっていて、ほとんど毎日のように音楽を聴きに通っていました。 あなたがよくレコードでプレイしているのが印象的です。制作・プレイする音楽のスタイルにも合っていますね。デジタル機材でプレイする現在の流行について、どう思いますか？ 僕自身がレコードの大ファンで、コレクターでもあるので、レコードでプレイするのが大好きです。ステージでも、そのほうがずっと楽しいですね。より「手で触れて」操作するスタイルが好きですし、目の前にディスプレイや情報がないぶん、ミックスでは耳にする音にずっと意識が向きます。だから、下を向いている時間が少なくなり、観客ともより強くつながれると思います。レコードを持ってツアーをするのはかなり面倒なこともあるし、クラブのターンテーブルに問題が起きることも残念ながらよくあります。だから、人によってはデジタルでプレイするほうが魅力的だというのも理解できます。 シンセサイザーを手で直接操作する感覚が大好きです。楽器ごとに手触りも見た目も違うということ自体が、すでに僕にとってインスピレーションになります。 スタジオでも、主にアナログ機材を使っていますか？特に気に入っているハードウェアは何ですか？ シンセサイザーを手で直接操作する感覚が大好きです。楽器ごとに手触りも見た目も違うということ自体が、すでに僕にとってインスピレーションになります。スタジオのお気に入りを選ぶなら、Korg MS20、Roland SH 101、Roland Space Echo 201ですね。 素晴らしい機材ですね。ギターのような、ほかのアコースティック楽器も演奏しますか？ 子どもの頃に最初に習った楽器はギターでした。でも、シンセとシーケンサーに出会った時点で興味がそちらに移ったので、プロ並みに弾けるわけではありません。 あなたの音楽はとても感情豊かです。創作の全プロセスについて教えてください。どのくらいの頻度で制作に時間を使っていますか？ 感情的な音楽や、ちょっとクサいメロディーが大好きです。自分の曲にも取り入れようとしています。毎日、何ができるか考える時間をとって、アイデアを書き留めています。それから週に1～2回、3時間ほどスタジオに行きます。集中力があまり続かないので。 自分の曲の中で特にお気に入りのものはありますか？心にとって特別な曲など。 うーん、答えるのは難しいですが、お気に入りの一つは初期のレコードの一枚に収録されている「Visitors」ですね。 僕の心は間違いなく、小さなアンダーグラウンドクラブに惹かれます。音楽に深くコミットしている50～100人となら、ずっと濃密なエネルギーを生み出せると思います。 エネルギーを存分に解き放ち、観客と一体になれるのは、どのようなイベントですか？小規模なアンダーグラウンドのライブ、大規模なクラブイベント、それとも大きなフェスティバルでしょうか？ 僕の心は間違いなく、小さなアンダーグラウンドクラブに惹かれます。音楽に深くコミットしている50～100人となら、ずっと濃密なエネルギーを生み出せると思います。 まさにその通りですね。地元のシーンについて聞かせてください。ハンブルクのクラブ／音楽シーンをどう表現しますか？ベルリンとはどう違いますか？ ハンブルクには素晴らしいミュージシャンがたくさんいますが、残念ながら、今ではステージがあまり残っていません。若い頃は、GolemやKraniche Bei Den Elbrückenのように、素晴らしい音楽を流す場所がたくさんありました。そこで聴いたサウンドは、僕が作る音楽に大きな影響を与えました。でも今では、Golden Pudel club以外に残っている場所はあまりありません。ベルリンにはナイトクラブの種類も数も豊富ですが、時には（僕にとっては）テクノに偏りすぎていると感じます。もちろん、素晴らしい場所もありますよ！ Mannequin Records · MNQ 149 L​.​F​.​T. - Salz LP（スニペット・ミックス） https://youtu.be/CJmkRIWa3mE インタビューにご協力いただき、ありがとうございました。私たちにとって素晴らしい経験となりました。 L.F.T.のSNS: SoundCloud Instagram Facebook

心を動かすものは、ときに意外なつながりや新しい経験から生まれます。Ptakovaが自身の音楽の歩みとCarbon Silesia Festivalに向けた準備について語ります。現在の楽曲の新たなアレンジに加え、次のアルバムに収録予定の未発表曲も披露する予定です。 Carbon Silesia Festivalに出演する機会はいつになりますか？ フェスティバルの参加者としては今回が2度目ですが、アーティストとして出演するのは初めてです。 その初出演について、どんな気持ちですか？ 何より、わくわくしています。もちろん、いつだって少しは緊張しますが、それもアーティストとして活動するうえでの一部です。Carbon Silesia Festivalでのコンサートについて聞いたときは、とてもうれしかったです。素晴らしいチームが主催していますし、音楽的にもまさに私の方向性に合っています。 フェスティバルの会場は、ザブジェにあるクイーン・ルイザ立坑の敷地という特別な場所で、シレジアらしさにあふれています。個性の異なる3つのステージには本当に魅力的なラインナップがそろい、会場内の博物館を訪れることもできます。それに、何より人々です！シレジアには素晴らしい人たちがいます。 どんなパフォーマンスを期待できますか？ 昨年リリースしたセカンドアルバム『a cheerful girl with an often sad heart』の曲は間違いなく演奏しますし、新しいアレンジも披露します。それから、次のサードアルバムに収録予定の曲も演奏します。 その新曲のタイトルを教えてもらえますか？ まだです（笑）。今は曲のミキシングやブラッシュアップ、制作を進めているところです。セカンドアルバムのときと同じく、主に自宅のスタジオで作っていますが、今回は新鮮で、私にとっては新しいことに、何曲かはフィールドレコーディングもしています。 コンサートでは、シンセサイザー、コントラバス、ベースギターを演奏するPaweł Królikowskiと一緒にステージに立ちます。私はキーボード、フロアタム、シンセサイザーを演奏し、ボーカルも担当します。何度もリハーサルを重ねてきて、息もぴったりです。隣に素晴らしい人がいてくれることをうれしく思います。スタジオやリハーサル室で過ごした時間は無駄ではなかったと、私たち二人とも感じていると思います。 それも当然ですね。仕事に費やした時間は、必ず成果につながります！ そのとおりです。ステージでうまく溶け合えていると感じます。 2020年にファーストアルバムをリリースして以来、たくさんのことを学び、自分らしさを見つけられたと思います。たくさん働き、いろいろなことを変えてきました。自分でプロデュースを始め、直感に耳を傾け、これまでと違う音楽の領域を探るようになりました。それは本当に新鮮なことで、今もそう感じています。その道のりでは、もちろん人生につきもののさまざまな意見や提案、困難にも直面しました。でも今は、聴き手から、作品に共感し、追いかけていて、次を待っているという、とても良い反応をもらっています。ライブにも来てくれて、音楽や感情についてたくさん話します。とても励みになり、支えられています。 他人の意見とうまく付き合うのは簡単ではありません。でも、自分の居場所を持つには、まず人生の中でたくさん努力する必要があります。 まさにそれが市場というものです。意見は人それぞれ異なり、だからこそ多種多様な音楽スタイルがあり、そのどれもが独自のものなのです。 そのとおりです。音の数には限りがありますが、組み合わせ方や解釈によって、ほとんど無限の可能性が生まれます。意見を交わし、それによってコンフォートゾーンの外に出ることは、適度な距離感を学ばせ、新たな地平を開いてくれます。アーティストとして、他の人の視点や意見を創作の過程に取り入れるのは良いことですが、同時に、それに押しつぶされないことも大切です。これはバランスを取る技術で、とても役に立ちます。 音楽に限らず人生全般において、他人の意見を受け入れる姿勢が育まれているようですね。ただし、その意見を自分自身の感じ方より優先しないことが大切です。 このプロセスは、人生における大切な教訓の一つです。 もちろんです。他人の意見とうまく付き合うのは簡単ではありません。でも、自分の居場所を持つには、まず人生の中でたくさん努力する必要があります。人はそれぞれ過去にさまざまな経験をしていて、自分でも気づいていないことがよくあります。幼いころの経験が信念を形作り、その結果、こうした対立への抵抗感にもつながります。そうしたことに向き合い、気づくのは大切です。自分自身と向き合うことは良いことです！ とりわけ周囲の影響を受けやすい繊細なアーティストが、深みのある、人の心を動かす作品を生み出すことについて、どう思いますか？ 誰もが何かを経験していると思いますが、アーティストには、そうした感情に意識を向け、作品に注ぎ込む力があります。だからこそ、気づき、称賛する価値があるのです。実は誰の中にも、アーティストの一面があります。それを引き出せるかどうかが鍵です。壁の染みや光の筋のような、一見ささいなことに目を向けるのが、作品を生み出す土台になることがあります。人生の危機も同じです。創造性を磨き、自分の中にそれを探すことは大切だと思います。 オリジナリティのある良いサウンドを生み出すのに、必ずしも多くのものは必要ありません。こうしたアプローチと、自分の創造性を主な道具として使うことを、私はとても大切にしています。 あなたのアルバムは、そうした強烈な経験に影響を受けていますか？ もちろんです。特にセカンドアルバムは、私にとって大変な時期に制作しました。サードアルバムは、私の歩みの続きのようなもので、たくさんのことを理解すると同時に、自分自身や自分の行動に対する自信も大きく深まりました。今はまだ、このアルバムのためのアイデアやインスピレーションを集めている段階です。創作のプロセスは続いています。 最近、友人から素敵な贈り物をもらいました。スタイロフォンです。とてもシンプルでありながら、非常に多用途な楽器で、コンピューターやシンセサイザーにつなぐと、とても個性的な音を作り出せます。独創的でユニークなものを作るのに、本当に大したものは必要ないこともあります。こうした考え方や、創造性を主な道具として使うことをとても大切にしています。 現在、スタジオではどんな機材を使っていますか？ 現在、小さな自宅スタジオにあるのは、Prophet REV2、Roland FP10デジタルピアノ、Akai MPK MINI Plus、スタイロフォン、UA Apollo Twin X、おなじみのShure SM7Bマイク、Zoomのレコーダー、中古のキーボード、屋根裏で見つけたエレキギター、コイン皿で自作したスネアドラムなど、いろいろです。 良い結果を得るために高価な機材がいつも必要というわけではありませんが、適切なミキシングとマスタリングはやはり欠かせません。 もちろん、録音時には良い音質を確保するのが望ましいです。ただ、不完全さにも大きな魅力がありますし、完璧であることが最も重要とは限りません。 だから、良い録音機材と最高のケーブルを山ほどそろえたら、あとは音の出るものなら何でも使って、ようやくまともな曲が作れるというわけです（笑）。 そして、ここからはアーティストにとって永遠の課題、情熱のために何かを犠牲にすることの話になります。 お話を聞かせていただき、ありがとうございました。6月15日のフェスティバルでお会いしましょう！ SNS： Instagram Facebook SoundCloud

Karol Krupiakは、かつて女性ストライキの非公式アンセムと呼ばれた楽曲「Osiem gwiazd (wojna)」で、より幅広いオーディエンスに知られるようになった。好評を博したデビューアルバム「2:20」に続き、2作目となる公式リリース「Meta」の登場だ。本人にこのことをはじめ、さまざまな話を聞いた。ぜひ読んでほしい。 そもそも、音楽を始めたきっかけは何ですか？ 僕の場合、始まりはどちらかというと文章を書くことでした。8歳の頃にはもう初めての物語を書いていて、やがて音楽にも興味を持つようになりました。正直、音楽に対して何の期待もしていませんでした。ただ自分のためにやっていたんです。時間がたつにつれ、いろいろなことがまとまり始め、最初の曲に聴き手がついても、僕の姿勢は変わりませんでした。音楽に携わっているのは本当に偶然で、ずっと文章を書くことのほうに関心がありました。でも今では、この二つを並行してやっていて、一方がもう一方から生まれています。 もっと長い形式の作品を書いて、本として出版したいと思ったことはありますか？ 考えたことはあります。自分にはその才能があると思うので（たぶん）。でも今のところ、ひらめきがありませんし、そういうことを無理にやるのも好きではないし、そもそもできません。今はビートに合わせて歌詞を書くので十分ですし、それに満足しています。ただ、絶対にないとは言いません。僕はとても気が変わりやすい人間なので、本を書く時が来るかもしれません。でも、まだ憶測にすぎません。 なるほど。では、人生のどの時点で、言葉にミューズが加わったのでしょう？ 15歳くらいだったと思います。プロの音楽スタジオで曲のカバーを録音したいと思ったのを覚えています。地元のティヒにあるスタジオで、そこで今はワルシャワでスタジオを運営しているWojtek Stekleに出会いました。彼は実際に、僕のアルバム「2:20」全体のミックスも担当しました。そこでLukas Grahamの「7 Years」をカバーして、いい感じだと思ったんですが、今度は自分の曲を録りたくなりました。それでネットでビートを探して、そこに歌詞を書きました。自分の作品がもっといいレベルに達するまでには、数年かかりました。今も成長し、上達しているところですし、新しい曲がその何よりの証拠だと思います。 https://www.youtube.com/watch?v=7uTps7vcI-8&ab_channel=OU7SIDE もっと難易度の高い曲を歌えるだけの歌唱力はありますか？ 曲によりますね。歌がすごくうまいわけではありませんが、うまく歌える曲もあると思います。たとえばAdeleの曲は難しすぎるので、絶対に歌えないでしょう。ほら、僕は独学ですから。ギターも一度覚えましたが、楽器全般は得意ではありません。声と言葉を使うほうが、間違いなくしっくりきます。 最初からヒップホップをやりたかったんですか？ どんなジャンルに対しても、これまで心を閉ざしたことはありませんし、今もそうです。自分が好きな音楽を作っているので、それがロック寄りでも、ポップでも、ヒップホップでも関係ありません。ジャンルを組み合わせるのが好きです。 ご自身でもポーランドのヒップホップを聴きますか？ もちろんです。ポーランドのシーンには、聴くのが本当に好きな逸品があります。最大手のメインストリームのファンというわけではないかもしれませんし、実際、長年聴いているアーティストもあまり変わっていません。Kartkyはいい曲を出すので聴いていますが、Queboがもう作品をリリースしたがらないのは本当に残念です。彼のアルバムはとても気に入っていて、特に「Egzotyka」と「Romantic Psycho」が好きでした。比較的新しいラッパーでは、ChivasとOpałがきっといい作品を出すでしょう。たまにいい作品を出すラッパーはたくさんいますが、僕も定期的にチェックしているわけではありません。実際、魂に響く曲を作る人たちをいちばんよく聴いています。海外のシーンについては、Eminemで止まっていますが、それで満足しています。まあ、Lil PeepやXXXTentacion、Juice WRLDは今でも聴くことがあります。これが僕の好みです。認めます。でも、普段はほかのジャンルも聴きます。 長い間、Rysiek RiedelがDżemのメンバーとして住んでいた団地の隣の団地に住んでいました。僕はこのバンドの大ファンですし、Budka SufleraやLady Pankのような昔のポーランド音楽全般も好きです。 Kartkyのレーベルに所属する前から、彼の音楽を聴いていたのか気になります。 はい、ファンでもありました。「Osiem Gwiazdy」をリリースして初めてインタビューを受けたとき、Kartkyをよく聴いていると話したのを覚えています。彼がそれを聞いて連絡してきたのかはわかりませんが、そうだったのかもしれません。 「僕は極端に走る人間です」 曲を聴くと、リスナーがあなたたちをよく比較していることに気づかずにはいられません。 ええ、そのとおりです。以前はすごくイライラしていましたが、今は気にしないようにしています。自分のやり方でやっていますし、誰かの真似をしようとしたことは一度もありません。声の音色やイントネーションの違いに気づかない人には、新しいヘッドホンを買うことをおすすめします。 ところで、「2:20」はOu7sideからリリースされた作品ですが、実は2枚目のアルバムだと読みました。では、1枚目は何だったのでしょう？ 完全に違法でした。実物を持っているのは、友人のほんの数人と、最初からずっと僕の話を聴いてくれている部外者がおそらく2人だけです。少し急いで出してしまい、やや無理があったので、あまり満足していません。各号に良い断片はあるものの、アルバムがごく少部数でリリースされたのは幸いです。僕が持っているのは全部で2枚だけです。このアルバムは自慢できるようなものでもありません。今ならもっとずっとうまく作れると分かっているからです。「2:20」についても同じように感じています。もっと面白くできた部分があったと思うので。ビートでも、歌詞でも。でも、今でも気に入っています。同じように、Wojtek Stekleが作ったサウンドも、今でも僕の中でひとつにつながっています。 一方で、そうした欠点からあなたの成長が見えるとも言えます。 そうですね。だからリリースしてよかったと思っていますが、今は聴いても完全には満足できません。リリースした当時は自分をとても誇りに思っていましたし、100％の力を出し切ったと分かっています。こうも考えます。もし今この曲たちを作っていたら、当時ほど強いものにはならなかったかもしれません。見かけとは反対に、良くすることが悪くする場合もあります。やりすぎると、その曲の魂を奪ってしまうこともあるんです。 現在、新作アルバム「META」からシングルをリリースしているところですね。どんな作品なのか、もう少し聞かせてもらえますか？ 「META」は「2:20」とは少し違うアルバムになります。歌は減って、ラップが増えています。間違いなく、聴き取るのがずっと難しい作品です。歌詞を深く理解する必要がある新作ですが、かなり難しいテーマなので、届く人はずっと少ないかもしれません。より正直な作品です。ただ、この言葉はポーランドのラップで使われすぎていると思うので、あまり使いたくありません。これまでも歌詞ではずっと正直でしたが、このアルバムではただ、すべてを率直に言っています。 曲を作るとき、あるいはアルバム全体を作るとき、無気力や悲しみのような感情を覚えますか？それだけ自分の大きな部分を曲に残しているわけですよね。 僕は一般的に、悲しい人間だと思われています。そういう曲を作るだけでなく、毎日そういう人間なんです。プライベートで僕を知っている人なら、僕にも悪魔がいると知っています。何かを書いているとき、それから解放されているように感じることがあります。だから僕にとっては、多くのアーティストとは逆に作用しているんです。一般的に、そうした違いは普通の人ほど僕には目立ちません。少なくとも、僕はそう思っています。 あなたは、よりメランコリックな人だと言えるでしょうか？そういう面と関係しているのでしょうか？ 僕は極端に走る人間です。まったく気にしないか、かなり短気かのどちらかです。一度始まると、もう止まりません。基本的に、何も気にせず落ち着いているか、何も気にせず腹を立てているか、そのどちらかです。これ以上うまく説明できません。僕はただ、かなり扱いにくい人間なんです。 https://www.youtube.com/watch?v=ZHdS6WZomus&ab_channel=OU7SIDE とはいえ、あなたのこれまでの発言や曲の歌詞を踏まえると、とても意識的な人でもあると言えます。難しいテーマをたくさん取り上げ、自分の意見を表明することを恐れていません。 間違いありません。僕はよく考えますし、どんなテーマについても話し合うのが好きです。特に社会的、哲学的、心理学的なテーマにはしっくりきます。一般的に、ラッパーと呼ばれるのはあまり好きではありません。この言葉の受け取られ方は大きく変わってしまい、今ではかつてと同じ意味では扱われていません。どんな音楽を作っているのか聞かれたら、たいていラップと呼ばれている、と答えます。かつてラップは反抗のジャンルとして定義され、もっとアウトサイダーなものでした。そのほうが僕にはずっと合っていましたし、ラップが完全にメインストリームになった今よりもしっくりきます。今ではラップはどこにでもあります。ラジオにもテレビにも。ラッパーは広告に出て、いつも祭り上げられています。でも僕は、昔の流れや、20年前にヒップホップを取り巻いていた雰囲気を支持しています。 その意識は家庭で培われたものですか？ ある程度は確かにそうです。いわば教養のある人たちの家庭で育ちましたから。物心ついた頃から、いつもあらゆることに興味がありました。何かに興味を持つと、すぐに調べずにはいられない人間でした。記憶力がいいこともあって、知識をすぐ身につけ、それを最大限に活用しようとします。 心理学か法律を学ぼうとしていたという情報も見つけました。その計画は実現できましたか？ 最終的には政治学を学びに行きましたが、学びについてはまだこれで終わりではないと思っています。知識を吸収するのが好きなので、興味を持ったことには全力で取り組めます。勉強そのものについて言えば、最大の問題はいつも、興味の持てないテーマです。自分にはまったく無意味で不必要に思えることを学ぶために、毎回自分と戦っています。 では最後に、いつもの質問です。今のあなたの最大の夢は何ですか？ 正直、夢はありません。夢には失望させられることもあります。僕は現実主義者で、地に足をつけて生きています。 IG： @karolkrupiak FB： krupiak.official

