Gheordu

初めて会ったのは約3年前。Wrocławで、 Plalが主催したイベントに出演したときでした。短い出会いから始まったものが、共有する好奇心や個人的な話題を通じて、ゆっくりと遠距離のつながりへと変わっていきました。彼女は、本当にオープンで寛大で、知識を人と分かち合うことを惜しまない、数少ないアーティストの一人です。それ以来、彼女が進化していく姿を見てきたことは、とても力強く、刺激的でした。 彼女の歩みは自然なものに感じられます。音楽は、生々しく荒々しい強度をもって空間を進んでいきますが、常に深い感情をたたえています。ダンスフロア向けに組み立てられたというより、内面の状態から直接すくい取られたかのようです。彼女の音への向き合い方には、純粋さと脆さがあります。楽曲は流動的な音の風景として展開し、テクスチャーや身振り、メロディーの断片に満ちています。それらは、ほとんどの人が見過ごす自然の細部から引き出されたようでありながら、彼女はそれを感じ取り、豊かなメロディーラインへと翻訳することができるのです。 トゥールーズ出身で、現在はベルリンを拠点とするJan Loupは、ヨーロッパ各地で自身の世界を広げ続けています。彼女の存在感は増しており、近い将来、そのエネルギーがさらに多くのダンスフロアに届くことは明らかです。ぜひ注目してください。思っているより早く、あなたの街にやって来るかもしれません。2018年から活動するプロデューサー、DJ、サウンド・テクニシャン。ひとりで制作することも多く、モダンなダブステップ、ダークなドラムンベース、パーカッシブなハーフタイム、そしてトライバルな影響を融合させた独自のサウンドを生み出しています。 まずは簡単な質問から。今どこにいて、今日はどんな気分ですか？ やあ！今はベルリンのスタジオにいて、いくつかのステムの書き出しを待っているところ。今日は少し疲れてる。スタジオ作業を詰め込んで3日目だから（この場所を使えるのは1週間だけなんだ）。でも、自分の探求をさらに押し進めたいという気持ちで、わくわくしてるよ。 最近ベルリンに移ってきましたね。何がきっかけだったのでしょう？ はは、簡単には話せないね。ここに本当に移住したのか、自分でもわからない。ここ数年の大半は旅をしていたし、もう家に帰りたいと思わなくなっていた。毎週末、一晩だけ滞在する以上のことをしたかったんだ。人と出会い、コラボレーションし、地元のシーンに関わり、その土地を深く知りたかった。人々がどう暮らしているのか、そこでコミュニティがどう繁栄し、あるいは生き延びているのか。心からの交流を求めていたんだ。 とはいえ冬が来て、制作に適した場所も必要だった。あちこちを巡るなかで、ベルリンは最も「ここにいたい」と思わせてくれる場所のひとつだった。人々、音楽、エネルギー、発見できるものの多さ。まるで、力を身につけた魔女や、アーティスティックなゴブリン、DIYのピクシー、ほかにもさまざまな並外れたアンダーグラウンドの生き物たちが、巨大な沼地に集まっているみたい。フランスで経験してきたものと比べて、とてもクィアで、オープンで、寛大な場所だと感じた。トゥールーズよりもここでのほうが、ずっと自分の居場所だと思えた。自分の内側にある何かと響き合うように感じるから。好奇心を刺激され、インスピレーションを与えられ、もっと知りたいという欲求が湧いて、学ぶことに夢中になった。 首都だからこそ得られるものもあるんだと思う。ただ、典型的な「大都市」という感じはそこまで強くない。街が広く、ゆったりした場所が多いから、窮屈さを感じずに歩き回れて、心を落ち着けられる。とはいえ、まだ自分のリズムを見つけているところだけど。 Tempaからリリースされる、近日発売のコンピレーション『All Stars』に参加していますね。あなたの作品も素晴らしいです。このつながりはどのように生まれたのでしょう？ そうだね、Beatrice M.とは、すでにNAFFから一緒にEPを出していて、 『Shallow, Light and Safe』という作品だった。だから5月に再びつながったのは自然な流れだったよ。Goodness UKのパーティーでFoldに出演するためロンドンにいたんだけど、Hewan AmanとB2Bでプレイしたんだ。イベントのあとももう1週間滞在して、Beaに会って、当然スタジオにも行った。