初期に触れた音楽は、人間として、アーティストとして、そして一般に、特定のジャンルのライフスタイルを送る一員としての私たちに、どれほど強い影響を与えるのでしょうか？ベルリンを拠点とするDJ、プロデューサー、レーベルISARNのオーナーであり、オープンマインドな音楽愛好家でもあるParallxに聞いてみましょう。Theia Crushに招かれたJonasは、4月6日にワルシャワのクラブOczkiでプレイします。次のギグを目前に控えた彼に、育った音楽的背景と、未来を強く意識した姿勢について話を聞きました。それはサウンド面だけでなく、ISARNの新進アーティストたちと共有するメンタリングの考え方にも表れています。 Agata Omelańska：こんにちは、Jonas。来てくれてうれしいです！私と同じく90年代生まれということですし、この10年間は音楽史における大きな節目でもあります。まずは少し振り返るところから始めましょうか。   電子音楽にまつわる最初の記憶について教えてください。それはどんな出来事で、当時何歳でしたか？また、子どもの頃とアーティストになってからの両方において、その記憶はあなたの人生でどんな役割を果たしましたか？ Parallax：電子音楽に関する最も古い記憶は、8歳か9歳くらいの子どもの頃にさかのぼります。当時、ラジオが内蔵されたカセットプレーヤーを持っていて、レゴで遊ぶときにはいつもそれに夢中になっていました。いろいろなラジオ局にチューニングを合わせ、お気に入りの曲をカセットに録音して後から聴くのが、本当に楽しかったです。 何年もたってから、父の地下室を探検していたとき、まさにその古いカセットプレーヤーを見つけました。それをベルリンのアパートに持ち帰り、90年代後半のアシッド・テクノの録音が詰まったテープを掘り当てました。最初は不意を突かれたような発見でした。でも、DJとして歩んできた道のりや、オールドスクール・テクノへの深い愛着を振り返るうちに、すべてが腑に落ち始めました。 電子音楽との歩みでもうひとつ大切な瞬間となったのは、2008年にCrystal Castlesを知ったことです。彼らの革新的で荒々しいサウンドは、僕自身の音楽活動の方向性に大きな影響を与えました。 90年代のヒップホップ、ブリットポップ、グランジ、ニューメタル、インダストリアル、R&Bやネオソウル、そして電子音楽のあらゆるサウンド。子どもやティーンエイジャーだった頃は、何を聴いていましたか？テクノ／レイヴのシーンに足を踏み入れる前、最も心に近かった音楽は何でしたか？   子どもの頃、僕の音楽世界の中心にあったのは、主に60年代のロックの名曲と、父が聴いていたヒッピー系の音楽でした。The Rolling StonesからJimi Hendrix、Eric Burdon & The Animals、Jefferson Airplaneまで。幼い頃の思い出の品として大切にしているのが、Rolling Stonesのカセットです。6歳の誕生日に父からもらったもので、僕の音楽的な歩みに大きな影響を与えました。 ティーンエイジャーになってもロックへの情熱は続きました。スケートボードが好きだったことも、その一因です。Emericaの『This is Skateboarding』（2003年）のようなスケートビデオを通じて、新しい音楽に出会いました。今でもあの曲を聴くと、ティーンエイジャーだった頃の黄金の日々と、ただスケートボードの世界を楽しんでいた時間に引き戻されます。あの頃が恋しいです！ ティーンエイジャーの後半になると、音楽の好みはパンクロックへと移り、The Misfits、The Dickies、Johnny Thunders、The Stoogesのようなバンドの生々しいエネルギーに安らぎを見いだしていました。パンクのライブに時々行っていましたが、内向的な性格のせいで、心から楽しめないこともよくありました。ティーンエイジャーの頃、電子音楽は周辺的な存在にとどまっていました。当時の音楽の探求の多くを特徴づけていたスケートボードとの強いつながりがなかったからです。 この融合は、EBMに惹かれる理由も説明してくれます。テクノの領域にロックの生々しいエネルギーを宿しているからです。でも最近は、より幅広いジャンルを探求していて、ロックの影響がそれほどすぐにはわからない、もっと多彩な音楽の引き出しを持つようになりました。こういう「邪悪な」音楽には少し飽きてしまったんです。今は音楽にもう少し幸せな気分が欲しいですね。 そうした初期のインスピレーションは、その後あなたにどのような影響を与えましたか？音楽の好みをどう形作り、音楽制作へと導いたのでしょう？そして、どのようにしてParallxというプロジェクトにつながったのですか？   プロデューサーとしての歩みに、この音楽が与えた影響は僕のスタイルにはっきり表れています。僕の作品はざらつきがあり、強く歪ませたものになりがちです。特に初期の作品、たとえばR Label Groupからリリースしたものにはその特徴がよく表れています。たとえば、Radical Gのために手がけたリミックス（R Label Group、2021年）や、2020年にChris Tnebrisと制作した共作曲「Ehre」では、テクノと自分のロックのルーツが見事に融合しています。 https://www.youtube.com/watch?feature=shared&v=tbNVS-1ASEE 実は、90年代についてたくさん質問したのには理由があります。この10年間は「最後に創造的だった時代」とよく言われ、今の人々は過去のトレンドに夢中で、主に模倣しているように見えます。あなたから見て、電子音楽の分野ではどんな状況ですか？シーンも90年代に同じくらい熱狂していて、それは世界全体にも当てはまるのでしょうか？   90年代がその評価を得た理由はよくわかります。まったく新しいジャンルが生まれた最後の10年間だった可能性が高く、それ以降の音楽的な革新は、より段階的なものになっています。しかし、現代のテクノロジーを活用すれば、そうしたジャンルを魅力的な新しい方法で再解釈できます。それがとても興味深いんです。 個人的には、少し遅く生まれすぎた気がします。90年代か2000年代初頭にプロデューサーになって、さまざまなシンセサイザーを試しながら新しいサブジャンルを探求できたら、とよく思います。残念ながら、今日の音楽シーンでは、ああした自然発生的な発見は以前ほど実現しにくいようです。 さて、過去のトレンドの話はここまでにして、今のあなたに焦点を当てましょう。簡単に紹介すると、ベルリンを拠点に活動するDJ、プロデューサーで、ISARNレーベルのオーナー、RSOとSYNOIDのレジデントでもありますね。こうした活動のうち、最も多く時間を割いているのはどれですか？また、音楽に関して、今はどんなことに取り組んでいますか？  レーベルの運営にはかなりの時間を費やしています。これまでは、アーティストの選定や事務処理から、アートワークやSNSコンテンツの制作、注文への対応まで、すべて一人でこなしてきました。こうした作業に必要なスキルはありますが、ときには圧倒されることもあります。幸い、今は所属アーティストの一人が連絡対応やデモの整理を手伝ってくれていて、まもなく外部のレーベル運営サポートも入る予定です。ただ、資金面の制約があり、これまでは人を雇えませんでした。 今はリミックスや、さまざまなコンピレーション向けの楽曲制作に追われています。また、次のソロEPも完成間近で、2023年のライブセットの音源を収録した5、6曲入りのEPも制作中です。さらに、ジャンルの異なる別名義が4つあります。趣味としてのものが2つ、より本格的に取り組んでいるものが2つです。...

努力家で、DIYシンセやモジュラーシステム、レコードに情熱を注ぐDEAS。その人柄はまさに本人そのものだ。クラクフを拠点とするプロデューサーである彼は、ポーランドを代表するエレクトロニック・ミュージックの才能の一人で、CLR、Dynamic Reflection、A R T S、Planet Rhythm、Materiaといったレーベルから作品をリリースしてきた。2024年、彼は『Form & Flux』と題した新作EPを携えて戻ってきた。ライフスタイルとなった情熱や、ミュージシャンが直面する課題、自分自身を認めることについて、Undertonに思いや考えを語ってくれた。 インタビュー全文をチェックして、Karolの新作を聴き、クラブやフェスティバルで彼のヴァイブを感じてみよう！ Agata Omelańska：こんにちは、Karol。お会いできてうれしいです！今、あなたの生活にはいろいろなことが起きていて、質問リストも終わりが見えないほどですが、まずは軽い話から始めましょう。お元気ですか？2024年はここまでどんな感じですか？何をして過ごしていて、これから経験する予定のことで、最もワクワクする出来事やイベント、コラボレーションは何ですか？ DEAS：やあ！招いてくれてありがとう。2024年はまずまずのスタートだよ。スタジオでいろいろなプロジェクトに取り組みながら、ギグもこなしているので、順調と言えるね。いつもどおり良いことも悪いこともあるけれど、不満はないよ。最近、友人のAli、別名Dubfireのためにリミックスを制作したんだ。もうすぐリリースされるよ。それから、新しいEPを2作仕上げたところで、どちらもデジタルとレコードでリリースされる。そう、いろいろなことが起きているよ！:) 新しいEPがリリースされたばかりなので、答えの一つはもう分かっている気がします。『Form & Flux』の背景にあるストーリーを教えてもらえますか？制作にはどれくらいかかりましたか？主なインスピレーションの源は何でしたか？ そう、『Form & Flux』はリリースされたばかりで、このEPには5～6週間ほど取り組んだよ。最も苦労したのは「Flux」だった。アレンジもビートも、文字どおりすべて揃っていたのに、しっくりこなかったんだ。メインのテーマは、あえて言えば「特に目新しくないもの」だった。何か違うものを探して2日間過ごして、最終的にモジュラーシステムを使って録音した。今でもとてもシンプルな作品だとは思うけれど、今は人の心にさまざまなレベルで触れる力がある。インスピレーションについては、いたってシンプルだよ。いつも機械とのやり取りを楽しみながら、自分と楽器の間に絆をつくろうとしている。その副産物として、テイクを一つずつ録音し、編集して、最終的な形のトラックに仕上げるんだ。 このリリースにあたって、自分に何か具体的な目標を設定しましたか？あなたの人生やキャリアのどんな時期を表していて、リスナーに何を伝えたかったのでしょう？ このEPはかなり荒々しいと言わなければならないね。グルーヴがあって、セクシーで、速すぎない。僕が捉えるテクノを表現していて、自分自身のスタイルも反映している。この作品では、また少し違ったものを見せることを目指した。BAUMUZIKからのリリースをすべて見てもらえば、一貫したビジョンがある一方で、毎回そこに少し新しい顔が加わっているのが分かると思う。 自分の作品に対する好意的な反応が、「これだ！」という確信を与えてくれる。自分自身に執着したり、栄光を求めたりはしない。僕にとって、この「仕事」はライフスタイルなんだ。 少し大胆な質問かもしれませんが（まあ、思い切って聞いてみます）：自分の作品に満足し、気に入っていますか？全般的に、自分のリリースをどう捉えていますか？ミュージシャンとしての功績を誇りに思いますか？ 完全に満足することはないよ。正直、何かを完成させると、それを聴けなくなるんだ。ライブで試したとき、リスナーの反応によって、リリースする価値のあるものを作れたという自信が得られる！自分の作品に対する好意的な反応が、「これだ！」という確信を与えてくれる。自分自身に執着したり、栄光を求めたりはしない。僕にとって、この「仕事」はライフスタイルなんだ。それが僕という人間を形作っている。自分を誇りに思う瞬間を求めているわけじゃない。自分の人生に何らかの形で寄与してくれる、面白いものを見つける瞬間を探しているんだ。 制作の話をすると、あなたはアナログな制作手法と、仕事への姿勢でよく知られています。あなたにとって、「音楽を作る」ことはいつ、どこから始まるのでしょう？制作全体を動かすきっかけとなる要素は何ですか？ たいていはビートから始めるよ。ドラムマシンを手に取り、トラックの土台となるパーカッションの動きを作ろうとするんだ。 https://youtu.be/q75cxDxjRrs 伝統的な制作方法を好み、レコードにこだわり、リリースの細部まで丁寧に扱っていますね。では、現代の制作ツールについてはどうですか？インターネットには便利なテクニックやサンプリングできるサウンドパッケージがたくさんありますが、どう思いますか？ 誰かに人生のアドバイスをするような立場じゃないよ。僕のやり方は僕自身のもの。自分が歩んできた人生の道を進んでいるだけだ。賛成してもしなくてもいい。インターネットにはサンプルも便利なテクニックもチュートリアルもたくさんあるし、僕も活用しているよ！何時間も見て、新しいことを学ぶのが大好きなんだ。主に、自分が持っている機材についてもっと知ることに力を入れている。何もかもについてすべてを知る必要はないからね。 サンプルに関して言えば、どのレコードでも最も重要なのは音の出どころです。市販されているものの多くは加工されています。顧客の心をつかみ、魅力的でなければなりません。単体では素晴らしく聴こえても、単独で使うのが難しく、レコードに自然になじまないものも少なくありません。 トレンドについてはどうでしょう？ 現代のエレクトロニック・ミュージックのサウンドに、心を動かされたり、刺激を受けたり、ただ興味をかき立てられたりするものはありますか？ もちろんです！ トレンドを否定することはありません。いつも追いかけるわけではないかもしれませんが、そこから何か面白いものを見つけて、自分なりのビジョンを生み出すようにしています。他人のものを「コピー＆ペースト」することには興味がありません。トレンドに従うのではなく、作り出すアーティストには大きな敬意を抱いています。だからこそ、誰かの真似をしないよう努めているのかもしれません。周りの世界に心を開きながら、自分ならではの方法で自分を表現したいんです。 トレンドは移り変わっていきますが、あなたの意見では、永遠に記憶されるサウンド／ジャンル／アルバム、あるいはアーティストは何でしょう？ 独自のトレンドを作り出すアーティストは、永遠に記憶されると思います。これはエレクトロニックだけでなく、あらゆるジャンルの音楽に当てはまります。Richie Hawtin、Chris Liebing、Robert Hood、Portishead、Depeche Mode、Jeff Mills、Aphex Twin、Massive Attack、Luke Slaterといったアーティストやバンドは、私の主観では、永遠に記憶されるでしょう。 さて、未来や永遠といった話題へ大きく踏み込みましたが……少し過去に戻りましょう。あなたは自分のルールに従ってキャリアを築き、プロデュースやDJ、クラブやフェスティバルでのプレイを続けてきました。Chris Liebingとの出会いは、あなたの人生をどう変えましたか？ また、音楽や制作、そして人生全般について、彼から何を学びましたか？ 私はいつもChrisに大きな敬意を抱いてきました。テクノ・ミュージックへの彼の貢献は計り知れません。彼のような現役のレジェンドと仕事をすることは、私にとってさまざまな面で特別な意味があります。ある会話の中で彼に「Karol、決して自分を変えるな。今までやってきたことを続けて、辛抱強くいるんだ」と言われ、その言葉を心に刻みました。私はずっと忍耐力に大きな問題を抱えてきましたが、今も努力しているところです。 https://www.youtube.com/playlist?list=PL1ntfXx-b2MxHvP1svjDqtGGGIxlt8JBA LiebingのCLRやA R T Sのようなレーベルからリリースすることを、最高の夢だと考える人もいます。一度実現すれば、成功への扉が永遠に開かれるかのように。もちろん、現実とはほとんど関係のない話ですが、大手レーベルと契約するとはどのようなことなのでしょう？ まず、永遠に開いたままの扉などありません。CLRについては、面白い話があります。パンデミック中、ChrisがClubhouseで会話をしていたんです。レーベルを再始動させたいと以前聞いていたので、ルームに参加してそのことを尋ねました。すると彼はすぐに、私のデモを待っていると言ったんです。そこでデモを送りました:) そうして話が進みました。A...

カイェタン・ヴォラスは、無関心ではいられない若い世代のアーティストのひとりだ。彼の歌詞は最も手ごわい人の心さえ揺さぶり、歌声からは常に新しい表現を求めている様子がうかがえる。プロデューサーのマギエラと共同制作したEP『SAD』のリリースに際して行った対談の書き起こしをお届けする。 歌詞では、自分を受け入れることに関するテーマを扱っています。自分らしさは、あなたの作品にとって大切な要素ですか？ 全般的に、僕は自然なものがいちばん好きです。たとえば最近、スポーツのトレーニングを始めることにしたんですが、ここでも、サプリで自分を補うより、もっときつく運動するほうがいいという考え方をしています。そういう自然体でいることは、精神面でも大きな助けになります。先祖のことを考えると、彼らにも間違いなく悩みはあったはずです。たとえば、1日に100キロ歩いて、体中が痛くても、それでも生きていた。僕が今年、パニック発作を再発したときも、昔の人はもっと厳しい生活環境にあったのに、それでも乗り越えていたんだと考えるようにしていました。地に足をつけさせてくれるスイッチを、頭の中に見つける必要があったんです。実際は何も問題ないのに、やるべきことがどれだけあるかと自分で自分を追い込んでいるだけだと気づきました。 人間は全般的に、働きすぎだと大げさに考えがちだと思います。 確かにそうですね。夏にレストランの厨房で働いていたとき、忙しさが増すと、自分には何も対処できない、完全に疲れ切っていると思い込んでしまうことがありました。でも実際は、自分の仕事をすればそれでよく、何も問題はありませんでした。そういう忙しい日は、実際にはたまにしかなかった。それなのに、多くの職場や企業では、人々が毎日ずっとあれほどのペースで働いています。そうした壁を越えて、その瞬間を経験し、ただ乗り切ればいいんです。壁をひとつ越えるたびに成長できますが、そのためには自分の能力を自覚することが必要です。自分が得意なことを探すのも、ぜひ心がけるべきですね。 そういう考え方は、たとえば自分に合わない仕事を恐れずに変える、私たちの世代の特徴でもありますね。 仕事について不満を言う友人たちにも、同じことを伝えるようにしています。嫌なら、何か行動を起こせばいい。上司に話すか、転職すればいいんです。30代、あるいは40代になっても、自分が何をしたいのかわからないのは、何もおかしなことではありません。選択肢はたくさんあるので、周りを見てみる価値があります。仕事を辞めて、まったく別の業界で新しい仕事を見つけたり、海外に移住したり、数年後に戻ってきたりしても、誰もそれを見下したりしません。 何もしないより、挑戦して後悔するほうがいいと言いますよね。 まさにそうです。残念ながら、こうした考えが多くの人の意識に浸透したのは、つい最近のことです。親世代はよく、あれもこれもできたはずだと、後になって言います。それに対して僕は「だったらやればいい」と言います。いつだって、ちょうどいいタイミングはあります。遅すぎることなんてありません。 https://www.youtube.com/watch?v=CiMJCtJtxns&ab_channel=KajetanWolasVEVO いろいろなテーマについて、とても深く考えているんですね。あなたの曲の歌詞がどこから来ているのか、今わかった気がします。 どうもありがとうございます。このEPの楽曲は、実は僕がポーランド語で歌詞を書いた初めての試みです。ある程度、ヴィト・バンビーノの歌詞から影響を受けていることは隠しません。それまでは英語でしか書いていませんでしたが、ようやく壁を越えられてうれしいです。バルテク・ジェジツとの共同制作からも多くのものを得ました。本当に感謝しています。彼のところへ行ったとき、難しい言葉ばかり使って、必要以上に複雑な歌詞を書こうとしていたのを覚えています。するとバルテクから、僕は若くて飾り気のない人間なんだから、歌詞もそうあるべきだと言われました。それは大きな気づきでした。それに、当初は自分が経験していなかったテーマについても書き始めました。頭の中にはあったけれど、以前にすでに乗り越えた自分の一面でした。たとえば友人たちとうまく意思疎通するのは、いつも難しかったんです。一方では私立学校で教育を受け、もう一方では普通の近所に暮らしていて、子どもたちは難しいテーマなど考えもしなかったので、 振り返ってみると、結局それがいちばんいい組み合わせだったと思います。私立学校のおかげで、僕はより感情豊かな人間になりました。そして、ごく一般的な近所に住み、毎日懸命に働く両親の姿を見てきたおかげで、何かを成し遂げるにはどれほどの努力が必要か、今ではわかっています。 環境が違えば、文化やあり方も違うのは興味深いですね。でも、どちらの環境でも感情を表に出すことが大きな問題になっているように思います。裕福な家庭では、多くのことがお金で代替されます。一方、近所の環境では、繊細であることよりもタフであることを教えられますし、親は生活を支えるために働き、子どもと過ごす時間がないこともよくあります。 そうですね。だから、私の意見では、この世界ではお金は今でもある程度大切です。結局は、どう使うか次第です。私にとって一番大切なのは、お金によって心にゆとりが生まれ、本当にやりたいことに集中できることです。今の私は、そのゆとりを確保するためにできることは何でもしたいと思っています。毎日たくさんのアイデアが浮かぶので、できる限りのことをしようという意欲にあふれています。両親が何かを得るためにどれほど懸命に働いてきたかも知っています。祖父がどれほど働いたか、今、友人たちがどれほど働いているかも。私もそういう姿勢を身につけたいと思っています。規律や、ひいては他者への敬意を学べると信じているからです。 いわゆる「仕事モード」に入ると、余計なことをあれこれ考える時間がないので、たいてい物事をより早く終えられます。 そうですね。私自身も、そのことを実感する機会がありました。夏の間働いていたときは、何もかもが本当にうまくいったんです。家に帰ると、パソコンで録音ソフトを立ち上げ、ギターを手に取るかピアノの前に座って、そのまま録音していました。あの頃、自分が本当にやりたいのは音楽だと感じていました。仕事で疲れているのに座って曲を作っていたとき、それが一番はっきりと表れていました。その点ではとても生産的でした。でも、パニック発作を起こしていた時期のように、家にいる時間が長かったときは、頭の中が一度に百ものアイデアでいっぱいになってしまい、何ひとつ書けませんでした。別のことに集中して、そのエネルギーをほかのことに使うと、音楽が自然とあふれ出してきたんです。時間が少ないほど意欲が高まるものですが、誰かに締め切りを課されたことはまだありません。たいていは自分で決めています。というのも、私は…… Bartek DziedzicやMagieraと仕事をしていた時間を最大限に活かしたかったからです。Magieraといくつかデモを作ったとき、レーベルからゴーサインをもらったのを覚えています。Magieraがビートを発展させて私に送ってくれたので、それに歌詞を書きました。彼のスタジオに行ったとき、その曲はひどい出来だと思ってしまったんです。それでホテルに戻り、しばらく考えてから、書店併設のカフェに行きました。ビートを流しながら、ただ本を読み始めたんです。一気に新しい歌詞を書き上げて、今ではその曲は「What Will Time Show?」というタイトルです。大変なこともありましたが、素晴らしい機会を与えてもらったのだから、それを最大限に活かしたいという気持ちはいつもあります。 あなたの音楽には大物の名前がいくつも関わっているので、その姿勢も意外ではありません。Bartek DziedzicやMagieraの名前が挙がりましたが、Kuba Karaś、Patrick The Pan、Majloもいましたね。 Majloとの出会いは、実は今の私の活動の土台になっています。パンデミックの間、素晴らしい歌の先生であるKasia先生のオンラインレッスンで歌を学んでいました。オンラインで開催される歌のコンテストのリンクを送ってくれたのは先生で、賞品もとても魅力的でした。オンラインで参加できたので、ポーランドのどの都市のコンテストにも申し込めたんです。最終的に、賞品がMajloとのスタジオセッションだったエルブロンクのコンテストで優勝しました。それでグダニスクに行き、一緒にとてもいい仕事ができたので、MajloからSonyの一員にならないかと誘われました。本当に親切にしてくれました。『Disappointment』という曲も一緒に作りました。私のSoundCloudで聴けます。 （中略）成功に向けた次のステップは自己認識だ。（中略） あなたよりずっと長く音楽業界で活動してきた人たちと一緒に仕事をすることが多いですが、彼らと良いものを作らなければというプレッシャーを感じますか？それとも、頼れる人たちと一緒なのだから、一人で取り組むより必ず良いものができると感じますか？ 特にプレッシャーは感じませんが、自分をできるだけ良い形で見せたいと思っています。誰と仕事をする場合でも、全力を尽くすようにしています。音楽が私の一番の軸で、最もよく分かっていることです。TikTokのようなほかのことも大切ですが、私の情熱は音楽です。経験豊かな方たちと仕事をすると、安心して任せられると感じます。この業界で大きな成果を上げてきた人たちだと分かっているからです。彼らから多くのことを学んでいます。Bartek Dziedzicとの打ち合わせでは、時間の90％を会話に費やしていました。Bartekは人生で学んだことを私に話してくれて、私は彼の生徒になったような気分でした。経験豊かな方たちと仕事をする機会を得られたことに感謝しています。彼らのような経験豊富な人たちが、時間をかけて育てる価値のある若い才能を探していたタイミングで、私はこの世界に入ることができました。これも、この国でトップの座にとどまるための鍵だと思います。それに、そうした…… 人々が自分を信じてくれると、若いアーティストとして、自分の能力をさらに信じられるようになります。もちろん、迷いを感じる瞬間もありますが、僕の音楽を聴いて「助けになっている」と言ってくれる人たちの反応を見ると、続けていく大きなモチベーションになります。努力を惜しまなければ、将来は大物アーティストとだけ仕事をするようになると信じています。たとえばMagieraのような人は、何十枚ものアルバムを出し、ゴールドやプラチナの賞を数多く獲得して、すでに自分のブランドを確立しています。だから今では、誰と何をしようと自由で、その権威に異を唱える人はいません。今の僕の立場では、「より大きな利益」のために妥協しなければならないことがよくあります。 あなたの音楽を聴き、今こうして話していて、本当に繊細な人だと感じます。残念ながら、世の中はそういう人たちにとって少し生きづらい仕組みになっています。傷つきやすいからです。 そういうところはあると思います。でも、子どもの頃に十分鍛えられたので、どんな憎しみにも怖気づかなくなったと思います。学校の同級生たちは手加減してくれず、僕を笑ったりからかったりしました。幸い家ではいつも何事もなかったのですが、家を出るたび、あるいはスポーツキャンプに行くたび、友達から嘲笑されました。学生時代を通じてずっとそうでした。時がたつにつれ、傷つかなくなり、今では独創的な批判をしてくれる人がいると、むしろありがたいとさえ思います。気持ちを楽にするために他人に八つ当たりしなければならない人たちのことは、ただ気の毒に思います。 あなたの作品が誰かにそれほど強い感情を呼び起こし、オンラインで表明せずにはいられないと思わせるのは、かなりの成功だと思います。いちばん最悪なのは、ただ凡庸であることですよね。 そうですね。物議を醸すことは、いつだってなかなかいい反応を得られます。少し前、午後1時に地下鉄で歌う動画をTikTokに投稿したのを覚えています。そのとき、仕事帰りで疲れているのに、地下鉄で男が叫んでいた、というコメントがたくさん来ました。正午だったので、彼らの言い分は完全には正しくありませんでしたが、誰にも返信しませんでした。大事なのは、みんながコメントを書いてくれたことでした。 過去や憎しみについて話していても、あまり動揺しているようには見えませんね。そうした問題には、かなりうまく折り合いをつけてきたのでしょう。 そう思います。実際、EP『SAD』は、子どもの頃の感情的な部分との決着です。家に帰って枕に顔をうずめて泣いていたあの少年を描いています。キャンプに行けば、周りの子たちに笑われていました。家族以外に頼れる人はほとんどおらず、みんなに背を向けられ、放課後に遊びに誘ってくれる人もいませんでした。同年代の仲間に認められようと必死だったので、一種のFOMOを感じていました。このEPは、その頃の僕、幼い頃のカイテクについての作品です。いろいろなことに気づいたら、いつか必ずこのテーマに戻ってくるでしょう。収録曲の「Będzie lepiej, będzie gorzej」では、少し成長した僕が、世界がどれほどめちゃくちゃかに気づきます。人は互いに嘘をつき、友達と出かけると握手を交わし、そのあと陰であなたの噂をする。そういうのを見て、こんなふうには生きたくないと思うんです。「To miejsce」では、現実感消失や離人症のような概念を受け入れていきます。そして「SAD」では、友達との関係を大切にしながらも、一個人として自立し始めます。 これからも僕と友達でいたいなら、あなたが僕に示してくれるのと同じ敬意をもって接します。でも、何かが気に入らないなら、僕たちは別々の道を進むしかありません。陰で噂をする友達をたくさん持つより、はっきりさせることをいつも選びます。このEPを通じて、すでに乗り越えた段階に別れを告げているだけです。今は、そこに戻る必要はありません。 https://www.youtube.com/watch?v=2kOxR2_U9Go&ab_channel=KajetanWolasVEVO ではここで、「To miejsce」に触れましょう。この曲では、恐怖が主なテーマだというヴァースを歌っていますね。つまり、一方では自分のやりたいことに自信があるけれど、もう一方では明日が怖いのでしょうか？ そうです。怖かったし、今も怖いですが、今では起こりうることへの好奇心に変わってきました。以前は恐怖が自分の中にあり、昨年でさえ、うつの再発とパニック発作を経験しました。乗り越えることはできないと思っていましたが、ランニングに救われました。皮肉なことに、友達と賭けをしたから走り始めただけなんです。今は、たとえ一人になったとしても、それを全面的に受け入れるつもりです。それが唯一の道かもしれないと分かっているからです。走っていると、いろいろなことを考えられます。自分自身と向き合うことになりますが、それがいちばんつらいところです。でも、ゲームのように捉えるようになりました。今では、決して諦めないと分かっています。自分の頭の中を深く掘り下げることで規律を身につけ、この業界で経験豊富な人たちとたくさん話すことで、成功への次の一歩は自己認識であり、多くのことができるという自覚なのだと理解しました 自分の意志だけで乗り越えられる。昨年、初めて自分の問題を克服できたことで、達成感を覚え、すべてを自分ひとりで乗り越えられたことがうれしかったです。 では、最後にひとつ。今の立場にいて、すでに何か大きなことを成し遂げたと感じますか？ 正直なところ、自分が目指す場所にたどり着いたと感じたことはまだありません。この業界にいる同世代の人たちを見ると、自分にはまだどれだけ先があるのかがわかります。競争だとは思っていませんし、誰かに不幸になってほしいとも思いません。むしろ、周りにいる若いアーティストたちをみんな応援していると思います。私たちはみんな一緒に頑張っているのですから。でも、前に進む原動力となる健全な競争心はあります。他の人の成功が、私も努力を続ける励みになります。自分のことに集中して、嫉妬に時間を無駄にしたくありません。確かに、子どもの頃は周りの人たちに優しくされませんでした。でもだからこそ、今は自分が誰かに同じことをしたくないんです。ただ、もし私につらく当たろうとする人がいても、今の私には十分な強さがあるので、絶対に引き下がりません。 IG： @kajetan.wolas

Bloody Maryは世界的に知られるプロデューサー兼DJで、レーベルDame-Musicのオーナー、そしてTresor Berlinのレジデントです。 こんにちは、Mary。お会いできてうれしいです！ポーランドのCrackhouseでの前回のイベントはいかがでしたか？ こんにちは、皆さん。お会いできてうれしいです。Undertonに招待してくれてありがとうございます。CrackhouseでのTresorのショーケースは最高でした！フロアの真ん中にDJブースがあったのが気に入りました。フロアにものすごい熱気が生まれていました。クラブは満員で、大勢の人に囲まれていることで、会場には独特の雰囲気が漂っていました。ここのサウンドシステムは最高レベルのひとつで、そこでレコードを回すのは本当に楽しかったです。この夜は素晴らしい思い出になりました。次にまたここへ戻ってくるのが待ちきれません！ポーランドでプレイするのは、いつだって気分がいいです。 個人的には、ライブでもパフォーマンスしていることが、キャリアにおける最大の成果のひとつです。ステージで自分の作品だけを披露するのは、ほかのアーティストの曲をミックスするのとは違いますから。 原点に戻りますが、何歳のころに音楽制作に興味を持ち始めましたか？当時、特に影響を受けたアーティストはいましたか？ 何よりもまず、幼いころからレコードを集め始めました。レコードを回すことはずっと私の情熱で、今も変わりません。いつも、ほかの誰もかけない曲をプレイしたいと思っていましたし、秘密兵器を見つけるチャンスはデジタルよりもレコードのほうが大きいと思っています。レコード店で何時間も（何時間も……！）過ごすのも大好きです！ ある意味、私のレコードコレクションはいつもインスピレーションの源でした。Thomas P. HeckmannやJosh Winkのようなアーティスト、そして私のお気に入りの機材であるRoland TR-909やTB-303を使っていた、デトロイトやシカゴの数多くの刺激的なアーティストの時代を超えた楽曲を聴いてきました。また、私がたくさん聴いていたこともDepeche ModeやJoy Divisionのようなバンドが、幅広い音楽性を持つ今の私につながる多くのインスピレーションを与えてくれました。制作やミックスを学ぶには、何年もの歳月と膨大な時間をスタジオで過ごす必要がありました。今も練習を続けていますが、これほど長い時間を経て、自分の成長に本当に満足していますし、フロアでもそれ以外の場所でも、人々が私の音楽を楽しんでくれていることをうれしく思います。機材は一つずつ、少しずつ買いそろえていきました。自分のスタジオと空間を作ることは、いつも私にとって大切だったからです。個人的には、ライブでもパフォーマンスしていることがキャリアにおける最大の成果のひとつです。ステージに立って自分の作品だけを披露するのは、ほかのアーティストの曲をミックスするのとは違うものです。 https://www.youtube.com/watch?v=dLRRhlXlZ4k Tresor Berlinとの関係がどのように始まったのか、教えてください。 言うまでもなく、Tresorはテクノの一大機関です。若いころにレコードを買い始めたとき、Tresorレーベルのレコードをたくさん集めていました。それは、Tresorとは何か、何を象徴しているのかを知る最高の入り口でした。2011年からベルリンのクラブで定期的にプレイするようになり、数年後にはレジデントになりました。2つあるフロアのどちらかでライブセットを披露したり、レコードを回したりできるので、ミュージシャンとしての自由度も高まります。2022年からは、自分のレーベルDame-Musicと一緒にクラブのラインナップを組むようになり、来年はTresorとのさらにエキサイティングなコラボレーションを予定しています。 40年後、あるいはそれ以上先も、人々が私の音楽を聴き、それに合わせて踊ることを楽しんでくれていたらと願っています。 世界各地でプレイされていますね。特に刺激を受けるローカルシーンはありますか？音楽制作やDJに対する姿勢が好きで訪れたくなる国や、ドイツに戻るたびに、ここはほかに代えがたい環境だと思うような場所はありますか？ 音楽文化や豊かな音楽の歴史に惹かれ、とても刺激を受ける場所はたくさんあります。たとえばデトロイト、シカゴ、ニューヨークです。キャリアの初期にアメリカでツアーを始めたので、ツアーのたびにできるだけ頻繁にそこへ戻ることは、私にとってとても大切です。毎年。アメリカのレコードレーベルと契約したことで、長年にわたって現地で音楽活動をさらに発展させる機会を得ました。どの国や大陸にも、それぞれ独自の魅力と文化があり、そこから何を学べるのかを考えるのはいつも興味深いことです。毎週末、世界を旅できるのは特別な特権です。さまざまな場所で音楽への情熱を分かち合えることに、とても感謝しています。 音楽制作の知識を惜しみなく共有されていますね。あなたが考える、唯一無二のスタイルを確立し、評価されるプロデューサーになるための現在の秘訣は何でしょうか？入手困難になった古いクラシックなシンセサイザーやグルーヴボックスを使うことが有利なのでしょうか。それとも最新の楽器でしょうか？ 今の時代、真に独自のスタイルというものはもう存在しないと思います。なぜなら、私たちは皆、すでにそうしたサウンドを生み出した人たちから影響を受けてきたからです。違いが生まれるのは、楽曲をどう加工し、アレンジするかという点です。コンピューターやDAWソフトを使えば、利用できる選択肢はほぼ無限です。制作を始めたばかりの人に言いたいのは、結局のところ、スタジオや機材があなたをプロデューサーにするわけではないということです。違いを生むのはあなたの創造性とスタジオで過ごす時間であり、それはお金では買えません。そしていつも言っているように、将来、あなたが何本のライブを行ったかで記憶されることはありません。残していく遺産を決めるのは、あなたが作る音楽だけです！ 40年後、あるいはそれ以上先も、人々が私の音楽を聴き、それに合わせて踊ることを楽しんでくれていたらいいですね。 スタジオに長時間こもるとき、集中力と創造性を保つために何をしていますか？ ベルリンの冷たくてどんよりした天気のおかげかもしれませんね……。 ご自身の音楽スタイルをどのように表現しますか？ 私の性格そのままに、とてもエネルギッシュなドラムを演奏しています！ 近い将来について、具体的な予定はありますか？ 私は仕事中毒で、今も飛行機の中からこのインタビューに答えています……。Dame-Musicの今後2年間のリリース予定も、形になり始めています。世界各地で開催するレーベルショーの準備を進めています。最初のイベントは2024年1月にロサンゼルスで開催し、悪名高いIncognitoクルーと共演します。出演するのはDame-Musicのアーティスト、Josh Wink、そして私です。もちろん、今年は私の拠点であるTresorでも何度かイベントを行います。3月には、Slamが運営するイギリスの名門エレクトロ・レーベルのV/Aに参加できることを光栄に思います。私の次のソロEPも、この春にDame-Musicからカタログ番号050でリリースされます。10年以上にわたって自分のレコードレーベルを運営してきた私にとって、大きな達成です。それ以外では、数か月後に披露する新しいライブセットに現在取り組んでいます。新曲もさらに制作する予定ですが、発表は2024年になります。 https://soundcloud.com/bloody-mary 今思い浮かぶ、あるいはプレイリストの上位にある曲を5つ教えてください。 アーティストの作品に順位をつけるのは好きではないので、少し難しい質問ですね。音楽は主観的なもので、誰もが好きなように解釈できます。では順不同で、私のセットに取り入れたい曲を数多く制作しているプロデューサーを挙げます。Thomas P. Heckmann、Annē、Dasha Rush、Damon Wild、そしてFear-Eです。 お話を聞かせていただき、ありがとうございました！ https://youtu.be/OSEGBLG5JQc?si=QjefLd3gp7S-a38k ソーシャルネットワーク： Instagram： @bloodymary_dj Facebook： Bloody Mary SoundCloud： Bloody Mary

Ciało Clubのバックステージで近況を語り合うなか、私たちはブルガリアとアメリカにルーツを持つプロデューサー兼DJ、Bad Boomboxと話をする機会を得ました。彼の制作プロセスやアーティストとしてのライフスタイルに対する独自のアプローチに、私たちは驚かされました。

ソーシャルメディアには良い面も悪い面もありますが、私たちにとって、このプラットフォームだけでアーティストを見つけられることは恵みです。BRENDAを知ったのも、まさにそのおかげ。ほんのクリックひとつで出会いました。音楽を聴き始めると、魅惑的なサウンドと、聴き手に届ける新鮮なアコースティック・リズムにすっかり心を奪われました。 そこから、もっと知りたいという気持ちが膨らみました。そこで、以下の質問を会話の出発点として、 Mav Nuhels に、彼のプロジェクトBrendaと音楽制作の歩みについて話を聞きます。 「Brenda」という別名の由来と、音楽プロジェクトにこの名前を付けた経緯を教えてください。 アーティスト名を付けるときの自分のやり方を、よく表していると思います。実際のところ、別名を考えていたとき、ふと頭に浮かんだ名前にすぎませんでした。ただ、当初は「Brenda INT.」にするつもりでした。国際的に構想された、いわば「会社」のようなものです。これは良いアイデアでした。リスナーやフォロワーの頭にすっかり定着しましたし、「Brenda, International Hypergloss Communications」というタグのおかげでもあります。 多くのアーティストは、地理的な場所によって独自の機会や障害に直面します。世界の音楽シーンで、コロンビアの音楽プロデューサー兼DJとして活動するとはどういうことか、聞かせてください。 コロンビアでは、「預言者は故郷では歓迎されない」という有名なことわざが、まさに当てはまります。特にこの国ではそうです。人々は、新しいものや、定番の様式やその時々の流行に沿わないものに対して、とても閉鎖的だからです。また、経済的に活動を成り立たせるための場所や取り組みがないことも大きな障害です。それでも、小さなムーブメントが受け入れてくれ、大物プロデューサーや強い反対勢力の間で少しずつ道を切り開き始めています。 コロンビアのアーティストとして、自分のルーツとのつながりや、コロンビアの音楽を世界の音楽コミュニティに紹介したいという思いはありますか？コロンビアらしさを、楽曲やDJセットにどう取り入れていますか。また、影響を受けた国内外のアーティストや音楽スタイルはありますか？ ずっとそうです。音楽的な成長の一環として、地元のサウンドや自分の地域の伝統的なリズム、ラテンアメリカやコロンビアの音楽シーンに近づいてきました。一方で、昔から影響を受けてきたサウンド、つまり英語圏の文化に由来するものからも離れていません。「Mav Nuhels」という別名で音楽を作ってきましたが、「Brenda」は、ラテンアメリカの電子音楽アーティストの第三世代、あるいは第四世代から生まれたプロジェクトです。そのため、大陸のリズムに挑戦し、昔から好きだったものと融合するうえで、幅広い参照先に刺激を受けてきました。レーベルではHiedrah、Naafi、Agva、Insurgentes、Tratratrax、In-Correcto、Mamba Negraなど。アーティストでは、Juepuchas、Lila Tirando a Violeta、Kelman Duran、Florentino、Orieta Chrem、Tayhanaなどです。 普段のスタジオ環境や、音楽制作で愛用しているツールや機材について教えてください。 主に自宅スタジオでは、Liveを使うためのPush 2、サンプリング用のPocket Operator K.O.、Arturiaの小型ハイブリッド・アナログシンセサイザー、特定の音を録音するためのマイク、それにKalimbaを使っています。より親密な作品に取り組むときは、Kalimbaを使うことが多いです。 さまざまなジャンルを音楽に取り入れていることに気づきました。エレクトロニックなスタイルが絶えず進化していることにも感銘を受けています。ハイパーポップやヴェイパーウェイヴから、IDM、バイレファンキ、フューチャー・ビーツまで、多様な影響が融合したサウンドですね。もしほかにもあれば、作品で探求しているジャンルの組み合わせをすべて教えてください。 ラテンアメリカのサウンド：クンビア、レゲトン、ホロポ、グアラチャ、RKT、バイレファンキ、フォンク、ブジェレンゲ、メレンゲ 融合するジャンル：GQOM、マハラガナート、トランス、ベース、UKG、エレクトロ、ブレイクス、IDM、テクノ、ポップ、ヴェイパーウェイヴ、ハイパーポップ、UKファンキー、ハード・ドラム 好みは人それぞれで、聴き手も多様です。こうしたさまざまなジャンルを楽曲で融合する際に、特有の課題やチャンスに直面したことはありますか？ 文化面と技術面の両方で難しさがあります。文化面では、自分のミックスが地元であまり受け入れられないことに直面しています。これはよくある現象です。とはいえ、私より前に、多くのサウンドをクラブカルチャーに紹介する役目を果たしたアーティストがいたという点では、恵まれていました。それでも、かなり強い拒絶があります。 一方、特にホロポやクンビアは、流れや拍節、ジャンルの構成が独特なので、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの基本的なサウンドと融合することも、私にとって創作上の挑戦でした。 Brendaプロジェクトの今後をどのように展開していくと考えていますか？また、ファンが楽しみにできる新作やコラボレーションはありますか？ 自分のサウンドをさらに探求し、磨き上げて、新たな領域へと広げていくことにとても関心があります。流行に左右されず、聴く人に異なる影響を与えられるスタイルを築きたいです。来年はもっと多くのリリースを予定しています。憧れのレーベルや、非常に著名なアーティストと実現できればと思っています。でも同時に、あまり機会のないことにも取り組みたいです。つまり、活動を始めたばかりのアーティスト、少し前の私と同じように第一歩を踏み出している人たちを支援し、コラボレーションすることです。その支援が、創作のプロセスにとって最終的に欠かせないものになるのです。 CRRDR、Algo Bien MX、NRMagazineなどとのコラボレーションが控えています！ あなたの作品を通してあなたを知ることは、私たちにとって特別な体験でした。この2つのメディアの組み合わせは、アーティストとしてのあなたのアイデンティティをどのように形作ってきたと思いますか？ 私にとって、それはすべてのプロジェクトの本質です。大学で建築を学んでいた頃のプロジェクトから、Mav Nuhelsとしての作品のコンセプトや具現化に至るまで、ずっとサウンドとイメージを強く結びつけてきました。Brendaも同じ道をたどっています。作品のサウンドが意図するものを強めるうえで、イメージは不可欠だと考えているからです。質感を選び、曲を通してその質感に命を吹き込み、ある場所や音楽ジャンルの視覚的なアイデンティティを、その歴史や象徴を通して研究し理解する。こうしたことすべてによって、音楽はクラブで聴こえるものにとどまらず、受け手の視覚的な感受性にも響き渡るのです。 これまでのコラボレーションで、特に幸運だったレコードレーベルはどこですか？ 間違いなく、友人たちのレーベルIn-Correctoです。Mav Nuhels名義でSudacaのコンピレーションに提供したのは、忘れ去られていた曲でした。IDMの視点からデンボウのリズムをより深く探求した作品で、間違いなく、Brendaのプロジェクトにつながる数々の創作上の問いが生まれた出発点でした。また、Naafi、Muakk、NoFutureBerlin、LI$、Santa Sede、Sapphir 22、そして大陸各地の多くの友人たちとコラボレーションできたことも素晴らしい経験でした。 https://soundcloud.com/brendainternational/premiere-mav-nuhels-anatomia-de-un-espacio-sin-ventanas?si=3794b788affe4e8da29061fd46a909c6&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 最新作『Ameba』のインスピレーションと、この曲の鮮やかなサウンドがリリースにつながった経緯を教えてください。以前の作品とのつながりや共通点はありますか？それとも、これまでの作風から離れた作品でしょうか？ 『Ameba』のコンセプトはボゴタから生まれました。陸と水の両方に生息し、小さな生物や腐敗した物質を餌にする一つの生命体として、私の街を捉える比喩です。ボゴタはコロンビアの文化的な中心地で、国内のさまざまな地域からサウンドが流れ込んできます。そこで私は、東部平原やカリブ海沿岸、そしてグローバル・ノースのサウンドを吸収し、それを糧に新しいスタイルを生み出す生命体というコンセプトを用いることにしました。それは私の住む街に根ざした、冷たく、敵対的でありながら、豊かで柔軟なスタイルです。 https://soundcloud.com/brendainternational/sets/brnd-ameba?si=aa0698518d074b868e95db06e4e59f77&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing コロンビアの音楽シーンの現在の状況に興味があります。盛り上がりを見せている動きや、音楽ファンが注目すべき影響力のあるクラブや会場はありますか？ ボゴタは大陸におけるテクノの中心地であり続けてきました。非常に純粋主義的な環境が、新しいサブジャンルの提案が電子音楽シーンで広がるのを遅らせてきました。しかし何年も前にPutivueltaが登場したおかげで、グアラチャのようなこの国特有のリズムが、ボゴタのアンダーグラウンドへと変化し始めました。そこからMuakk、Mor、Bala、Neotropicaなどの新たなコレクティブや潮流が生まれ、ほかにもパーティーを主催するグループが登場しました。彼らはグアラチャのサウンドを再び方向づけ、独自の、熱く、アイデンティティとラテンらしさを備えたサウンドを世界に広めようとするPutivueltaの取り組みを後押ししました。だから今、ヨーロッパや北米のどのクラブでもコロンビアのサウンドが流れているのです。北のテクノという考え方から離れたアーティストたちが、コロンビア流にダンスフロアを官能的にするとはどういうことかを問い始めた、その熱烈な探究心のおかげです。 今年、知名度が高まったことで実現したと思われるヨーロッパへの渡航について、私たちに話してくれました。今年の旅での経験や印象に残った出来事を教えてください。 とても実りのある、思い切った挑戦でした。私のスタイルや音楽に対する反応がとても好意的で、まったく予想していなかったことでした。Plant Bass’dの人たちが大きな役割を果たしてくれました。ツアー中の仲間意識や優しさ、愛情は、心を強く抱きしめてもらったようでした。彼らのおかげで自分自身と自分の作品を信じられるようになりました。スコットランドの人たちがどれほど素晴らしいかについては、言うまでもありません。また、友人のJanteのおかげでLa Machineでプレイできたこと、ロンドンで2cPerreaやPopolaの人たちに会えたこと、Sal de Feteのおかげで伝説的なKioskでプレイする機会を得られたことも、忘れられません。そして何より素晴らしかったのは、マドリードでLinaparyやBzzhoundと一緒に、素晴らしい活動をしているコロンビア人たちに会えたことです。 「Under…」という言葉を完成させてもらえますか？ 一般的な北のサウンドの下には、何十年にもわたって忘れられてきた、まったく新しいグローバルなサウンド、南のサウンドが広がっています。この南こそ、クラブカルチャーの新たな源脈です。 ソーシャルクレジット：...