その時点で彼女たちはすでにTempaと連絡を取っていて、セッションのすぐあとくらいに、コンピレーション用の楽曲を集めているとBeaが教えてくれたんだ。向こうが興味を持ってくれるなら、まさに絶好のタイミングだと思ったよ。 Beatrice M.とのコラボレーションは、とても親密で自然なものに感じられます。このアーティスト同士のつながりは、どのように育まれてきたのでしょう？ 初めて会ったのは、彼女たちがもともと学んでいたストラスブールだった。お互い、プロジェクトを始めたばかりの頃だったんだ。そのときは頻繁に連絡を取り合うようにはならなかったけれど、実は自分のポッドキャストで彼女たちにインタビューしたことがある。 『Mana-Machine』当時、私はアーティストが自分の創作プロセスをどう捉え、どこからインスピレーションを得ているのかを調べていました。数年後に私たちは再びつながりました。お互いにまた巡り合えたことを、たぶん喜んでいたし、とても自然に感じました。当時、フランスでダブステップ／UKの影響を受けた音楽をプレイし、制作しているFLINTAの人たちは、私たちを含めてごくわずかでした。シーンの中でFLINTAとして活動する苦労も、互いに分かち合っていました。そこから連帯感やエネルギー、怒りが生まれ、それが私たちの音楽に入り込んでいきました。私にとって、そうした緊張を作品を通じて解き放つのに、これ以上の方法はありません。錬金術のようなプロセスです。私はいつも、奇妙な音を彫り上げたり、白昼夢と菌糸の成長のあいだにあるような雰囲気や質感に没頭したりするのが好きです。一方、彼女たちはより速く、正確で、構造的かつつながりを意識したビジョンを持っていて、建築家のような思考をします。だから私たちはかなり補い合えていたんです（ただ、これは私から見た彼女たちの印象なので、間違っていたらごめんね、bea :3）。 （ただ、これは私から見た彼女たちの印象なので、間違っていたらごめんね、bea :3） https://soundcloud.com/janloup/beatrice-m-jan-loup-si-jadore?utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 2025年11月にOf Paradiseとプロジェクトをリリースしましたね。このコラボレーションはどのように始まったのですか？ Of Paradiseから初めて連絡が来たのは2024年で、彼らのコンピレーションの1曲についてでした。それが最初のコラボレーションです。私は「 Marée Basse」という曲を送りました。その後、2025年にまた連絡をもらいました。 メールが届いたのはTrois-Quart-Taxi-Sistemの家にいたときで、一緒にコラボを始めてからたぶん1日後でした。ふたりともその機会に新しいことを試し、取り入れたので、展開はとても速かったです。とてもスムーズで自然な感じでした。最近見つけた、あるいは試してみたかったコツやテクニックを、お互いに見せ合いたいという気持ちでいっぱいでした。セッションの直後にデモを送り、OPはすぐに気に入ってくれました。ところで、短い話をすると、TQTSはその数週間後に、個人制作やmalesaとのコラボ曲、ライブ用の作品など、すべてのデータが入ったコンピューターを盗まれてしまったんです。バックアップはゼロ……。それで、この曲も失われたと思っていました。ギグからの帰りに電車で眠っている間に起きたことで、本当に悲劇的でした。彼は駅から、まさに直後にパニック状態でメッセージを送ってきて、まだ必死にコンピューターを探していました。彼は本当に優しい人で、今でさえ謝ってくるんです！彼のことが本当に気の毒で、そのときどんな気持ちだったかを強く想像しました。「いや、ライブセットも制作物も全部失くしたんだよ。今は僕たちの曲のことなんて、最後に心配すべきことだよ」と思っていました。 実際、私たちはこの作品をとても気に入っていたので、ふたりとも失われたと考えるのはつらかったです。でも、彼は本当に制作物をすべて失くしたんです。あれはたった1回のセッションで作った曲でした。 その後、セッションの最後に彼がデモのWAV版を私に送っていたことが分かりました。結果的には、ミックスもそれほど悪くなく、私たちの記憶よりもかなり完成に近い状態でした。