ここしばらく、ポーランドの音楽シーンでは、妥協のないエレクトロニック・ミュージックをライブで演奏するアーティストが見られなくなっている。10年前に市場へ押し寄せた大勢のエレクトロニック・ミュージックのアーティストのうち、今も活動を続けているのは、Rysy、Baasch、Ina Westなど、ごくわずかだ。そして最近、Inaが自身の経験や仕事のスタイル、人に心を開くことについて話してくれた。ぜひ読んでほしい。 Instytut Festivalであなたのライブを見て、エレクトロニック・ミュージックを演奏するポーランドのアーティストがまだいるんだ、と改めて思いました。ここ数年で、活動をやめた人がかなりいますよね。 そうですね。本当にそうです。エレクトロニックな楽曲をバンドと一緒にライブで演奏し、有機的なコンサートとして成立させるのは簡単ではありません。電子音楽の楽曲を編曲し直し、何度もリハーサルを重ねなければならないアーティストにとって大変なだけでなく、主催者にとっても費用がかかります。私にとってコンサートは物語で、音楽仲間を巻き込むのが大好きです。この2年間はソロでも演奏していますが、その場合も、声やシンセサイザー、ベースギターを使って全力で取り組めるパフォーマンスを準備しています。最近、これから10〜15年、仕事として何をしたいのかを自分に問いかけました。いちばん大切なのは、定期的に演奏し、練習すること。そして私生活では、家族を持つことだという結論に至りました。人生の大半、私は毎日ピアノを練習してきました。それは私にとってとても身近で、精神的にも落ち着きを与えてくれるものです。 音楽制作に取り組むようになったのはもっと後で、ミュージシャンとしての表現の幅を広げたいという思いがきっかけでした。多くのエレクトロニック・ミュージックのプロデューサーは、まず制作を始めて、時間がたつにつれて楽器の演奏にも興味を持つようになる、という印象があります。 お話しする前にあなたの学歴について読みましたが、幼い頃から人生の中心に音楽があったんですね。ポップミュージックの方向へ進んでくれてよかったです。 私はクラシック音楽を学びました。ポップミュージックに関心を持つようになったのは、作曲や演奏にある種の自由を求めた結果です。私の経験からすると、ポーランドの音楽教育には大きな改革が必要です。現在の制度は非常に制限的で、抑圧的で、排他的です。若い頃、この分野で暴力を受けることがよくありました。「指が小さすぎるから無理よ」といった言葉は当たり前でした。また、非常に抑圧的な指導法を使い、ピアノの蓋で私の指を挟もうとする先生のもとに短期間通ったこともあります。幸い、指を折られることはありませんでしたし、最終的にはその先生のほうからレッスンをやめさせてくれました。私は泣きながらレッスンに行き、泣きながら帰っていました。彼女は、私には音楽家になるだけの精神的な強さがないと思っていたんです。 その話がいい形で終わってよかったです。でも、音楽学校を卒業した人たちと話すと、音楽への情熱を育てるどころか、音楽から遠ざけられたという話をよく聞きます。 そうですね。でもその後、新しい先生たちに恵まれました。たとえば、ポーランド語を知らずにポーランドに来たタチアナです。私たちは言葉を使わずに意思疎通するしかなく、とても大変でしたが、親密な経験でもありました。彼女の関わりを最も強く感じたのは、一緒に音楽を演奏したときでした。隣り合った2台のピアノで。彼女と、感覚に心を開き始めた小さな私です。残念ながら、音楽学校はいまだにソリストの育成に重点を置いていますが、ほかにも多くの道や可能性があります。タチアナは私がダンスや身体の動きに惹かれていることにも気づき、後にリトミックのクラスに勧めてくれました。 私にとって素晴らしく、生き生きとした経験でした。そこで身体が目覚め、動きで音楽を描ける安全な場所を与えられたんです。それに、タチアナは映画音楽やジャズを紹介してくれて、私の意識を広げてくれました。ピアノの卒業試験ではいつも、クラシックの定番や、再現の正確さという原則からかけ離れた曲を1曲演奏していました。 音楽教育のどの段階のことですか？ オルシュティンのフリデリク・ショパン音楽学校です。当時、私は11歳になる前でした。 そのピアノのクラスに入る前から、音楽に夢中だったんですか？音楽との出会いはどんなふうに始まりましたか？ 祖父の家には調律の狂ったピアノがあって、誰も弾かなかったのですが、なぜか私はいつも惹かれていました。父はドラムを演奏しますし、父方の家族はみんな音楽好きです。1980年代には、親戚たちで結婚式のバンドを組んでいて、パーティーで演奏して得た収入が家計の大きな部分を占めていました。はっきり覚えているのは、祖父がマンドリンで戦時中の歌を演奏していたことです。 https://www.youtube.com/watch?v=J7MasosxOE8&ab_channel=InaWest ご両親や祖父母が、あなたに音楽への愛を植えつけようとしたのでしょうか？ 自然な成り行きでした。私はその音楽に満ちた環境に浸っていました。自分から音楽学校に行きたいと言い出し、祖父が入学試験に付き添ってくれました。当時、私は7歳でした。バイオリン科に合格したと告げられて、すごく腹を立てたことを覚えています。ピアノ科の名簿に載せてもらえるまで、抗議し続けました。 その後、オルシュティンの音楽学校に通いましたが、さらに音楽に関わる勉強もしました。 はい。最初にポーランド語学科で5年間学び、学部長の許可で休学した後、音楽学の勉強を終えました。 でも最終的には、スタジオミュージシャンにはならず、電子音楽を作って演奏するようになったんですね。かなり珍しい道のりです。 でも、スタジオミュージシャンとしてもとても楽しくやっていますし、ジュリア・マーセルやティマ・メサのバンドなどで何度も演奏してきました。いつも主役を務めたいわけではありません。ラジオヘッドのアルバム『Kid A』を初めて聴いたとき、電子音楽に興味を持ちました。あんな音をどうやって作るのか知りたいと思ったのを覚えています。このジャンルの新作も、近いうちに発表する予定です。まだすべてを明かしたくはありませんが、原点であるオーガニックな音楽に戻る準備は、かなり進んでいます。 音楽理論は、制作の際にどのくらい役立ちますか？決まったパターンに従うこともあれば、そこから完全に離れることもありますか？ 楽器を演奏する技術が高まり、いくつかのことが簡単にできるようになると、きっと既に慣れた道を進んでいるのでしょう。すると、その楽器に魅力を感じなくなり、ほかのものに惹かれ始めることがよくあります。私の場合は音楽制作や電子音楽、ベースギターでした。いつものパターンから離れることですね。 最終的に、あなたのライブに行くと、音楽を楽しんでいるのが伝わってきます。きっとステージ上の全員を動かすんでしょうね。 そう感じてもらえてうれしいです。それが目標でした。ダンスミュージックに挑戦して、ビートやステージ上で動くことを楽しみたいという強い思いがありました。聴いてくれる人にも、私の音楽を楽しんでもらいたかったんです。 Instytut Festivalでのあなたの演奏が終わった直後に雨が降り出しましたね。あなたは運がよかったけれど、ほかのミュージシャンは大変だったでしょう。そうした逆境にはどう対処しますか？ 状況によりますね。昔だったら違う反応をしていたでしょうし、きっとかなり神経質になっていたと思います。今はずっと柔軟になりました。いろいろな状況を経験してきたので、もう何が起きても驚かないと思います。Instytutの1週間後、ハンガリーで演奏したとき、ライブ中に嵐が来ました。猛烈な風が吹き始め、大雨になり、ステージが私たちの上に倒れそうにまでなりました。人々は持ち物を守ろうと、急いでテントへ避難しました。ステージ前には誰もいなくなり、私たちも避難しなければなりませんでした。ああいうライブを実現するために大きなエネルギーと熱意を注いでいるので、つらい瞬間です。でも、私たちにはどうにもできないこともあります。その後、気持ちのバランスを取り戻すには、やはり数日かかりますね。 それに、人はよく自分で自分を追い込んでしまいますし…… そういうこともあります。何時間もかけて準備をし、段取りを調整し、リハーサルをして、それに今は、きちんと世話をしなければならない小さな子どももいます。全部をうまくまとめるのは難しいこともあります。パートナーもライブをしているので、私たちが同じ日に演奏することもあります。自分たちではどうしようもない理由でライブがうまくいかないとなると、ひどくやる気をなくしてしまうことがあります。 どんなに準備万端でも、サウンドチェックが短縮されたり、演奏中に何かが外れたりと、予想外のことが起こることもありますよね。 そのとおりです。最近、ちょっとおかしなことがありました。ベルリンからワルシャワへ、Instytutで一緒に演奏したドラマーのアルトゥルとのリハーサルに向かうため、列車に乗っていました。列車が故障し、かなり待たされた後、代わりに用意されたのは車両1両だけでした。あとの旅がどんなものだったか、想像できますよね。しかも私は荷物と楽器も持っていて、車両の入口にある荷物棚に置いていました。終着駅の少し手前で荷物を取ろうとしたら、見当たらないんです。ひどく慌ててしまい、乗客みんなが一緒に探してくれました。あまりにストレスの大きな出来事で、完全に頭が真っ白になりました。数分後、誰かが「反対側を確認して」と叫びました。そちらに行ってみると、単に車両の反対側を探していただけだったんです…… いい話ですね！ ええ。車両全体からスタンディングオベーションまで受けました。 https://www.youtube.com/watch?v=kObJC5ZDNsQ&ab_channel=InaWest 少し話題を変えますが、インタビューで、以前よりも人に心を開くようになってきたとおっしゃっていたと聞きました。それを実践できていますか？ 楽器のレコーディングやミキシング、マスタリング、ミュージックビデオやビジュアルの制作など、関連するさまざまな分野の人たちに心を開くよう、もちろん心がけています。でも作曲に関しては、これからもずっと、自分だけの親密な旅であり、思考や経験、感情、表現手段やスタイル、新しい言語を探すことです。これはとても個人的なことで、このプロセスならではの独自性を保つには、一人で向き合う必要があります。誰かをこの空間に招くとしたら、たとえば似た感情を共有しているからです。他の分野のアーティストが何を考えているのか、それを通じて何を学べるのかに興味があります。そして知れば知るほど、自分は何も知らないと感じます。他の人への好奇心が、これまで何度も素晴らしい結果をもたらしてくれました。ただ音楽面では、音楽制作やレコーディング、作曲、ミキシングなどについて、もう十分に理解しているので、自分でいろいろなことができるという確信が強まっています でも、だからといって何でも自分でやりたいわけではありません。行き詰まったときは友人に電話して、新鮮な耳で聴いてほしいと伝えます。 そのときは、自分のエゴを抑えなければと思いますか？ いいえ、たぶんそれとは関係ないと思います。むしろ、観察や好奇心、新しいことを経験したいという気持ちから来ているように感じます。たとえば、どうしてもある問題を解決したくて、頭の中にはやり方のアイデアがあるのに、自分ではできないときです。 制作のプロセスに誰かを招き入れることも、一種の新鮮さをもたらすと思いませんか？ そうかもしれませんが、そうした活動を一緒にするには、適切な人を見つける必要があります。実際、今は誰かと一緒に音楽を作るのに、あまり恵まれた状況ではありませんでした。最初はパンデミックが3年間続き、その後は、見守りが必要で行動にも制限があった妊娠期間。そして母親になってから最初の、とても大変な1年があり、空いた時間はすべて作曲と制作に充てる生活でした。もし自分でいろいろなことができなかったら、音楽制作に戻るのは3年後になっていたと思います。 つまり、一方では一人で創作するのが好きだけれど、もう一方では今、ある意味そうせざるを得ない状況にあるんですね。最終的には、とても成長につながることだと思います。 そうですね。でも、ときにはすごくもどかしいこともあります……少し前に、チェロを弾いていて、私と同じくベルリンに住んでいるネラと一緒に作業を始めました。チェロはずっと好きでしたが、自分で弾いたことはなかったので、ネラは私にとって知識の宝庫です。レコーディングの後は、エフェクトを使ったり、音を細かく解体したり、原形をとどめないほど編集したりするのも大好きです。今の私にとって、これが最も創造的で、刺激を受ける形だと思います。 コンサート用に曲をアレンジするときも、外部の人を巻き込み始めていると読みました。 まさにその通りです。パートナーはドラマーで、長年一緒にいるので、彼は私がどんな方向性を好むかをよく分かっていますし、彼自身の表現する言語も分かっています。ヤコブには解釈の自由がたくさんあります。もう一つの問題は、客観的に見て何がうまくいき、何がうまくいかないかということです。それについては話し合って、あらゆる角度から考えることができます。 では、パートナーがまず思いきり即興で演奏して、それからあなたが何らかの形にアレンジするんですか？ はい、それも一つのやり方です。ドラムを録音する前に、どうするのが一番いいと思うか、彼が私に尋ねることもあります。何が足りないか、何を重ねる必要がないかなどについて話し始めます。お互いを隅々まで知っているので、よりオープンに話せます。でも、ドラムやチェロのない曲も、それだけで独立した作品として成立します。彼はよく、コンサートでその形のまま演奏しています。ドラムやチェロのパートは、曲をさらに発展させ、少し違った形を与えるものです。曲に人間らしい、有機的な要素が加わるのが本当に好きです。 https://open.spotify.com/artist/7FPvltQvvREl3A8RnZ6Fyo 人間らしさの話をすると、すぐにコンサートが思い浮かびます。Mesとの演奏で覚えていることはありますか？ あのコンサートでの私の役割は、マテウシュ・ホラクがギターで弾いていたパートを、ディストーションをかけた音で置き換えることでした。その後、いろいろなことが発展していきましたが、コンサートでさまざまなエフェクトを通してキーボードを弾いたのは、あれが初期の経験の一つでした。 簡単な役割には聞こえませんね。 そうですね。でも、先ほど話したことにもつながります。セッションミュージシャンをするのも好きなので、Mesと彼のチーム全員が私を信頼してくれたときは、本当にうれしかったです。今の自分の音楽には、Mesとのコンサートで学んだ要素を取り入れています。チームの一員として過ごした時間は、素晴らしく、気負いがなくて楽しく、魅力的な経験でした。 さて、最後に、誰にでも尋ねている質問をもう一つ。今、いちばん大きな夢は何ですか？ 夢は叶いつつあると思います。でも、今取り組んでいる作品を完成させたいです。すべてがまとまり始めて、音楽のパズルのピースがはまり始めている段階です。それから、新しい曲で演奏も始めたいです。 では、今年後半に新作アルバムが出ると期待してもいいですか？ おそらく、間違いなく次の作品に収録されると思います。ただ、今年中にリリースする計画もまだあります。Instytut Festivalでの私のライブに来てくれた方なら、この素材には馴染みがあるでしょう。あの場で、このEPの収録曲を初披露したからです。 IG: @inainawest FB: inawestina

インスピレーションの源や、使う楽器は重要ではありません。大切なのは、誠実さ、一貫性、そして自分のオーディエンスを知ることです。長年DJ、プロデューサーとして活動してきたBłażej Malinowskiが、音楽制作への向き合い方と、何年も大切にしてきた価値観について語ります。 Dominic： 今日のパフォーマンスについて教えてください。Audioriverへの出演は今回で5回目ですね。これまでの出演と比べてどうでしたか？ Błażej： パフォーマンスを比べることはありません。特にClaudioとの共演はそうです。彼と一緒だと、僕たちがとても居心地よく感じられる独自の空間が生まれるので。今日については、少し驚いたと認めざるを得ません。Claudioは、知り合って以来最高に力強い選曲をしてくれたんです。初めて会ってから、もう10年近く経ちます。だから僕たちにしては、かなりハードでグルーヴィーなプレイになりました。毎回のパフォーマンスを唯一無二のものにしたいと思っていて、すべてのセットにそういう姿勢で臨んでいます。 Dominic： Claudio PRCとはどのように出会ったのですか？ Błażej： 2014年、Claudioをポーランド初の公演のためにワルシャワに招きました。そのブッキングでは大きな損失を出しましたが、それが僕たちの出会いでした。初めて会ったあと、彼はサルデーニャに戻り、僕はワルシャワに残ったので、しばらく別々の道を歩みました。2年後に僕がベルリンに移ると、Claudioはすでにそこにいました。それからは、かなり頻繁に会うようになりました。しばらくして、NessとともにThe Gods Planetから僕の音楽をリリースしてくれました。長年にわたってClaudioからたくさんのサポートを受けてきましたし、今も友人です。 Dominic： フェスとクラブでは、どちらのほうが好きですか？お気に入りの場所はありますか？ Błażej： でも、いちばん好きなのはクラブだと思います。大きなステージがなく、人との距離が近い、ああいう親密な場所です。アーティストとオーディエンスの間に生まれる、言葉にされないエネルギーが僕には大切なので、クラブならそれをとても強く感じられます。フェスでは、みんなが僕と同じくらい楽しんでいるのか、いつも見えるわけではないんです:)」 On the 5th Day · 初公開：Blazej Malinowski - Movement [Hidden Tapes] Dominic： セットとライブアクトでは、どちらを演奏するのが好きですか？キャリアを通じて、パフォーマンスへの取り組み方に変化はありましたか？ Błażej： ひと通り経験してきました。19年前、ヴァイナルDJとして活動を始めました。その後、ハードウェアを使ったライブを始めましたが、当時の機材でできることとは少し違うことをやりたいと思い、Abletonに切り替えました。ライブアクトでシンセサイザーを使うこともありますが、最終的にはAbletonがライブアクトの中心です。スタジオでは、デジタルの環境でも外部機材でも作業しますが、音がどこから始まるのかにはこだわりません。大切なのは音そのもので、それがどこから来るかは僕にとって重要ではありません。この変化は長年かけて自然に起こり、たくさん学び、発見する機会になりました。質問に戻ると、ライブアクトだけを何年も続けたあと、セットにも戻りました。今は2つの形で演奏できることをとても嬉しく思っています。長い間自分の音楽だけを演奏していたあと、セットのおかげで余裕が生まれ、純粋な喜びを感じられるようになりました。単純にバランスが必要だったので、DJとしての原点に戻ったんです。 ハードウェア対デジタルという議論に関して言えば、僕はその中間の、安心できる場所にいると思います。どちらの世界も、僕にとって同じくらい大切です。 ハードウェア対デジタルという議論に関して言えば、僕はその中間の、安心できる場所にいると思います。どちらの世界も、僕にとって同じくらい大切です。 Dominic： スタジオではどんなハードウェアを使っていますか？ Błażej： シンセサイザーは、気持ちを落ち着かせてくれますし、クリック操作では生み出せない音を作る助けにもなります。だから、どこへ向かえばいいのかわからないとき、ハードウェアが助けてくれるんです。そこから曲やアルバムのアイデアを考え始めます。完全にデジタルの環境で曲を作ることもあれば、ハードウェアで作ることもあります。その日の気分や、そのときに楽器が自分に何をもたらしてくれるかによります。ハードウェアだけ、あるいはデジタルだけでなければならないとは考えたくありません。 Dominic： 今のソフトウェアシンセサイザーは、実機に匹敵しますか？ Błażej： もちろんです。コンピューターだけで制作している人をたくさん知っていますが、彼らの音楽は本当に素晴らしく、今となってはどちらを使うかはもう問題ではありません。実機を深く掘り下げられる人たちには敬意を抱いています。僕はとても感情を重視して制作するプロデューサーなので、説明書を読んで、ハードウェアでどうやればいいのかを把握する時間がいつもあるとは限りません。ハードウェア対デジタルという議論に関して言えば、僕はその中間の、安心できる場所にいると思います。どちらの世界も、僕にとって同じくらい大切です。 Dominic： 特にインスピレーションを受けるアーティストはいますか？「これは自分のビジョンに合っている」と思うことはありますか？ 私には憧れの人はいません。シーンや嗜好が移り変わっていくなかでも、自分のビジョンを貫く人たちが私のロールモデルです。どんなことがあっても自分らしさを貫くアーティストがいるなら、私にとってそれは、歩んでみたいと思う芸術の道であり、ずっと刺激を受けてきた道でもあります。プロデューサー／DJは一生同じものをかけたり、ひとつのサウンドにこだわったりしなければならないと言いたいのではありません。態度やビジョン、成長についての話です。この姿勢があるからこそ、20年近く経った今、自分のやり方を貫き、芸術的な妥協は一切しなかったと言えます。音楽やアートにおいてはリスクのある姿勢ですが、私にはほかの道は意味をなしません。 私の目標は、いつもできるだけ多くの時間をスタジオで過ごすことです。たとえインスピレーションが湧かないと感じていても、自分にとっての隠れ家のような場所にいることが大切です。そこではいつでも何か創造的なことが起こり得ます。だから、旅先やカフェでは音楽を作りません。必要なものがすべてそろった、自分だけの場所を持ちたいとずっと思っていました。インスピレーションが湧いたとき、その場所にいて、自分の空間で過ごせるのはうれしいです。 Dominic：...

尽きることのない好奇心と夢を追いかけることは、モジュラー・シンセサイザーのスペシャリストであり、ライブアクトの名手でもあるアニャ・スダの場合のような結末を迎える。ヨーロッパのクラブからキャリアをスタートさせた彼女は、ヴィスワ川のほとりに戻り、ポーランドの音楽シーンで輝きを放った。今年のAudioriver Festivalで、私たちはAn On Bastに会い、音との経験について話を聞いた。 ドミニク： あなたの音楽キャリアが国際的に発展したのは、どのような経緯からですか？ An On Bast： 最初からお話ししましょう。16年ほど前、私は人生で音楽をやっていこうと決めました。音楽が大好きですし、法律と哲学の二つの学位を取得した後でも、ミュージシャン、エレクトロニック・ミュージックのプロデューサーとして生き、何よりライブアクトをしたいと思ったのです。そうして始まりました。私はそれだけに取り組んでいたので、すぐにそれが仕事になりました。初めの頃は、少なくとも自分ではそう思っていたのですが、かなり人気のない音楽を作っていました。だから、演奏できる相手を見つけるためにも、さまざまな国の観客に向けて演奏したいと考えるのは自然なことでした。世界中のいろいろなクラブやフェスティバルに、出演の機会があるか問い合わせるメールを送りました。しかも当時はそれがうまくいって、実際に多くの場所から招待されました。活動を始めた最初の年には、ノルウェー、フランス、オランダ、ギリシャなどで演奏しました……「こんにちは、私は アニャです。あなたのところで演奏したいです」といったメールへの返事を受けて、というだけです。 An On Bast · An On Bast LIVE at Habitat Festival / Hamburg 2023 ドミニク： クラブに対するDJの比率が今とは違っていた時代ですね。今なら、おそらくもっと難しかったでしょう。 An On Bast： 自分の音楽のジャンルを考えると、世界に向けて開かれた活動をしたい、一か所だけに結びつけられたくないと、最初から分かっていました。自然とそうなっていったんです。あるクラブで演奏しているのを別のプロモーターが見て、その少し後には別の場所で演奏する、ということもありました。ポーランドでも、私が海外で演奏していることが知られるようになってから、国内でも出演するようになりました。それは、2006年にメルボルンで開催されたRed Bull Music Academyへの参加者に選ばれた時期とも重なっていました。始まりの話はここまでにして、現在は10年前からC&C...

Szpak、Qrego、Margaret、Ineeの作品を手がけてきたが、本人も認めているように、ポップミュージックのアーティストのために作った曲が最も多い。Leeoに、ドラムを学んだこと、音楽における人工知能の活用、Rip Scottyとの出会いについて話を聞いた。どうぞ。 インターネットで、Rip Scottyの最初の仕事は建設現場だったと読みました。あなたは自分の最初の仕事をどこで見つけたか覚えていますか？ 残念ながら覚えていません。でも、建設関係の現場をいくつか見たことはあると思います。ただ、最悪だった仕事は覚えています。区画地の草刈りでした。友人が仕事を紹介してくれて、小さな家庭菜園の草を刈るのだと思っていたんです。ところが実際は市内の区画地で、芝刈り機を持って市内最大の交差点を渡らなければなりませんでした。気軽な仕事でしたし、ばかげていると思うかもしれませんが、人生について多くを学べるのは確かです。もう少し最近のことでは、ワルシャワに引っ越したとき、しばらくUberの仕事をしていたのを覚えています。 では、音楽での最初の仕事は？ 実は、いろいろな楽器をたくさん演奏してきました。最初はギターで、その後ドラムを演奏するようになり、長い間プロのミュージシャンとして活動していました。演奏する機会はとても多くて、実際、始めたばかりの頃はパンクバンドや、さまざまな変わったプロジェクトで演奏していました。その後、レストランやイベント、結婚式でも演奏するようになり、代役として参加して腕を試すこともできました。ただ、最初の出演が何だったのか、正確には覚えていません。Bezczelとのライブだったと思います。そのときからミュージシャンとしてお金を稼ぎ始めました。 経済的に余裕のある場所にとどまるのは簡単で、ある意味、罠でもあります。残念ながら、ほかのことをおろそかにし始めてしまうんです。 そこにたどり着いた経緯は？ ビャウィストク出身のラッパーたちと一緒にドラムを演奏していた頃に、彼らが同級生だったこともあって、共同制作を始めました。スタジオがあって、一緒に音楽を作っていたんです。当然、一緒にライブもするようになりました。そのうちの一つのライブの後、Fabułaのメンバーの一人が僕に近づいてきて、一緒に演奏しないかと誘ってくれました。その後、どういうわけかBezczelと知り合い、彼と3回のコンサートツアーに出ました。 では、セッションミュージシャンとして、かなりの経験があるんですね。 セッションの仕事が終わったかどうかは分かりませんが、そういうつもりでワルシャワに行きました。その後、ワルシャワのフリデリク・ショパン国立音楽学校複合校のジャズ科に進み、この分野を学びながら、セッションミュージシャンとしてライブをするつもりでした。でも、人生は思いがけない方向に進み、同じ頃に音楽制作を始めて、そちらにずっと興味を持つようになったんです。ステージでドラムを演奏するだけでは物足りなくなりました。昔から、創作のプロセスにもう少し深く関わり、自分のやることにもっと影響を与えたいと思っていたんです。そこで、キャリアを変えることにしました。一度、ドラム演奏と音楽制作を組み合わせたアルバムを作ろうと思ったこともあります。でも、制作について少し学ぶと、誰かと一緒にやりたいと思うようになって……。すべてがその方向へ進み、曲の制作や作曲は自然にできるようになりました。 https://www.youtube.com/watch?v=4v87FTppppQ&ab_channel=GUGU ご両親はあなたの情熱をどう受け止めていましたか？子どもの頃から音楽を仕事にしたいと思っていたのでしょうか？ 音楽に興味を持ったのは13歳くらいの頃です。それまでは、家族にミュージシャンがいたことも、家で音楽に触れる機会があったこともありませんでした。両親にとっては、最初はかなり現実離れした話だったと思います。音楽を仕事にして生計を立て、充実した人生を送れるとは思えなかったんです。それでも、いつも応援してくれて、別の道に進ませようとしたことは一度もありませんでした。ある時点で、僕が音楽に真剣に取り組んでいると分かり、大人になったら間違いなく音楽に人生を捧げるのだと気づいたんです。両親にとっての転機は、音楽で初めてまとまったお金が入ったことでした。でも、従来のキャリアを歩んでフルタイムで働いている人たちにとって、ライブをしたりコンピューターで音楽を作ったりしてお金を稼ぐというのが現実離れして感じられるのは、僕にもよく分かっていました。それでも、両親はいつも応援してくれて、何より、僕の道を妨げませんでした。大学に行かなければならないという プレッシャーはまったくありませんでした。音楽学校に進んだのは、自分が行きたかったからです。 最初に稼いだお金も、さっき話に出た結婚式での演奏からだったんですか？ まったくありません。最初にお金を得たのは、ラッパーたちとライブをしたときです。結婚式の仕事は少し事情が違いましたが、良いバンドと良い人たちに恵まれたので、うまく演奏できました。全体として、この経験は良い思い出ですが、音楽を作ることが嫌になるような面も少しあります。これを長く続けるのは想像できません。普段はディスコ・ポロのイベントでは演奏しませんが、音楽の仕事を何度か受けたところ、ディスコ・ポロの曲を演奏しなければならないことがありました。そうやって演奏するのは、やる気をなくす一方で、ある意味では刺激にもなりました。好きなことをしているようで、そうでもないという感じです。音楽を演奏してはいるけれど、本当に心が躍るような種類の音楽ではない。でも、自分のやりたいことをして、金銭面だけでなく、アーティストとしても充実感を得ようという気持ちにはさせてくれます。また、経済的に居心地のいい場所にとどまりやすく、残念ながら、ほかのことをおろそかにし始めてしまうという、ちょっとした落とし穴でもあります。 結局、いつまでも結婚式の仕事から抜け出せなくなってしまう。それが必ずしも良いことなのかは分かりません。一方で、そういう仕事に長けている人もいるので、結局は誰もが自分なりの道を見つけなければならないと思います。 音楽を始めた頃、仲間からの支えはありましたか？ あったと思います。というのも、私は昔から音楽や映像制作に携わる人たちに囲まれてきました。友人のほとんどが同じようなことをしていたので、お互いの可能性をつぶすのではなく、支え合っていました。その多くがプロの世界に進むこともできました。 その友人たちの中にはRip Scottyもいましたが、彼とは後に知り合ったのですか？ パトリクと私は共通の友人を通じて知り合いました。13〜14歳の頃、同じ団地に住んでいたんです。当時、私はいくつかのパンクバンドで演奏していて、パトリクは歌っていました。あるとき、Handjobという型破りなバンドを始めることにしました。オルタナティブ・ロック、ポップ、パンクを演奏していました。バンドが解散すると、みんなそれぞれの道に進み、私たちの連絡もずっと減りました。でもあるとき、話し合って、一緒にビャウィストクからワルシャワへ移ることにしたんです。音楽制作に集中することを前提に、一緒に暮らし始めました。そして実際にそうなりました。同居していた3〜4年間、自由な時間はいつも音楽を作っていました。 最終的にはラッパーとプロデューサーのデュオとしてGuGに加わりましたが、そういう形はあまりありませんよね。 そうですね。普通はラッパーがレーベルに所属して、プロデューサーがその人とアルバムを丸ごと作るという形です。でも私たちは最初から一緒に活動していて、アパートでアルバム全体を一緒に作りました。作業を分担していたので、パトリクはビートに大きな影響を与え、私は歌詞に大きな影響を与えました。 https://www.youtube.com/watch?v=ZDJfftwZzV4&ab_channel=GUGU  最初からヒップホップを作っていたのですか？ どんなジャンルの音楽を作るかについて、私たちはほとんど考えたことがありません。枠にとらわれたくなかったからです。自分たちが作りたいと思ったものを作っていました。結局、ヒップホップだけでなく、ポップスもたくさん作りました。それに、今もほかのアーティストのために仕事をしています。ポップソングを書くこともありますし、ほかの音楽ジャンルにも親しんでいます。だから、ラッパーだった私たちが、今になってヒップホップを作るようになった、というわけではありません。私たちの歩みはヒップホップ界隈に関わる多くの人とは少し違うので、将来はまったく別の方向に進むかもしれません。パトリクはボーカリストとして活動を始め、『The Voice of Poland』に出演し、その前にはニサの音楽学校のジャズ科を卒業していました。私たちはずっとさまざまなジャンルに触れてきたので、自分たちが何のジャンルを手がけているかは、あまり考えてきませんでした。 ほかのアーティストのために曲を書くという話について、説明してもらえますか？どんなふうに進めているのでしょう？ たとえば、『The Voice of Poland』の出場者やYouTuberのために曲を作ります。ただ、これまでに制作した曲の大半はポップスのアーティスト向けで、いつもとても楽しい制作過程になります。曲作りの進め方は、誰と組むかによって変わります。人それぞれ違うからです。私の場合は、アーティストやその曲を歌う人と会い、どんなプロダクションにするか話し合ってから、スタジオで一緒に作業します。完成した曲をこちらで用意することはめったにありませんが、クリエイティブな過程に関わりたくない人の場合は、そうすることもあります。こういう制作の進め方に決まった型はありません。相手によってやり方が違うからです。ソングライターやアーティストと一緒に歌詞を書くこともあれば、歌詞があらかじめ用意されていて、私たちは修正だけしてから録音することもあります。 曲にどの程度関わるかは、最初に何を受け取るかによって決まります。ただ、私はチームで、スタジオで顔を合わせながら作業するほうが断然好きです。そのほうがずっと自然で、お互いに刺激を与え合えますし、音楽を作る喜びも大きいです。ビートのパックを送って、その形で仕事をすることもありますが、たいていはラッパーとのコラボです。普段は主に歌手やラップ以外の音楽を作る人たちと仕事をしています。ラッパーとスタジオセッションをしたのは、本当に数えるほどです。 歌詞を手伝ったとおっしゃっていましたが、たとえば「Origami」ではラップもしていますよね。この方向にさらに進むことを考えたことはありますか？ 今のところは、より多くのプロデュースや作詞に取り組んでいます。でも、やらないと言っているわけではありませんし、近いうちにそういうことがあるかもしれません。時がたてば分かるでしょう。 コンピューターゲームが好きだということについても聞きたいと思っていました。「Origami」のバースで、『League of Legends』のキャラクター、ケイトリンに触れていますよね。この世界観には詳しいんですか？ 以前はコンピューターゲームが好きでしたが、今はまったく時間がありません。今やっているゲームといえば、スタジオで友人たちとFIFAをするくらいで、それが唯一のゲームです。昔はゲームをする時間がもっとありましたが、完全にのめり込んでいたわけではなく、たとえばコンピューターの前で12時間過ごすようなことはありませんでした。 https://www.youtube.com/watch?v=GEOf7ok3vHU&ab_channel=GUGU  それは興味深いですね。多くのプロデューサーは10代の頃、コンピューターの前で長い時間を過ごし、それが後に音楽制作への情熱につながったりしますから。 僕の場合は少し違っていて、最初に触れたのはコンピューターではなく楽器でした。プロデュースを始めたのはもっと後で、それまではFL Studioを使ったことも、そこでブロックを並べたこともありませんでした。どちらのやり方でも、望む効果が得られるならいいと思います。 楽器を習うのはどんな感じでしたか？ 最初はしばらく、ギターの個人レッスンを受けていました。でもその後、ドラムに切り替えて、個人レッスンも受けました。それから自分を成長させるため、ポーランド各地の音楽ワークショップに参加するようになりました。幸い、初等・中等の音楽学校には通わずに済みました。なんとかそれを乗り越えて、大人になってから、さらに学ぶために音楽学校に行くことにしました。ワルシャワのフレデリック・ショパン国立音楽学校複合施設のジャズ科でドラムを演奏していましたが、時間がなくなり、結局3年目に辞めました。 完成したステムを吐き出してくれる曲生成ツールもたくさん見かけます。人々は普通に使い始めていますし、僕はまったく問題ないと思っています。抵抗しても意味はありません。結局、遅かれ早かれ誰もがそうすることになるでしょうから。 あなたが音楽学校の最初の段階を「幸いにも」逃れられたと言った理由が分かる気がします。残念ながら、音楽教育を含め、ポーランドの教育は現代にあまり適応できていません。 まったくそのとおりです。ポーランドの音楽教育はかなり旧式の考え方をしていると思いますし、残念ながら、そうした学校が音楽への情熱を押しつぶしてしまうこともよくあります。本人がまったく感じていない曲を作り、演奏し、学ぶんです。そうして、若い人たちが燃え尽きてしまいます。もちろん、そうした過程を乗り越えて音楽学校を卒業し、素晴らしい音楽家になって楽しむこともできます。どちらでもいいのですが、制度は時代遅れで、いくらか変えるべきだと思います。特にポーランドには、カトヴィツェのジャズ・ポピュラー音楽学部を除けば、ポップミュージックに特化した学校がありません。しかもそこでは、学士課程と修士課程で主にクラシック音楽を学ぶので、今日のポピュラー音楽に役立つことを身につけるのは難しいんです。 興味深いのは、今は2023年で、音楽は大きく進歩し、コンピューターとその多様な用途が登場したのに、結局、音楽学校を卒業したいなら、今でもクラシック音楽を2年間学ぶということです。 そのとおりです。でも、それは音楽教育だけでなく、一般教育も含めて、いろいろな面で当てはまると思います。おそらく近い将来、この制度的な変化を実現することはできないでしょう。だから、音楽大学に何か変化を導入しろと要求するのはやめましょう。ここではまず、一般教育とその基礎から始める必要があります。それに少し前から、さまざまな創造的な方法で人工知能を活用する話題が盛んに取り上げられていましたし、これは将来、若い人たちの教育に大きな影響を与えることは間違いありません。 ご自身でも、たとえば音楽制作に人工知能を使っていますか？ もちろんです。試しに使っているプログラムがいくつかありますし、全般的にとても関心があります。音楽系のプログラムの多くは、まだベータ版なので、基本的な機能しか備えていません。でも、少し先を見据えると、5〜6年後にはかなり大きなことができるようになっていて、その時に本当の意味で重大な問題になるでしょう。どの方向に進むかは分かりませんが、10年後に僕たちが失業していないことを願っています。 https://open.spotify.com/artist/5bjlaptdRxdTCicOIX7k2P では、今はこうしたプログラムをどのように使っていますか？ さまざまな解決策を試していますが、たとえば、どこでも使われているGPT Chatはまったく使っていません。一般公開版は、音楽に関するこうしたことではまだ少し的外れだからです。もちろん、何を入力するかにもよりますが、まだあまりうまく機能していないと思います。最近は、トップラインを書くためのMelodyStudioというアプリを試しました。コード進行を入力して歌詞を書くと、メロディーラインをいくつか生成してくれます。曲で使うような決定版のメロディーラインではないかもしれませんが、そこからたくさんのインスピレーションを得られるのは確かです。アイデアに行き詰まって頭をリフレッシュしたいなら、MelodyStudioのようなツールを使ってみてもいいでしょう。今のところ、使い道はそれしかないように思います。完成したステムを生成してくれる曲作りツールもたくさん見かけました。普通に使い始めている人もいますし、私はそれで まったく問題ないと思います。抵抗しても意味はありません。結局、遅かれ早かれ誰もが使うようになるでしょうから。 人工知能が、現時点ですでにあらゆるものにどれほど影響を及ぼしているか、まだ認識していない人は多いと思います。 それは間違いありませんし、今後15～20年で私たちの生活の多くの分野が変わると思います。ただ、この状況から抜け出す方法がほかにあるのかはわかりません。これほど発展してしまった以上、逃れることはできないと思うからです。新しいツールに適応して、使い始めるのが一番でしょう。音楽は単なる計算や数字などではなく、何よりも感情が大切だということは知られています。AIにはまだ生み出せないものです。ミュージシャンとして、今のところ私たちは大丈夫でしょうが、間違いなく早くキャリアを築く必要があります。 人工知能がコンサートでの演奏に取って代わることはないでしょう。コンサートは人と人との交流ですから。 そうですね。ただ、ドラムを演奏するようプログラムできて、さまざまなアーティキュレーションなどもつけられるロボットは、すでにあります。人間が演奏しているのかどうか見分けがつかないほどです。コンサートはまた別のものですが、観客がどれほどこだわりを持っているか、そしてライブにどれほど価値を感じているかにもよると思います。現在、大規模なコンサートの多く、たとえばヒップホップのフェスでは、コンソールからバッキングトラックを流し、それに合わせて生で歌ったりラップしたりしています。それは間違っているのでしょうか？正直、わかりません。それを求める観客がいるなら、それでいいと思います。今はステージで演奏する生バンドをあまり見かけません。アレンジの変化や生楽器のエネルギーに注目するリスナーがずっと少なくなっているからです。それよりも、ヘッドホンで聴いたときと同じ形で、お気に入りの曲を聴きたい人が多いのです。双方が納得していて、アーティストもその形でやりたいと思っているなら、それに反対するのは難しいでしょう。 何もありません。 最後に、もうひとつ質問させてください。今いちばん大きな夢は何ですか？ ぜひ、ようやく自分のオリジナル作品に取り組んで、主にそれに集中したいです。コンサートにも戻りたいですね。最近少し恋しくなっています。ここしばらく依頼の仕事に追われていて、自分の音楽を作ることに切り替えたいと本当に思っています。比較的効率よく取り組むつもりでしたが、いつも別のことが持ち上がるので、もう数か月も作業しています。引き出しにしまい込んだままのプロジェクトも多すぎるので、少し前に、もっと自分自身のために取り組む時だと決めました。ソングライターとして裏方に徹するだけではなく、自分のニックネームを作品にクレジットするようにしたいです。今年中に実現できればと思っていますが、無理でも来年には必ず。 IG： @leeo.wavFB： leeobeats