いくつか手を加えてミックスを整えたら、送れる状態になりました。TQTSはコンピューターを取り戻せませんでした……。今ではこの話を、みんなに自分の作品のバックアップ体制を整えるよう勧めるために使っています。必要なら私の方法も共有できます。似たような話をたくさん聞いてきましたし、あのような大きな事故をきっかけに制作をやめてしまった人もいます。思いがけない事故から自分の作品を守ることは、自分自身への贈り物です。本当に。私はとてもスピリチュアルな人間ですが、こういう出来事に必ず意味があるわけではありません。もちろん、何からでも成長できるように、そうした出来事から成長することはできます。でも、学ぶのにもっといい場所はきっとあります。 https://soundcloud.com/030esar0303/2-jan-loup-maree-basse-of-paradise?si=548df6d473244b9ab951b91b8c34b450&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing ステージについて話しましょう。パフォーマンスは時間とともにどのように変化してきましたか？ステージではどんな気持ちになりますか？自分の中で今も変化し続けているものは何でしょう？ 話すことが本当にたくさんあります。DJとしてステージに立つ自分の仕事や、そこにいるときの存在感や役割について、自分が何をもたらしたいのか、何を手放すべきなのか、自分ではどうにもできないことは何なのか、よく振り返ります。今ではそれを、時間をかけて築かれ、さまざまな経験を通して絶えず変化していく芸術として捉えているので、形を変えながら進化し続けています。絶え間ない実践です。出演するたびに、自分自身や音楽、人間、シーン、パーティー、魔法、そしてこうしたものすべてや、それ以上のものが展開していく生態系全体について、少しずつ学んできました。 でもそうですね、パフォーマンスへの向き合い方が大きく変わったと言えるでしょう。きっかけは、神経科学者で作家のAnne-Laure Le Cunffの話を聞いたことでした。簡単に言うと、彼女は「勝つこと」にとらわれた考え方が、私たちを身動きできなくさせることがあると説明し、代わりに「小さな実験を重ねるマインドセット」へ移行することを提案しています。彼女の言葉のおかげで、内面的にも、システム的にもさまざまな理由から自分に与えていなかった自由を得られたと思います。 私は以前から、創造性には実験と失敗が欠かせないと、いつも自分の人生を通して表現してきました。でも、そう口にするのは、この現実を心から受け入れることよりずっと簡単です。さらに、DJをすることはそれをいっそう複雑にします。パーティーでは、90分から3時間という短い時間に、偶然性や激しさ、混沌が凝縮されます。その背後には数えきれないほどの時間があるにもかかわらず。掘り下げ、準備し、磨き上げ、意味を探し、形にし、新しい何かを生み出そうとする……。だから、「うまくやりたい、記憶に残りたい」、あるいは自分を証明したいという欲求を手放すのは難しい。特に、人生の早い時期には得られなかった受容や安心、承認を求める、よく知られたアーティストの傷を抱えているならなおさらです。 ともあれ、新たに見つけたこの自由のおかげで、DJセットを協働によって生まれるフィクションの芸術作品（物語としてのフィクション、集団で幻想を紡ぐもの）と捉える、以前からの考えをさらに深められました。私にとってそれは集団で形づくられるもの、いわば共創されるものであり、空間・時間・ダンサー・社会・政治・経済という文脈から切り離すことは決してできないと思っています。DJセットはパーティーの中心と見なされることが多いですが、私にはむしろ建築的なものに感じられます。より大きな構築物の一部です。そして、DJを台座に載せ、神のような位置に置こうとする風潮には、かなり抵抗しています。そもそも、私が初めて経験したパーティーの多くは、森のレイヴでした。DJは、より広い劇場の中の役割のひとつだと考えています。私はこの役割に対する自分なりの適応と認識をもって、自分の役を演じます。パーティーでは、ほかの誰もがそれぞれの役を演じているのと同じように。もちろん、私自身の物語や感情、人生経験も、私の存在と私の...