アンビエント、ダブテクノ、実験音楽への貢献で知られるドイツ人プロデューサー、ヨアヒム・シュピートに、音楽シーンで起きている変化や未来についての考えを聞いた。 ヨアヒム・シュピートは長年にわたりエレクトロニック・ミュージックのシーンで活動し、独自のサウンドと芸術的なアプローチで高い評価を得てきた。ポーランド、ビャウィストクで開催された素晴らしいUp To Date Festival 2023で、ヨアヒムと話す機会を得た。 ドミニク： ポーランドのフェスティバルかクラブで演奏したことは ありますか？? ヨアヒム： はい、ポーランドには何度か来たことがありますが、何年も前のことです。ドイツ語でブレスラウという街で演奏しました。ポーランド語で何というのかは、ちょっとわかりません。 ドミニク： ヴロツワフです。. ヨアヒム： もちろん、ヴロツワフですね。ずいぶん前のことです。あの会場はもうなくなっていると思います。ワルシャワにも行きましたが、会場は覚えていません。2015年でした。マティアス・フリーデルとのイベントでした。それから、コロナ禍の前にもポズナンに行きました。たしか2018年か2019年で、第二次世界大戦時の掩蔽壕であるSchronという場所でした。発音は少し違うかもしれません。ヴロツワフと同じように、戦争前はドイツの街でした。そうですよね？ 金持ちは誰も戦争に行かない。ロシアの金持ちが？いや。ウクライナの金持ちが？いや。それなのに人々には、わかった、これが敵だと言う。結局、人はみな人間なのに。 ドミニク： はい、そのとおりです。80年ほど前はドイツ領でした。ブレスラウという呼び名が、今でも元の名前として使われることがあるのは興味深いですね。たとえば明日、ヴロツワフで Breslau Techno というイベントがあります。街のルーツにちなんだ名前を使っているんです。 ヨアヒム： 僕にはその名前で言うほうが簡単なんです。それに、僕たちが今いるビャウィストクのあたりは、ウクライナ領かベラルーシ領だったんじゃないでしょうか？ ドミニク： もともとはポーランドの街でしたが、時代とともに支配が変わりました。全体として、ポーランドは西へ移動しました。国境が変わっていくのは興味深いですね。境界線は恣意的な区分にすぎませんが、人はみな人間です。今、ウクライナで起きていることを追っています。これは50年後に私たちの子どもたちが学ぶ歴史でもあります。 ヨアヒム： 政治や影響力、政府や操作、そして西側と東側の体制同士の争いの問題です。政治の次元というのはまったく別物で、人々が本当に望んでいることから切り離されている。だから、すべてがめちゃくちゃなんです。 ドミニク： 音楽フェスティバルにいるのは、まったく対極にあるものですね。 ヨアヒム： そう思います。ほとんど、あるいは常に、操作なんです。戦争は金持ちのために起きる。そして政治家たちは人々に、何が悪くて何が良いのかを言い聞かせます。その話を長く続ければ続けるほど、人々は信じ始める。それで今、こういう状況が起きているんです。今起きていることは、とても単純です。ここ数年の状況とまったく同じというわけではありませんが、原則はほとんど変わりません。武器を作る人々が金を稼ぎ、貧しい人々がほかの貧しい人々を殺す。金持ちは誰も戦争に行かないからです。ロシアの金持ちが？いや。ウクライナの金持ちが？いや。それなのに人々には、わかった、これが敵だと言う。結局、人はみな人間なのに。 ドミニク： 興味深い視点ですね。 ヨアヒム： うん、しばらく前からそう考えています。だから戦争には反対です。でも、とても難しい状況です。話し合いに戻らなければならないと思います。今、彼らに「ねえ、話し合わなきゃ」と言っても、彼らは望まない。でも結局、あと2年続けば、国全体が完全に荒廃します。そうなれば彼らも話し合うでしょう。誰が勝とうと負けようと、最後には話し合うことになります。だから、もちろんもっと早くそうなるほうがいい。それが大切です。 ドミニク： 音楽制作やフェスティバルの開催といった活動を通じて、人々に何が良いことで、何をしに行くべきかを伝える方法はありますか？アーティストとしての影響力を使って、人々に何かを伝えていますか？ ヨアヒム： そうできたらいいですね。モスクワのナイトライフにいる人たちがキーウに行って、一緒にパーティーをしてくれたらと思います。今は無理そうですが、何事にも時があります。僕たちは今ここに座っていますが、もし80年前に生きていたら、ポズナンやヴロツワフをめぐって、あるいは何をめぐってかはわかりませんが、互いに戦っていたかもしれません。でも80年後の今、僕には問題が見えません。 ドミニク： そうですね、そのとおりです。でも政治家は音楽フェスティバルに行くような人たちではありませんし、まったく違う見方をしています。 ヨアヒム： それに、彼ら自身が戦争に行くこともありません。ほかの人たちを送り込むだけです。ともかく、様子を見ましょう。 Dominic： 20年後、30年後、50年後の音楽シーンはどうなっていると思いますか？ Joachim： とても難しい質問ですね。もちろん、音楽はすでにボットなどによって作られています。年々、ますます増えています。作曲で今収入を得ている人たちの多くが、こうしたものに取って代わられると思います。ダンスフロアにいる普通の人にとっては、僕が音楽を作るのか、あなたが作るのか、それともソフトウェアが作るのかは関係ないんです。最悪なのは、すべてが自動化されてしまうことかもしれません。技術の発展には反対ではありませんが、もう人間が必要なくなるとしたら、それはひどいことです。 Dominic： そうですね。AIが今、音楽や画像、テキストや言語の処理でやっていることは驚くべきものです。間違いなく音楽制作にも影響するでしょう。人間が関わる音楽制作の参入障壁は上がると思いますか？際立ったものを作るには、より高いスキルが必要になるでしょうか？基本的なレベルなら、機械が代わりにやってくれますから。今のCDプレーヤーでのプレイのように……トラックを自動で同期させるのは簡単ですが、レコードを使って耳で合わせてプレイするのはもっと難しい。同じことが音楽制作にも言えます。AIがトラックを作ってくれるなら、本当にユニークなものを作るのはもっと難しくなります。そういうふうに変わっていくと思いますか？ Joachim： ここ数年、すでに音楽を作る人はとても多いと思います。ソフトウェアで音楽を作る人は大勢いて、ストーリーがあるかどうかに関係なく、トラックを完成させるのはとても簡単です。今の問題は、どうすれば人目に触れ、認めてもらえるかということです。 Dominic：...

都会から離れて暮らすことは、あなたの創作にどのような影響を与えていますか？ また、あるアーティストを他の人たちと区別する最大の要素は何でしょうか？ 国際的な舞台で新たな道を切り開いている、イタリア出身のアーティストVielsとともに、こうした疑問やその他の問いに答えていきます。

CosimaことVon Büloveは、ルーマニアのエレクトロニック・ミュージック・シーンを代表する人物で、「Queer Night」と呼ばれる有名なイベントシリーズを通じて、誰もが受け入れられるインクルーシブな環境づくりに大きく貢献してきました。Cosimaは、クィア・コミュニティの中で周縁化された人々が自分らしさを表現し、カミングアウトし、パーティーに集う人々から愛と支援をもって受け入れられる場を提供するうえで、重要な役割を果たしてきました。 Corp Platformの一員として、その取り組みはパーティーを企画するだけにとどまらず、積極的に差別に立ち向かい、相互理解を促し、誰もが自由に音楽を楽しみ、自分らしさを表現できる、より安全な空間を築いています。こうした取り組みを通じて、ダンスフロアの内外に変革をもたらす体験を生み出し、連帯、思いやり、多様性を祝うことを広めてきました。その活動は、性自認や性的指向にかかわらず、参加者全員が居場所を感じられるよう、既存の見方を変え、障壁を取り払い、帰属意識を育むことに役立っています。彼らの活動は前向きな変化を促すきっかけとなり、ルーマニアのエレクトロニック・ミュージックの世界に、より寛容で活気あるコミュニティを築いています。 Cosimaと話す機会を得て、より素敵なプロジェクトにつながる善意がどれほど待ち受けているかを知ることができました。このインタビューでは、未来に向けた夢や計画、考えを少しでもまとめてお伝えできればと思います。 こんにちは、Cosima。今日はお元気ですか？Undertonチームは、私たちのポータルにお迎えできてとても嬉しく思います。 こんにちは！暑くて晴れたブカレストからです。今日はとてもいい一日でした。本をたくさん読み、音楽を聴いていました。お招きいただき、こちらもとても嬉しいです。 アーティスト、音楽プロデューサーとしてのこれまでの経験や、どのように活動を始めたのかを教えてください。 原点に戻るとすれば、二つの出来事についてお話ししたいです。一つ目は、児童合唱団のメンバーとしての経験で、とても楽しかったです。ほかの人たちと息を合わせ、ハーモニーを作ることには、本当に大きな喜びがあります。もう一つは、学校から帰った午後に、家族のテスラ製ターンテーブルでモーリス・ラヴェルの『ボレロ』を何度も繰り返し聴き、最初から最後まで変化やアコースティックな要素、楽器が加わっていく様子を聞き分けようとしていたことです。同じテンポのまま延々と続いていくのに、途切れのない移行という発想が理解できませんでした。すっかり魅了されました！ 2019年にリリースされたデビューシングル『Ploaia』（雨）について教えてください。制作した理由（もしあれば）や、リリースに対する世間の反応に関心があります。 「Ploaia」はリリースの数年前に、Ion Dumitrescu（Future Nuggets）と録音しました。Ionとは長年一緒に活動していて、「Raze de soare」というバンドでも共に演奏していました。時々彼のスタジオに集まってジャムをしていて、その中から「Ploaia」が生まれました。当初はデジタルで自主リリースしましたが、その後Pingipungからレコードレーベルとして7インチ盤でリリースしないかと声をかけてもらいました。「Ploaia」は、「Raze de soare」とは異なるジャンルへの挑戦で、比率でいえば大きな成功を収めました。 Ploaia - Cosima（Future Nuggets） アーティストとしての経験を踏まえて、ルーマニアのエレクトロニック・ミュージックについてどう思いますか。今後どこへ向かい、どのように発展させられるでしょうか？ クラブシーンも含めて考えると、ルーマニアにはエレクトロニック・ミュージックに関わる小さなコミュニティがいくつもあると思います。最大の輸出文化はロミニマル・シーンで、ミニマル・テクノから、内省的な要素が薄いパーティー体験へと、ゆっくり移り変わってきました。さらに、私も参加している「オルタナティブ」なシーンがあり、会場を中心に集まった小規模なグループが、政治的な関与の度合いもさまざまなエレクトロニック・ミュージックのサブジャンルに取り組んでいます。クラブは、差別を受ける人々にとっての安全地帯でした。夜や深夜の時間帯にだけ、ありのままの自分でいる勇気を持てる人たちのための場所だったのです。だから、ハウスやテクノはクィア・コミュニティと切っても切れない関係にあります。エレクトロニック・ミュージックのシーン全体が商業志向になり、利益を追求するようになったことで、クラブを離れ、自主的に集まり、原点に立ち返る人がますます増えているのを目にします。新型コロナウイルスのパンデミックによって加速した変化のさなかにあるのでしょう。クラブの重要性が薄れ、共通の政治的立場を基盤とするコレクティブが運動の中心になっていくのだと思います。「オルタナティブ」なシーンには、私も参加しています。会場を中心に集まった小規模なグループが、政治的な関与の度合いもさまざまなエレクトロニック・ミュージックのサブジャンルに取り組んでいます。クラブは、差別を受ける人々にとっての安全地帯でした。夜や深夜の時間帯にだけ、ありのままの自分でいる勇気を持てる人たちのための場所だったのです。だから、ハウスやテクノはクィア・コミュニティと切っても切れない関係にあります。エレクトロニック・ミュージックのシーン全体が商業志向になり、利益を追求するようになったことで、クラブを離れ、自主的に集まり、原点に立ち返る人がますます増えているのを目にします。新型コロナウイルスのパンデミックによって加速した変化のさなかにあるのでしょう。クラブの重要性が薄れ、共通の政治的立場を基盤とするコレクティブが運動の中心になっていくのだと思います。 パーティーでもっと多くの人が踊っているところを見たいです！ 私たちは、 Corp コレクティブがどのように結成されたのか、その歴史や歩みを形づくり、現在の成果につながった過去の経験について、とても興味があります。 私は内気で、自意識が強かったので、特に慣れない環境ではステージに立つことがとても難しく感じられました。地元でDJをしている女性はほとんどいないように見え、それが不安をさらに強めました。それから、 Chlorys と Aron（Admina） Queer Nightのブッキングを通じて、私たちはステージ上とステージ外におけるジェンダー表現の状況を何とかしたいと考えました。女性やノンバイナリーの人々が参加しやすくなるように、あるいは少なくとも、私たち自身のパーティー以外にも、より安全な場をつくる可能性を開きたいと思ったのです。そして、このムーブメントの本来の背景、つまり、そのすべてをクィアの黒人・ラテン系コミュニティに負っているという事実に光を当てたかった。こうして2016年にCorp.が誕生しました。 https://soundcloud.com/black-rhino-radio/corpcast-w-chlorys-von-buelove-7th-october-2021?si=0bc3df64ec034b9aab4a2d82b4758bc6&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 現在取り組んでいるプロジェクトは何ですか？もう少し詳しく教えていただけますか？ここ数年、音響に情熱を注いでいて、兄のMihneaと一緒に、オーダーメイドの音楽制作スタジオを設計・施工しています。今は音響の講座を正式に受講し、この分野をさらに深く学んでいるところです。とてもわくわくしています！ 新しいホットなキャスト、ミックス、トラック、リリースなど、ぜひ教えてください。最新のワクワクする音楽を聴くのを楽しみにしています。今はクラブ向けに、ミックスと生声を組み合わせたハイブリッドセットに取り組んでいます。近いうちにお披露目できると思います！ いいですね、楽しみにしています！ とても興味深いあなたのペンネームの由来も 気になります。私はCosimaと名付けられました。ワーグナーの妻で、リストの娘にちなんだ名前です。彼女は別の夫の一人にちなんで、Cosima von Bülowと呼ばれていたこともあります。その姓を冗談で借り、そこに「愛」という要素をもうひとつ加えて、この有名な一族の疑わしい関わりから意味をずらしました。 本当に素敵ですね！ ルーマニアの「Queer Night」についても話しましょう。とても大きな活気と高揚感をもたらしてきました。でも、ひとりの人だけの話ではありません。「Queer Night」を支えるチームについても、ぜひ知りたいです。そして、ここからが気になるところ。シーンで過ごした、素晴らしい10年間の歩みには、どんな物語があるのでしょう？ 私たちは、LGBTQ+の地域コミュニティに向けたイベントが不足していると感じ、その状況への応答として2010年にQueer Nightの開催を始めました。パーティー自体と最初のチームは、「Candidatura...

音楽と写真を通じて、Henriiは想像力に限界のない世界への扉を開く。メロディーとビジュアルが絡み合い、驚きの感覚を呼び起こす世界だ。芸術活動に加えて、Henriiは動物と意思疎通できると語り、自然界とのつながりをさらに深めている。間近に迫ったUp To Date Festivalのステージに立つ準備を進める彼女とともに、Henrii Havaasの並外れた人生と創造的な精神をたどる旅に出よう。 オスロ生まれとのことですが、子ども時代はどのように過ごしましたか？また、それはあなたの芸術活動にどのような影響を与えましたか？子どもの頃は、いろいろな活動を試したり、世界中を旅したり、オスロやデンマーク南部のさまざまな地域に引っ越したりして過ごしました。父方の親族はみんなノルウェー北部に住んでいたので、毎年夏になると一人で飛行機に乗って遊びに行き、祖父母の家に滞在していました。 子どもの頃、ヨーロッパやアジア、北米、南米を旅しました。だから、新しい人々と出会うことや、今のように音楽とともに旅をすることが大好きなのは、ごく自然なことだと感じます。私の家族では、気持ちを分かち合うことはあまり大切にされていませんでした。だから、さまざまなジャンルの音楽を見つけて聴いたり、ピアノを弾いたり歌ったりすることが、私にとっての入り口になりました。音楽と写真は、自分を表現し、生きている実感を得て、人とつながり、起こることすべてを受け止めるための手段です。これなしでは生きていけません。本当に素晴らしいことです。 そのようにして、子ども時代をいつまでも保てるものを見つけたのだと思います。芸術をするというのは、自分の考えや気持ちをそこに込めること。そして、その見返りとして豊かなアイデンティティを得ることです。 その通りです。芸術的なことをする喜びや充実感を見つけることは、これからもずっと私の中に深く根付いている美徳です。だから、自分のことを人生を芸術とする人だとも思っています。機会を生かして何かを創り、コミュニティに貢献する人です。私にとっては、アンビエント音楽を楽しむお泊まり会を主催することも、自分の楽しみのためにシャーマンドラムを叩くことも、それに当たります。結局のところ、置かれた環境を最大限に生かし、生きることを芸術にし続けるべきだと思っています。 あなたの写真には、神秘的な場所や動物、人々がたくさん写っています。写真を撮るときの創作プロセスについて教えてください。特定の場所を探して出かけるのですか？それとも、たまたまそこにいたときに、その瞬間を捉えられるのでしょうか？ 私の写真に目を留めてくれてありがとう。ストーリーテラーとして、カメラのレンズの前や後ろに広がる世界と対話するのが好きです。時間を忘れて、詩的な眼差しで写真を撮るのが大好きです。新しい場所を探すことは、これからもっとしていきたいと思っています。まるで場所の宝石のようなところを見つけるのは素晴らしいことです。友人が、訪れてみるといい場所を知っていることもよくあります。 動物と意思疎通できますか？ ポメラニアンを飼っていて、いつも一緒に意思疎通しています。でも、ほかの動物とも意思疎通できると思いたいですね。 あなたの音楽スタイルは、深みがあるように聴こえるので、写真の反映のように感じますし、魔法のようでもあります。そうでしょうか？ 自分の音楽スタイルについて話すのは、あまり得意ではありません。そこはあなたが解釈することだと思います。私が創り、共有するものがあなたに何かを感じさせるなら、できれば良い気持ちであれば、それだけで私には十分です。深みがある、魔法のようだというのは、素敵な言葉ですね。だって、人生や個人的な営みは、私に言わせれば本当にかなり深いものですから……。この複雑な世界で魔法のような瞬間を生きられるのなら、音楽を通じてそれを実現できていることに、とても感謝しています。 分野を問わず、ほかのアーティストから影響を受けることはありますか？ もちろんです。さまざまな種類の音楽をたくさん聴きます。アコースティックも電子音楽もです。美術展に行ったり、自分の内面の世界に響く音を聴いたりすると、もっと意欲が湧き、心が落ち着きます。 https://soundcloud.com/henriiiii?utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing では、あなたの芸術的な創造性に最も大きな影響を与えた出来事は何でしたか？ 2017年にOzoraで初めてアンビエントのセットを演奏しないかと声をかけられたことです。クラシック音楽のバックグラウンドと結びつけながらアンビエント音楽を探求することに、ものすごい創造性を感じました。音楽の構成を体系的に理解する力を持ちながら、その構造を感情のこもった音へと溶け込ませ、新しい形で音楽の旅を共有することを探求できると、素敵な魔法が起きるのです。 確かに、クラシック音楽は作曲の基本的なルールを理解する助けになりますね。では、アーティストであることの難しさは何ですか？ 私にとってはいくつかあります。心の筋肉を健やかに保つことが課題のひとつです。深夜のライブがあると、睡眠のリズムを整えるのが難しくなることもあります。また、自分を売り込んで出演依頼を募ることにも、抵抗を感じます。素晴らしいクラブやフェスティバルで演奏する機会に恵まれてきましたが、その点でももう少し自分を奮い立たせて、もっと挑戦したいと思っています。 フェスティバルとクラブでは、どちらで演奏するほうが好きですか？ フェスティバルはいつも大好きです。人々も、会場も、雰囲気も本当に素晴らしい。だから、初めてポーランドを訪れ、Up to Dateに参加できることをとても楽しみにしています！ 私も今年、Up To Date Festivalに参加できるのを楽しみにしています。あなたがプレイするとき、魔法のような写真を撮らせてください。もちろん、よければね 🙂 もちろんいいですよ 🙂 フェスティバルの素晴らしいクルーとつながれたことがとてもうれしいですし、みんなと楽しい時間を過ごせるのを楽しみにしています。 ご自身の活動のどんなところが一番好きですか？また、今後の予定を教えてください。特定の分野でスキルを伸ばしたいと考えていますか？ 一番楽しいのは、そこから生まれるさまざまな刺激です。私にとって最高の薬のようなもので、自分らしくいる練習にもなります。今後は、サウンド制作をもっと手がけたいと思っています。私はノンリニア・ムーブメント・メソッドの講師です。これは、目を閉じて手と膝を床につき、特定の順序で選曲された音楽を聴きながら行うソマティック・プラクティスです。クラスで教えるときに使う、自分自身の音楽の旅を制作し、デザインしたいと思っています。素晴らしい実践で、さまざまなリズムや音楽のムードを通して、自分の身体の中へと入っていきます。 インタビューをありがとうございました。あなたのようなとてもユニークなアーティストにお会いできて光栄です。 Henrii Havaasの公式ページ： https://www.henriihavaas.com/

オーストラリア出身のDJ、プロデューサー、レーベルオーナーであるNite FleitがUndertonのサイトを訪れ、新作EP「Nightmare at 20.000 Feet」について語ってくれた。さらに、創作のプロセスやアーティストとしての歩み、アンダーグラウンド音楽シーンでの経験についても話してくれた。現在の音楽業界についての示唆に富んだ考えや、未来への希望も聞かせてくれた。 オーストラリアからヨーロッパに移ったのはいつですか？この決断は音楽キャリアの発展に関係していたのでしょうか？今は主にどこで過ごしていますか？ 初めてのEPのツアーで、2018年7月にオーストラリアから出てきました。数か月だけ滞在するつもりでしたが、ヨーロッパでは国同士が物理的に近いため、世界有数のクラブでプレイする機会がずっと多く得られると、すぐに気づきました。だからといって、オーストラリアでプレイするのが好きではないということではありません。才能あふれるアーティストがたくさんいる素晴らしいシーンがあり、行けるときには戻るのが大好きです。今はシチリアで過ごしています。 初めてのEPをリリースする前は、どのように過ごしていましたか？クラブでのプレイに重点を置いていましたか、それともプロデュースや音楽業界での人脈づくりに力を入れていましたか？ いいえ、実際は逆でした。フルタイムで働いていたので、仕事以外の起きている時間はすべて、プロデュースを学ぶことに費やしていました。プロジェクトに取り組んだり、新しいテクノロジーや工程、スキルを学んだりするときは、完全に没頭するのが好きです。つまり、気が散るものを排除し、途切れない時間を確保すること。いわゆるフロー状態に入ることです。こうして取り組んでいると、より創造的になり、しっかり集中できると感じます。 Umweltとの最近のEP『Nightmare At 20.000 Feet』、最高ですね。Umweltとのコラボレーションはどのように始まり、このEPの制作はどんな感じでしたか？ ありがとう、最高でしょ？New Fleshからリリースする話をしていたら、彼から一緒にリリースするのはどう思うかと聞かれて、もちろん大喜びで引き受けました！とてもスムーズでした。お互いにステムを送り合い、相手のステムをもとにそれぞれ作業して、最後に仕上げをして完成。それだけです。Umweltとの制作は本当にやりやすかったし、私たちが作り上げたものもとても気に入っています。 https://soundcloud.com/newfleshrecords/nite-fleit-umwelt-nf27 親しい関係を築いてきたDJ／プロデューサーには、ほかにどんな人がいますか？ 実は、ほとんどの人と親しくなります！誰かをうっかり挙げ忘れるのが怖くて、リストを書くのは避けています。でも今、いくつかのプロジェクトで本当に素晴らしい人たちと一緒に取り組んでいるとは言えます。 Undertonはヴァイナル好きです。今、ヴァイナルでプレイすることについてどう思いますか？15年前には 当たり前だったことが、今では若いDJにとってより珍しいスキルになっています。アナログの音楽メディアとして、あなたにとってヴァイナルとは何ですか？ オーストラリアを離れてからレコードではプレイしていません。ターンテーブルもレコードも置いてきたので。レコードでプレイするのは大好きですし、またコレクションを増やせばプレイしたいと思っています。でも今は、機材をあちこち移動させることを考えると、しばらくは無理そうです。 あなたに影響を与えているアーティストのトップ5はいますか？ リストから誰かを漏らしたくないので、これは難しいですね！過去に一緒に仕事をした人たちは皆、私に大きな影響を与えてくれましたし、今一緒に取り組んでいる人たちもそうです。こちらはまだ秘密です、ごめんなさい！一緒に仕事をしてみたいアーティストには、Marie Davidson、Kelly Lee Owens、Kittin、Exaltics、Louisaaah、Maelstrom、Zeta Reticulaがいます。 近い将来、音楽制作／DJ業界はどのようになっていくと思いますか？リスクやチャンスはあるでしょうか？ 未来については楽観しています。音楽制作ソフトや機材がより手に入りやすくなることで、多様な背景を持つアーティストが自分の音楽を制作する機会が生まれると思います。高価な機材やレコーディングスタジオへのアクセスが必要といった、業界に入る際の従来の障壁を取り払う助けになるでしょう。実際に音楽を作れる人が増えれば、これまで十分に取り上げられてこなかったコミュニティ出身のアーティストの存在感が高まり、より多様な人々が表舞台に立つことにつながります。 とても重要なのは、多様性を中核に据えることだと思います。マネージャー、エージェント、サウンドエンジニア、レーベルオーナーなど、音楽業界を形づくるあらゆる職種で多様性を実現することです。さまざまな人々が意思決定に関われば、それぞれ独自の視点や経験を持ち寄ることができ、より包摂的で革新的な取り組みにつながるため、ここに重点を置くことが鍵だと思います。また、すべてのアーティストにより多くの機会と支援を提供し、成功に必要なリソースやサポートを得られるようにすることにもつながります。 私が考えることの一つは、ソーシャルメディアが創作活動に与えるプレッシャーです。質より量を重視する風潮によって、アーティストは技術を磨き、より思慮深く複雑な作品を生み出すために時間をかけるのではなく、絶えず新しい作品を作って共有しなければならないと感じることがあります。さらに、ソーシャルメディアのアルゴリズムは、特定の種類のコンテンツをほかより優先するため、多様な声やスタイルが人々の目に触れる機会を狭めることがあります。また、ソーシャルメディアでの自己宣伝やパーソナルブランディングに時間とエネルギーを費やすことで、創作そのものに充てる余裕がなくなることもあります。アーティストは、オンラインで特定のイメージやペルソナを保つようプレッシャーを感じるかもしれません。だから私は、集中が必要なプロジェクトに取り組むときは、なるべくスマホを見ないようにしています。 以前ポーランドに来たことはありますか？こちらに来ることについて、どう感じていますか？ はい、実は2018年にグダニスクのUlica Elektrykówでプレイしました。最高でしたし、2019年にはワルシャワのSmolnaでもプレイしました。あの公演では素晴らしい人たちにたくさん出会えましたし、観客も最高だったので、また戻ってこられるのがとてもうれしいです！皆さん本当に素敵で、エネルギーにあふれています！ 「Under…」という言葉を完成させてもらえますか？ 私は「地の下」、オーストラリアの出身です！ https://www.youtube.com/watch?v=_KlvpRSSU8A&t=2691s 最高の夜を一緒に楽しみましょう。Nite Fleitと一緒に、素晴らしい腕前のDJたちと最高にホットなビートをお届けします。この一度きりの イベントをお見逃しなく!

今日は、電子ドラム（Nord Drum 3p）がいかに楽しく情熱的なものかを教えてくれるアーティストをご紹介します。ヴィクトルは、驚くべき才能を持つドラマーです。これ以上は言いません！どうぞお楽しみください！ あなたのアーティストとしてのコンセプトは何ですか？ ヴィクトル：グルーヴとサウンドデザインに夢中です。いつも新しいアイデアで頭がいっぱいです。僕のInstagramページ「nord.drummer」では、ドラムシンセがどんな音を出せるのか、毎日新しい動画を投稿しようとしています。ユーザーバンクも無料で共有しているので、同じ「感染症」にかかった人たちのコミュニティを作ることが主な目標です。 🙂 でもライブで演奏するときは、グルーヴに合わせて人々がどう動くかを見るのが好きです。ダウンテンポでも、ダンスミュージックでも、みんなが夢中になって踊るような曲でも。いつ、どのように音楽と出会いましたか？ ヴィクトル：音楽に関する最初の記憶は、3歳くらいの頃、おばがマイケル・ジャクソンを聴いていたことです。床で、ベッドで、ソファの上で踊っていました。それ以来、ずっと踊るのが大好きです。子どもの頃、両親はいつも周りでたくさんの音楽を流していました。クラシックも、ポップも、ロックも、テクノも、何でもです。ティーンエイジャーになった頃、自分はいつもリズムに意識を向けていると気づきました。当時の僕にとって、音楽で最も大切なのはリズムでした。グルーヴが素晴らしい音楽が流れると、体全体が踊り出しました。ちょうど21年ほど前、ドラムを習うために地元の音楽学校に入れてほしいと母に頼みました。母は、この熱意も3日で終わると思っていましたが、僕は夏休みに働き、初めての給料でドラムセットを買いました。古くて、かび臭く、ぼろぼろのチェコスロバキア製ドラムセットでしたが、本当に大好きでした。その年の後、僕は 初めてのバンドに入り、初めてのライブを経験しました。ドラムを叩くことは一生の愛になると分かっていました。 創作のプロセスでは、どんな楽器を使いますか？ ヴィクトル：そうですね、場合によります。メインの楽器はNord Drum 3Pというバーチャル・アナログ・パーカッション・シンセサイザーで、素晴らしいシンバルやたくさんのパーカッションを備えたアコースティック・ドラムセットも持っています。いろいろな方法で作業します。グルーヴから始めることもあれば、メロディーから始めたり、ランダムなコードを生成したり、Yamaha Reface CPを弾いて何かが生まれるのを試したりすることもあります。でも、たいていはNord Drumを使い、アコースティック・ドラムのVSTiと重ねています。それに、VSTシンセや鍵盤楽器なども使います。何に取り組んでいるかによって、本当に変わります。 ほかに、どんな芸術活動を楽しんでいますか？ ヴィクトル：グラフィックデザイナーとして卒業しました。アンビグラムやロゴを描いたり、名刺をデザインしたりするのが好きです。以前はウェブサイトもデザインしていました。写真も撮っていましたが、カメラよりドラムにお金を使うほうを選びました。絵を描くのが好きで、絵画も習ってみたいです。ミキシングやマスタリングも好きです。子どもたちのためにカズーを吹くのも本当に楽しいです。息子と一緒に学校の合唱団に入っています。合唱団のために音楽制作もしています。それから、ジャムセッションに行くのも好きです。 これまで参加したイベントで、最も楽しかったのはどれですか？ ヴィクトル：ハンガリーにはストリートミュージックの大きなフェスティバルがあり、去年の夏、僕たちのバンドはメインステージで演奏するよう依頼されました。光栄で、とても楽しかったです。リトアニアのカウナス・ジャズ・フェスティバルや、セルビアのノヴィ・サド・ジャズ・ストップス・フェスティバルでの演奏も楽しかったです。この3つの都市は、いずれも欧州文化首都でした。人々はとても親切で、旅は愉快で冒険に満ちていました。ECCのイベントは国際的な催しで、いつもさまざまなアーティストが集まるので、本当に楽しんでいます。 私たちに紹介したいプロジェクトはありますか？ ヴィクトル：Kijubeというバンドをやっています。ファーストアルバムを制作中です。きっと素晴らしい作品になります。ドラマーとしてのページ以外では、それが僕の主なプロジェクトです。KijubeはSpotifyで聴けます。 https://open.spotify.com/artist/4gMG1Pdqy4YNPtxiaj50sY 楽器としてのドラムの、最も好きなところは何ですか？ ヴィクトル：まず、ドラムは曲のメインのグルーヴを作るのに最適です。それが人々を踊らせるものです。そしてドラマーは、周波数スペクトルの全域を担っています。低音はバスドラム、中低音域はタム、スネアは中音域を支配し、シンバルは高音域を担当します。ドラマーはバンド全体の中でも音を通して聴こえます。ドラムやシンバルを叩いたときの感触も大好きです。とてもダイナミックで、ドラムからスティックを通じてエネルギーが跳ね返ってくるんです。絶え間ない流れです。 これを一生続けたいと思いますか？ ヴィクトル：最大規模のバンドのひとつ（11～12人編成のファンクバンド）が解散した後、一度ドラムをやめたことがあります。ドラムセットまで売ってしまいました。愚かな考えは2週間も続きませんでした。その後、もっと良いドラムセットを買い、新しい曲を書き始めました。だから、僕は一生ドラマーでいると思います。 本日インタビューをさせてくれたヴィクトルに心から感謝します。ぜひ彼のソーシャルメディアやデジタルプラットフォームをフォローしてください。 Instagram：@nord.drummer

人生で初めて作った曲が、いきなりヒット。よく知られた格言にあるように、「偶然？ そうは思わない。」ここに関しては、まさにその通りだと認めざるを得ない。さらに、デビューアルバム「Miraże」は数日前、「今年のオルタナティブ・アルバム」部門でPopkilleryにノミネートされた。創作の方法や歌の学び方、夢について、Arneが語ってくれた。 音楽に夢中になったきっかけは何ですか？ 昔から音楽を作りたいと思っていました。次々と新しいアーティストが登場しているのは見ていましたが、そもそも何から始めればいいのかわかりませんでした。音楽学校に通ったことはなく、音楽に関わる経験といえば、学校のバンドでジェンベを演奏したことくらいです。それでも夢はありましたし、家族がいないときに、当時手本にしていた何人かのアーティストを参考にしながら、家で声を磨いていました。こうして歌を学ぶのに、試行錯誤を重ねながら5年ほどかかりました。ジャンルについては、ほとんど何でも聴いていました。レゲエやラップから、ヘヴィなメタルサウンドまで。いわば、飛び出す瞬間に備えていたんでしょう。「Poranna rosa」は、実は自分が初めて作った曲でした。その頃は、曲作りに対する姿勢も今とはまったく違っていました。今はたいてい、メロディーをつけずに家で歌詞を書きます あるいは、たまたま耳にしたものから、何かシンプルな音楽的要素を拾い上げます。それからRamzes（Mateusz）のところへ行って、歌詞に合わせてメロディーを口ずさみ、その後、お互いのその曲に対するイメージをぶつけ合って、折り合いをつけていきます。基本的に、どの曲もそうやって作っています。 そういうやり方で曲を作ることを、どう感じていますか？ 絶えず実験するというやり方で、何よりも自由を感じています。「Poranna Rosa」の後は、2人目のKamil Bednarekになってしまうのでは、という考えに悩まされました。もちろんKamil本人に何か思うところがあるわけではなく、ここで言いたいのは、人々が僕を押し込め始めたスタイル上の枠のことです。そこから抜け出そうとして、曲の形を実験し始めました。今では、ほかの作り方は考えられません。前のヒットを繰り返して、その恩恵にあずかろうという人もいますが、僕にはそんな気持ちもありません。そうしたら、自分自身に対して嫌な気持ちになると思います。スタジオに入るとき、曲について具体的な計画は立てません。作っているうちに、計画はほとんどいつも変わってしまうとわかっているからです。たとえば「Diamenty na zębach」はジャズっぽい雰囲気にするつもりでしたが、実際にはバンガーになりました。アルバム「Barwy」についていえば、最初はまったく別の構想を持っていました。もちろん「Miraże」の続編ではありますが、 もっとずっと肩の力を抜いた作品になると思っていました。アルバムの中盤はそうなっていますが、それ以外はまったく違う方向に進みました。制作中に人生の荒波に揉まれ、内に溜め込んだ怒りをすべて作品にぶつけたからです。その結果、「Miałem nie palić」「Z małej wioski」「Nieposkromiony」のように、攻撃性が中心的なテーマになった曲が生まれました。もちろん、誰もが気に入るとは限りません。でも、音楽が何の感情も引き起こさないより、たとえネガティブな感情でも呼び起こすほうがいいと思っています。 https://www.youtube.com/watch?v=tayxPF7vmRo&ab_channel=RamzesRecords. 今回、初めてこういう一面を聴けた気がします。「Miraże」を聴いていると、かなり穏やかな人という印象を受けました。 「Miraże」は、僕の側でかなりおとなしくまとめていたと思います。ネガティブな感情はすべて、ジョイントを吸う気のいい青年という仮面の下に隠れていました。時間が経つにつれて、そのことをとても悔やむようになり、そうした感情を表に出すことへの恐れが勝っていました。ある時点で、ただ自分の感じるままに身を任せたんです。今、全体を振り返ると、自分が踏み出した一歩をうれしく思います。2年近くの間に大きく成長したと感じるからです。まだ学ぶことが山ほどあるのもわかっていますが。 では、「Barwy」は、あなたの内側から湧き出るものをより反映していると思いますか？ そうだと思います。ただ、雰囲気にもっと一貫性を持たせて、表現されている攻撃性が曲を追うごとに少しずつ高まっていくよう、いくつか変えたいところはあります。いずれにせよ、アルバム『Barwy』は、極端な喜びや優越感から、後悔や落ち込みに至るまでの、さまざまな心の状態、つまり段階を表しています。そこはなかなかうまく表現できたと思います。前にも話したように、以前は別の一面を見せるのが怖かったのですが、今は人生の中で、自分自身や自分の表現、そして伝えたいことをますます自覚できる段階にいます。最近は、かなりロックやパンク寄りの雰囲気にも挑戦し始めました。フルアルバムを作るかどうかはまだ分かりません。今のところ、そうなりそうな気配はありません。でも、いずれはEPを出して、あらかじめ決めたコンセプトに縛られずに曲を作りたいです。ほんの数か月前までは、アルバムの枚数なども計画していましたが、その計画はやめました 。ただ完全に気楽に、自由に作りたいからです。 もう手放した計画の中では、これからもRamzesとアルバムを丸ごと作っていくつもりだったの？　すごくうまくいっているけれど、さっき言っていたように、君は実験するのが好きだよね。 もちろん、ほかのプロデューサーとも仕事を始めたいと思っていました。たぶんいずれそうなるでしょうし、選択肢もたくさんあります。でも正直なところ、今のところはRamzesと作るのが一番しっくりきます。スタジオではすべてがとても自然に生まれて、その時々に感じている感情を録音できます。完成したビートに合わせて書くと、すごく制約を感じます。たとえば、その瞬間に怒りを感じていたとしても、それを前もって計画しておくのは嫌なんです。それにMateuszとはとても相性がよく、音楽の方向性についても似たビジョンを持っています。 少し話題を変えて、『Poranna Rosa』のことを聞きたいんだけど。リリース後、君の人生はかなり変わっただろうと考えられるけれど、本当にそうだった？ 最初は間違いなく、少し浮かれていました。世界の王様になった気分というわけではないですが、しょっちゅう誰かが近づいてきて話しかけてくるのは、興味深い経験でした。そのうち写真を撮られるようにもなりました。まあ、毎日起きることではないですよね。ましてや、それまでほとんど知られていなかった男にとっては。残念ながら、楽しかったのは最初だけで、全体としては良いことより悪いことのほうが多かったです。いろいろなことが一度に押し寄せてきて、かなり混乱しました。でも、一曲だけの熱狂が落ち着いた後、いろいろ考える時間ができました。頭の中ではだいたい整理できましたが、人々の反応には今も慣れている途中だというのは隠しません。 それで、その頃にRamzesと本格的に親しくなったの？ そもそもRamzesと知り合った経緯は、なかなか面白いんです。最初に、自分の初めての曲、つまり『Poranna Rosa』の歌詞を書きました。「Pacifica」のビートを二つか三つ見つけて、同じような気楽な雰囲気を感じられるものを選びました。携帯電話でボーカルを録音して何人かに送りましたが、正直、何か反応があるとは思っていませんでした。ところがある日突然、Ramzesから電話がかかってきて、歌のレッスンや音楽学校に通ったことがあるかと聞かれました。短い会話の中でスタジオに誘われ、経験もなかったのに、思いがけないヒットを作ることになりました。笑えるかもしれませんが、最初は緊張で、スタジオに入っても挨拶するのさえ怖かったんです。今はまったく違います。自分の家に帰るような気持ちでスタジオに入りますし、音楽を作るだけでなく、いろいろな話題について何百万通りもの話をします。自分のキャリアが進んだ方向には満足しています、 ただ、『Poranna Rosa』の成功の後にチャンスを逃した、と何度も言われてきました。あれほどのヒットの後に再生回数が落ちるのは自然な流れです。流行りのものを出して一見のリスナーをつかむより、着実に地位を築き、聴いてくれる人を増やしていきたいんです。唯一つらいのは、ほかの作品がたった一曲の影に覆われてしまっていることです。 自分の最大のヒット曲に一生縛られる人は、君が初めてではないと思う。とはいえ、そもそも世に出るきっかけになるヒット曲があるのはいいことだよね。 正直に言うと、それは祝福であると同時に呪いでもあります。そのせいでつらい思いをしたことがたくさんあるのは事実ですが、一方で、ほかの曲はたいてい温かく受け入れてもらえています。「Poranna Rosa」がなかったら、ここまで広く届かなかったかもしれません。市場がどんな状況かはよく分かっています。アーティストが飽和状態で、本当に頭角を現すのが難しいんです。再生回数が落ちたことは自覚していますが、僕の新作をその都度チェックしてくれる人たちの輪ができているのを感じます。すごくうれしいですね。みんなに届かせることにこだわっているわけではありません。自分のやりたいことをやって、そのうえで、ハイタッチしたりビールを飲みながら話したりできるリスナーの仲間がいてくれればいいんです。 君の音楽には自然体なところも感じられるんだと思う。 もちろん、ビジネスはビジネスですが、音楽を楽しむ気持ちも常に伴っていなければならない、というのが僕の考えです。その時点で自分がしっくりこないものは、無理に作りません。「Barwy」を制作している間に、どうもしっくりこない曲が2曲できました。いわゆるお蔵入りになって、第二の人生を待っています。アルバムに入れる曲を選ぶときは、全開のバイブスで作ったものだけを考慮しました。この点で、Tymekの作品がすごく好きなんです。彼のサウンドや形式の実験は、僕にとって本当にスケールが大きい。そして何より、クラブ／ラップの枠から飛び出していて、それが僕のさらなる探求への刺激になっています。 そういう姿勢なら、型にはめられずに済みそうだね。 そうですね。それがたぶん一番よくないことです。Szpakuの音楽をたくさん聴いていて気づいたのですが、彼はいつも重いテーマを扱うラッパーだと人々に分類されていました。そこから外れようとしてChillwagonに加わったとき、人々は彼を袋叩きにしようとしました。こうした絶え間ないレッテル貼りと、彼に向けられたヘイトの連鎖を見て、いろいろ考えさせられました。音楽面でも歌詞面でも多様であることが、自由への鍵だと気づいたんです。 OkiやSobelにも当てはまるケースだね、 彼らは曲を出すたびにスタイルが違う。 そう、それがすばらしいんです。彼らは最初からいろいろなことをしてきたのだから、何も責められません。アーティストをそうやって縛るのもよくないと思います。肩の力を抜いた曲にも、ちゃんと存在意義があるべきです。結局、音楽はさまざまな場面で人に寄り添うものですし、いつも真面目な曲を聴きたいわけではありませんから。 最後に、ここに招いたゲスト全員に聞くことにしている質問をさせてください。今の君にとって、最大の夢は何ですか？ ちょっと感傷的に聞こえるかもしれませんが、年を取ったときに、ただ充実して幸せな人間でありたいです。人生でやりたいと思ったことをすべてやった、と分かったうえで死にたいですね。 つまり、おじいちゃんになって、ロッキングチェアに座って…… ……タトゥーだらけの大麻農家としてパイプに火をつけて、「昔はよかったな」と言うんです。（笑） IG: @arnemusic_ FB: arnemusicofficial

ベルリンで長年暮らし、活動しているラッパー、Laro KisことPersilが、初のソロアルバム制作の舞台裏を明かし、今後の展開について語る。Undertonのための特別インタビューをお届けします。 Dominic：初のアルバム 『FELCZER』 がリリースされたばかりですね。おめでとうございます！制作にはどれくらいかかりましたか？このアルバムに込めたメッセージについて聞かせてください。 Persil： アルバムというには大げさかもしれません。いわばマイクロアルバムで、マイクを手にしたテスト、次のリリースに向けたウォームアップのようなものです。収録時間は19分です。マイクロアルバムは2022年5月の第1週に制作し、10月にAugustynからミックスとマスタリングを受け取りました。録音、アレンジ、ミックス、マスタリングを合わせて、制作には約2か月かかりました。 メッセージはとてもシンプルです。私たち、愛、平和、仕事。 Dominic：ラップを始めてどれくらいになりますか？制作にはどれくらいの時間を費やしていますか？ Persil： 物心ついた頃からラップをしています。音楽との冒険の始まりや、過去の作品の大半はハードディスクの中で朽ちています（そして、それがふさわしい場所だと思います）。 もしかしたら、いつか日の目を見るかもしれません。 家族が増えて、趣味に使える時間はあまりありません。でもそのおかげで作業環境を最適化できました。毎日少しでも音楽に時間を割くようにしていて、スケジュールに余裕があるときは、当然ながら自宅のスタジオでより多くの時間を過ごしています。 Dominic：ベルリンに定住されていますが、制作にはどのような影響がありますか？ Persil： 家族がいる人にとって、この街はよく整備されています。時に騒がしすぎますが、湖に行ける公園がたくさんあります。ベルリンはどの大都市もそうであるように、匿名でいられる広い空間を提供し、観察する余地もたくさん与えてくれます。匿名の大群というスケールの大きさにもかかわらず、ここでは気の利いた人間関係を築きやすく、とても心地よく感じています。 Dominic：あなたの音楽の現在のジャンル／サブジャンルをどう定義しますか？ Persil： へへ、「音楽」ですか。ラップ／スポークンワード／バックグラウンドミュージックですね。 Dominic：海外やポーランドで、特にインスピレーションを受けたり、制作の仕方に影響を与えたりしているクリエイターはいますか？ Persil： 世界中のいろいろな曲を聴いています。こういう音であるべき、こう作るべきという特定の指針はありません。でもラップについて聞かれたなら、刺激を受けるのはポーランドの若い連中や、島々のベテラン、アメリカの昔ながらのドビーたちです。自分なりのアイデアを持っていて、やり方はひとつではないと示してくれます。 Dominic：ラップ以外に、エレクトロニックやジャズなど、ほかのジャンルのプロジェクトにも参加していますか？ ハウスやジャズの曲を録音できたらうれしいですね。いつも新しい経験になりますし、コラボレーションには前向きです。 Dominic：前へ進むための主な動機や原動力は何ですか？ Persil：一番惹かれるのは、手に入れたウサギではなく、ウサギを追いかけることです。つまり作品そのものではなく、創作の過程ですね。スタジオで作品を作ること自体と、それに伴う感情が何より魅力的です。 Dominic：ライブで聴ける機会はありますか？今後その予定はありますか？ オープンマイク／スラム／スポークンワードといったイベント、つまりライブ・ポエトリーのようなものに出演してみたいです。ライブアクト――人間対ビットマシンのようなものも考えています。 Dominic：お話を聞かせてくれてありがとう！新しい（マイクロ）アルバムをぜひ聴いてみてください。 Spotifyで聴ける『FELCZER』： https://open.spotify.com/artist/1wnyDMWr0d5wAE3PW7AWXW Soundcloud： https://soundcloud.com/larokis Instagram： https://www.instagram.com/persil183/

今日はNygmV（発音：ニグマ）を迎えてお届けします。ベネズエラ出身のDJ兼プロデューサーで、カラカス生まれ、サン・アントニオ・デ・ロス・アルトスで育ち、現在はアメリカ合衆国シカゴ在住です。ラップのビートに乗せたフロウとメロディーが満載のこのインタビューをお楽しみください。 Astrid：音楽に興味を持ち始めたのはいつですか？ Nygmv：ありきたりに聞こえるかもしれませんが、音楽への興味は幼い頃に始まりました。ファルコン州プント・フィホで育ち、そこにはターンテーブルがありました。最初に手にしたレコードは、Juan Corazon、Poppy、そして『ミュータント・ニンジャ・タートルズ2』のサウンドトラックでした。その後、父が移住する前に残していったレコード・コレクション（父はトリニダード・トバゴ生まれで、アメリカへ移住）を見つけ、レコード店に行ってCDを買うようになりました。でも、本格的に興味を持ち始めたのは20歳の頃だと思います。 Astrid：あなたにとってヒップホップとは何ですか？ Nygmv：ヒップホップを定義するなら、論争や重複を避け、純粋主義に陥らずに理解すべきだと思います。僕にとっては、現代を生きることから生まれ、社会的な広がりを持つ芸術表現（視覚、映像、口頭、音楽など）の集合体であり、娯楽や政治なども含みます。 Astrid：最初にフュージョンをしたアーティスト、またはクルーは誰ですか？ Nygmv：最初のフュージョンは、サン・アントニオ・デ・ロス・アルトスのオルタナティブ・バンド「La Cuestión」に参加したときです。当時は今よりラップをしていました。今はDJとプロデュースにより力を入れているので。その後、グラフィティ・アーティストのクルーJMC（多色のジハード）に加わりました。あまり活発に活動を続けることはできませんでしたが、つながりは保たれました。それ以来、主にベネズエラ、メキシコ、コロンビア、アメリカのシーンのクルーやアーティストとコラボし、関係を築いてきました。 Astrid：近々予定していて、私たちに紹介したいプロジェクトはありますか？ Nygmv：プロジェクトはもうすぐです。ついに『Nyctophilia』というビートテープ（インストゥルメンタル集）をリリースします。とても個人的な作品で、悲劇的な出来事があったため共有するのに苦労しましたが、その出来事がアルバムのコンセプトの原動力にもなっています。ベネズエラのアーティスト、iceod、3m5、cesn、ghetto 357などとのコラボも多数あります。シカゴからはsvnto pecvdo（聖なる罪）も参加しています。シカゴ周辺でのツアーやライブ、ビデオなども予定しています。 Astrid：母国の外で活動を続けるのは、どんな経験ですか？ Nygmv：ストレスや疑念もありますが、やりがいがあり、学ぶことの多い経験です。競争が激しく、巨大な産業があるこの国で、自分の町や国を代表することは、別の言語で活動することもあって障害を生みます。それでも、残念ながら大きな移民の波が続くなか、受け入れられてきました。よく言うように、良くも悪くも、誰も故郷では預言者になれません。 Astrid：影響を受けているアーティストはいますか？ Nygmv：いやあ、影響を受けているアーティストは多すぎます。まず友人たちもそうですし、アーティストとして影響を与えてくれた人、今も影響を与えてくれている人がたくさんいて、名前を挙げきれません。 https://open.spotify.com/artist/02dkVBLEo2pwrEuJFOYhrL Astrid：ターンテーブリストはどんな道具を使いますか？ Nygmv：ターンテーブリストなら、ターンテーブル2台とミキサー、レコード、それにSYNCボタンがないことが必要です（笑）。基本はそれで、そこから最新のデジタルDJコントローラーを使うこともあります。要するに、優れたDJであるターンテーブル奏者は何より、目の前に置かれたどんな機材でも使いこなせること、観客を読むこと、優れた耳と選曲センスを持つことが大切です。たとえばツアーなど、別の状況ではDJの種類に応じて、異なるスキルや機材が必要です。この場合はターンテーブリストですね。 Astrid：あなたの表現手段は、社会に影響を与えられると思いますか？ Nygmv：もちろんです。実際、歴史的にDJ、つまりターンテーブリスタはヒップホップの要素と結びついています。その発展は、70年代から80年代のニューヨークにおける社会的、政治的、人種的な緊張の結果として生まれました。音楽やDJの知識を伝えることは、低所得層の若者が有意義に時間を過ごす助けになり、最初は趣味だと思われるものから利益を得られる可能性もあります。 Astrid：ラップ（歌）もしますか？ Nygmv：歌は歌いません（笑）。でもラップはします。実は今、ラッパーとして再び活動を始めたところです。IceodとLebrasco、それぞれとのコラボ曲が2曲あります。それから、スペイン語より英語でラップするほうが簡単だと感じます。 Astrid：これを一生続けますか？ Nygmv：どうやら、実際そうしているみたいです（笑）。音楽の世界に入って約15年になります。今は37歳で、これを続けていますし、これからもそうなるのだろうと思います。 今日、彼の素晴らしい活動についてお話しする機会をくれたNygmvに心から感謝します。ぜひ彼のソーシャルメディアをフォローしてください。 https://www.youtube.com/watch?v=D18U9JCP2eU ソーシャルメディア：Instagram： @_nygmv_Facebook： Nygmv YouTube： _nygmv_Spotify： _nygmv_

ネットで大ヒット！でも、ネット発のヒットでこんなに嬉しいのは今回が初めてだ。というのも、主役たちが友人だから。なかでも、僕のヒップホップの師匠であり、B-boyingの先生であり友人でもあるDecó（別名 DecSSSpec、Rudy Predator、または David Dec）だ。 月曜日、ドラマーのPandaとDJ Sadmanとともに、彼らはSzpilersi Friとしてのデビューアルバム「DEC」をリリースした。シングル曲「Elemenele」のミュージックビデオも公開され、この記事を書いている時点ですでにYouTubeで数万回再生されており、その数は1時間ごとに増えている。以下にSzpilersówの素晴らしいビデオと、Decと交わした会話を掲載する。 http://youtu.be/2LV05WhMXeY WJ： やあ、Decó！日曜の夜に新作アルバムがリリースされたね。今日はどんな気分？ Decó：やあ。最高の気分だよ。「Elemenele」の最初のリリースがこんなに温かく受け入れられて、すごく驚いてる。とにかく嬉しいよ。あとは、残りの作品をみんながどう思うか見てみよう。ようやく全部を最後まで仕上げて、完成させられた気がする。正直、この作品を聴くのにはちょっと飽きてきた……何か月もずっとミックスとマスタリングをしていたからね。ライブで演奏するのはまた別だけど、聴くのはもう十分かな。 WJ：僕も このアルバムは、初期のグループ（Stylowa Spółka Społem）の頃以来、いちばんまとまりがあって、よく練られた作品だと思う。 "アーティストとして成熟したのかな？ Decó：この作品には計画があって、それを実現できた。前のアルバムより早く進んだけど、たぶん以前に学んだことがあったからだと思う。テーマを選んだら、歌詞でもそれに沿っていこうと決めていた。ほかの作品のように「歌詞が脇道にそれていく」ことはしなかった。要点を押さえて、もう少し真剣に、考える材料を増やす作品にするつもりだった。曲のアレンジにもかなり気を配ったよ。同じループばかりにならないようにね。成熟したかって？確実に大人になったよ。もう十分な年月を重ねたし、この作品をマリナのお尻のことにしたくなかった。意味のあるものを作りたかったんだ。どうなったかは、聴き手に判断してもらおう。 WJ：新しいレーベル、新しいリスナー……最初のシングルで、まったく変えたフロウを聴かせたあと、型にはめられる心配はない？ Decó：新しいリスナーに届けること、それが狙いだった。できるだけ多くの人に聴いてもらって、僕らを知ってほしかったんだ。もともとは別の曲で打って出る予定だったけど、「Elemenele」の映像を見たら、すぐに変更することになった。僕らを知らない人が、アルバム全体で僕がこんな歌い方をすると思うんじゃないか、と少し考えたけど、結局それは気にしすぎだった。このビデオと曲は、1曲目として出す価値があるよ。 WJ：次のシングルは何になる？ Decó：次は「Have to Go Further」。もっと内省的だけど、力強い曲だよ。年末にはリリースできると思う。完全に僕ら次第というわけじゃないけど、頑張ってる。アルバム用の映像はまだいくつかあるけど、時間をかけていろんな形でまた存在を知らせていくよ。一度に全部撮るつもりはないんだ。 WJ：いい選択だね。次のシングルが楽しみだよ。ほかの曲のビデオもいくつか見てみたいしね。でも最初の曲に戻ると……あのビジュアルを作るのに、ずいぶん時間をかけたの？ Decó：ひげを伸ばすのに4か月。あとはもう、ちょっとした役作りというか、クソまみれになることかな（笑）。 WJ：クラクフの人たちとの協力はどうだった？ Decó：MarekさんとLeszekさんがいい仕事をしてくれたよ、さすが！まず何より、Marekが本当に力を入れてくれた。そのことに感謝してる！二人ともこの曲をすごく気に入っていて、歌詞には100％同意できると言ってくれた。音楽も二人の趣味に合っていたから、すぐに引き受けてくれたんだ。撮影現場でも、とても理解があって、規律正しかったよ。 WJ：なぜか分からないけど、道でこういう人たちに声をかけられて、話をすることがよくある。とても知的で教養のある人が多いんだ。 Decó：何人かと話した限りでは、彼らは自分でその道を選んで、そうやって生きているんだ。ホームレスであることを気にしていないか、表には出さない。自由で、好きなことを何でもできると思っているんだよ。ポーランドで作ったこういう曲の「着想」になったんだ。もちろん、冗談としてね。 WJ：ここから自然に次の曲へ移れるね 「Pieniądze」へ。君とあの人たちは、お金について似た考えを持っているの？ Decó：僕はかなり（zDECydowanie）違うと思う……この問題については気楽に考えているけど、そこまでではないかな……この曲ですべて説明しているよ。お金は僕にとって目的ではなく、目的を達成するための手段にすぎないんだ。新しい曲を作るとき、それで稼げるかどうかは考えないよ。 WJ：今回はMaxFlo Rec.にプロモーションしてもらっているんですね。協力関係はいかがですか？ Decó：今はMaXFlo Labにいます。新人発掘部門で、協力関係は最高、何もかもが順調です。とても満足しています。彼らのおかげで、より幅広い層に届けられています。連絡も密で、素晴らしい人たち、いいアーティストの集まりです。この調子で続けてほしいですね！ WJ：Gracjan Rostockiとのスキットについて、ひと言お願いします。 Decó：Gracjanが僕の家の近くに住んでいると分かって、通りで何度か見かけたので、作品用のスキットを録音してくれないか頼みに行こうと思いました。驚いたことに、彼はためらわずに引き受けてくれました。脇に移動して録音を始めたら、あの効果が生まれたんです。 WJ：新作アルバムのプロダクションにはとても感銘を受けました。前作（BLE - BreakS, LoopS & EditS）は東欧の音楽だけで構成されていましたね。今作のサンプルはどこから来たのでしょう？ Decó： そう、BLEは定義上、東欧の音楽だけを切り刻んで作った作品です。70年代の音楽的な功績を見せ、人々に知ってもらうような、ちょっとした旅ですね。『Szpilersi』では、サンプルの世界が一気に広がりました。ポーランドのものもロシアのものも、アメリカやヨーロッパのものもたくさん。もう覚えていないものもあります。レコードのコレクションが増え始めた時期でした。ベースの曲を録音できて、Pandaがドラムを担当してくれたのはうれしいです。すごくいい経験になったし、生楽器の録音やミックスの方法をいくつか学べました。全部自分たちで録音して、途中で失敗から学んでいきました。 WJ：Pandaの話が出ましたね。アルバムは生バンド（DJ＋ドラム＋ベース）と一緒に録音されていますが、時間がたつにつれて、ビート作りはますますオールドスクールな手法に向かっているように思います。新しい機材の調子は "どうですか？ Decó：『zDECydowanie』には全20曲あって、Pandaと一緒にやったのは6曲、ほぼ全部にベースが入っています。1曲にはチェロも入っていて、残りはAkai S1100＋MPD24です。アルバムの曲も、Pandaとライブで演奏すると音が違って、もっとエネルギーがあります。生ドラムには力があります！今はMPC4000を使っています。まだ試行錯誤中ですが、もうファンになりました。作業の流れがとてもいいし、何をしたいか分かっていれば速い。それに、この言葉は嫌いですが、認めざるを得ません――直感的です。音もいいし、エフェクトもたくさんある。やることは山ほどあります:) オールドスクールなサウンドに戻そうとはしていますが、やりすぎないようにしています。12bit機材を使いこなすところまでは、まだいっていません。 WJ：いつか、完全に生演奏だけの曲もできるかもしれませんね？ Decó：そういう計画はあります。どうなるか見てみましょう。僕たちは生で録音する価値があると思っているので、実現する可能性はあります。かなり違う音になりますし、Pandaがいい仕事をしてくれます！ WJ：ラップ、プロデュース、ディギングのうち、どれが一番楽しいですか？ Decó：それともbboying？...

灰色のポーランドの現実は、前向きな考えを育むどころか、何かをする気をそぐばかりだ。ある、ありふれた雨の降る典型的なポーランドの一日、旧友を訪ねることにした。彼のアパートの敷居をまたいだ途端、「おい、これ聴いてみろよ！」という声が聞こえた。こうしてKuba Knapと出会った。 芸術家一家に生まれ、ワルシャワに暮らすKuba Knapは、今後ポーランドのラップシーンに大きな波紋を起こす可能性を秘めた人物だ。Knapのスタイルは、人生に対する極めて肩の力の抜けた姿勢と、自分自身や世界全体に対する距離感が特徴だ。本人は自分の音楽を「カントリー・ラップ・チューン」と表現する。つまり、ゆったりとしたテンポのビートに、カリフォルニアの陽光と、急ぐことを嫌うテキサス流の気質を混ぜ、さらにたっぷりのビールを注いだような音楽だ。デモを数曲送った後、身長2メートルの22歳の彼にTen Typ Mesが関心を寄せ、Alkopoligamiaのもとで若きラッパーを後押しすることになった。 Knapのデビューアルバム『Bez nerwów, bez złudzeń』は、賛否両論を巻き起こした。称賛の声が多く寄せられる一方で、アルバムを怠惰で退屈だと評する批判もあった。実際、ポーランドのラップを聴く人の多くは、のんびりと展開する気楽な雰囲気より、曲に速いテンポを求めることに慣れている。参加アーティストの質には、確かに不満を言えるだろう。ところどころ、ただ味気ないのだ。おそらく、彼らが即興的に録音されたことも影響しているのかもしれない。しかし、Knapが制作したソロ曲は本当に水準を保っていることを強調しておきたい。そこには（もちろん、そう言えるならだが）気楽さと皮肉があふれている。Knapは言葉を恐れず、周囲の現実をありのままに描く。歌詞は自己批判的で、大人の生活への嫌悪をしばしば取り上げている。 Knapは、無責任で地に足がつき、いつも時間を無駄にし、楽しむことや友人と過ごすことばかり考え、できるだけ長く青春を引き延ばしたい男として自分を描いている。実のところ、それは同年代の多くが抱く夢を映し出している。彼はそんな姿を巧みかつ自然に表現し、聴く人を笑顔にすることで、彼がラップする至福の気楽な世界へと誘う。 Knapは現在、新しいアルバムに取り組んでいる。正直に言って、それが店頭に並ぶのをとても楽しみにしている。