インタビュアーとインタビューされる側には、よく知られた共通点がある。ルーツだけではなく、音楽への情熱を共有し、ひとつの目的のもと、濃密な芸術世界を人々に届けたいという思いだ。それは、ダンサーを恍惚の瞬間へと導くこと。私は今回、テンポよくAda Kalehからいくつか答えを引き出すことにした。彼は私にとって魅力的であると同時に、ポーランドの聴衆に丁寧に紹介する価値のある人物だと感じていた。この出来事の輪の中で、視野を広げ、知識を深め、動きを感じてもらうために。 Ada Kalehは、ブカレストを拠点とするルーマニア人のエレクトロニック・ミュージック・プロデューサー兼DJの別名義だ。ステージネームは、ドナウ川にあった現在は水没したオスマン帝国時代の島、Ada Kalehに由来し、彼のアイデンティティに神秘性と文化的記憶の層を加えている。彼の音楽はミニマル・テクノ、ダブ・テクノ、深みのある音響テクスチャーを融合させており、長く展開していくグルーヴとともに、催眠的で有機的、サイケデリックだと評されることが多い。わかりやすいドロップや大箱向けの高揚感を追い求めるのではなく、繊細なディテールと没入感のあるサウンドデザインに重点を置いている。彼の作品は、次のような国際的に高い評価を受けるレーベルからリリースされている。 R&S Records そして、アンビエントに特化したそのサブレーベル、 Apollo Records。作品そのもの以上に、今回は現在の取り組みについて、そして何よりも Supersanityについて話を聞きに来た。SupersanityはAda Kalehがキュレーションする学際的なイベントシリーズで、音楽、ファッション、演劇、ビジュアルアートが交差する。インクルーシビティ、敬意、そしてその場にいることを大切にし、ダンスフロアでは携帯電話の使用を禁止する一方、差別のない安全な場を育み、テクノのエレガントな側面を祝福している。これまでSupersanityのアートイベントは トレヴィーゾとブカレストで開催され、次回は 10月18日にブカレストのForgeで、Tresor Berlinとのパートナーシップのもと再び開催される。 世界各地で活動する彼だが、ポーランドの聴衆は、2022年に ポズナンのSchronで地元の才能あるアーティストたちと共演したセットを覚えているかもしれない。これを踏まえて、ブカレストのSupersanityというプラットフォームの拡大と、Ada Kaleh自身のアーティストとしての歩みについて、いくつか質問していこう。 こんにちは！まずは気軽な質問から始めましょう。以前、ポズナンのSchronでポーランド公演をしていますね。これまで出演したほかの場所と比べて、ポーランドのシーンをどう見ていますか？また、こちらのエレクトロニック・ミュージック全体のムードについて、どんな印象を持っていますか？ こんにちは！はい、以前ポーランドでは何度か出演していますが、ここ数年ではSummer Contrast FestivalとSchron Poznanだけですね。正直に言うと、一般的にフェスティバルはあまり好きではありません。もっと親密な雰囲気で、ニッチな客層のクラブのほうが好みです。Schronでのプレイは楽しかったです。よりミニマルな夜の出演としてブッキングされていたのですが、結局テクノ寄りのセットをプレイしました。観客もそれに応えてくれました。ポーランドには、荒々しくざらついたテクノの側面を好む傾向があるようです。いつかぜひポーランドに戻りたいですが、単なるDJセットではなく、一晩通してプレイしたいですね。ドローンやアンビエント、ダウンテンポからテクノまで、そして最近、次のアルバムに向けて制作している、より高いBPMのサイケデリックな曲も含め、自分の音楽的知識をすべて表現できると思います。 あなたについて調べてみたのですが、音楽との出会いや初期の関わりについてはあまり見つけられませんでした。すべてはどのように始まったのでしょう？ へへ、それはつまり、目立たずにいることや、ソーシャルメディア、恥ずかしげもない宣伝、「業界で成功しようとする」ゲームに巻き込まれないことが、うまくできているということですね。最初から話すと、音楽、とりわけエレクトロニック・ミュージックとの関わりは1992年に始まりました。父と近所の人たちが電子機器を買いにドイツへ行き、父が適当に選んだレコードを何枚か持ち帰ったんです。そのうちの2枚がVisions of ShivaとSven Vathでした。それがきっかけです。1998年ごろ、初めてコンピューターを手に入れたときに制作を始め、その後ハードウェアのシンセやエフェクターも使うようになりました。当時はトランスに夢中で、最初のレコードは2002年にリリースされました。それから、アーティストとしての自分の成長に関して多くのことが変わりました。 https://soundcloud.com/adakalehromania/sets/ada-kaleh-o-seara-de-ragaz-1?si=a2664cfb16234c2abbade2b3ec644575&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing Supersanityのほかに――その話は後ほどするとして――今、特に楽しみにしているコラボレーションや芸術的な交流はありますか？ おそらく、ミニマル・ハウスとしてはこれが最後になるリリースが、この秋に控えています。親しい友人であるWareikaとのコラボレーションです。数年前からこの曲たちを寝かせてきましたが、今のミニマル／ハウスシーンがひどい状態にあることを考えると、これほど本物の作品をリリースしないのは惜しいと思ったんです。今後に向けて、進行中のグループプロジェクトや個人プロジェクトはありますか？ グループプロジェクトについて言えば、今はすべての力をSupersanityに注いでいます。さまざまな環境で活動するアーティストを支援し、ここブカレストに、機能するテクノと学際的なアートのシーンを築こうとしています。 個人プロジェクトでは、この3年間、とても実験的で「ぶっ飛んだ」アルバムに取り組んできました。アルバムは基本的に、2022年7月18日に経験した臨死体験を音で翻訳したものです。これまでに作ったものとはまったく違います。 今この瞬間、音楽を作ることと演奏することを、どのように捉えていますか？ 今でも音楽を作ることが本当に大好きです。それこそが、まさに私を形作っているものです。25年間ずっと続けてきましたが、今になってようやく、本当に意味のあるものを創り、新たな宇宙を探求していると感じています。目的や用途のある機能的な音楽を作るのをやめようと決めたとき、解放されたと感じました。次にどんなものを生み出せるのか、とても楽しみです。一方で、今のシーンの状況で音楽を演奏するのは、ほとんどの場合、まったくの悪夢です。人々は音楽に注意を向け、内省的な体験をする能力を失ってしまいました。それに、最近リリースされる音楽の大半はまったくひどいもので、誰もが互いの真似をして、同じ型にはまった作品を何度もリリースしています。主な理由は、流行に乗ってギグを獲得しようと、みんなが躍起になっているからです。要するに、システムから利益を得ようとする寄生虫です。 それでは、Supersanityについて掘り下げていきましょう。このプロジェクトの詳細や見どころ、あるいは隠れた瞬間について教えていただけますか？イベントを体験する前に、どんなものなのか少し感じられるように。 実のところ、Supersanityの全体的なコンセプトは、その場にいて、その瞬間を自分自身で体験することです。この雰囲気はそのままにしておいて、みんなが準備できたときに、自分で見つけて解き明かしてもらおうと思います。 Supersanity イベントチケット 以前の対談では、シーンへの失望、つまり改善できることや間違っていることについて少し触れました。こうした懸念を読者に聞かせてもらえますか？ ああ、シーンの欠点をいつも指摘する「ヘイター」だと思われたくはないんです。というか、芸術に関わること全般についてそうですね。だから、ただ、表面的なものやメインストリームの外で、意味のある体験を求める人たちのための選択肢を作ることに集中します。 将来、コラボレーションしてみたいアーティストはいますか？ はい、Jeff...

オーストラリア出身のDJ、プロデューサー、レーベルオーナーであるNite FleitがUndertonのサイトを訪れ、新作EP「Nightmare at 20.000 Feet」について語ってくれた。さらに、創作のプロセスやアーティストとしての歩み、アンダーグラウンド音楽シーンでの経験についても話してくれた。現在の音楽業界についての示唆に富んだ考えや、未来への希望も聞かせてくれた。 オーストラリアからヨーロッパに移ったのはいつですか？この決断は音楽キャリアの発展に関係していたのでしょうか？今は主にどこで過ごしていますか？ 初めてのEPのツアーで、2018年7月にオーストラリアから出てきました。数か月だけ滞在するつもりでしたが、ヨーロッパでは国同士が物理的に近いため、世界有数のクラブでプレイする機会がずっと多く得られると、すぐに気づきました。だからといって、オーストラリアでプレイするのが好きではないということではありません。才能あふれるアーティストがたくさんいる素晴らしいシーンがあり、行けるときには戻るのが大好きです。今はシチリアで過ごしています。 初めてのEPをリリースする前は、どのように過ごしていましたか？クラブでのプレイに重点を置いていましたか、それともプロデュースや音楽業界での人脈づくりに力を入れていましたか？ いいえ、実際は逆でした。フルタイムで働いていたので、仕事以外の起きている時間はすべて、プロデュースを学ぶことに費やしていました。プロジェクトに取り組んだり、新しいテクノロジーや工程、スキルを学んだりするときは、完全に没頭するのが好きです。つまり、気が散るものを排除し、途切れない時間を確保すること。いわゆるフロー状態に入ることです。こうして取り組んでいると、より創造的になり、しっかり集中できると感じます。 Umweltとの最近のEP『Nightmare At 20.000 Feet』、最高ですね。Umweltとのコラボレーションはどのように始まり、このEPの制作はどんな感じでしたか？ ありがとう、最高でしょ？New Fleshからリリースする話をしていたら、彼から一緒にリリースするのはどう思うかと聞かれて、もちろん大喜びで引き受けました！とてもスムーズでした。お互いにステムを送り合い、相手のステムをもとにそれぞれ作業して、最後に仕上げをして完成。それだけです。Umweltとの制作は本当にやりやすかったし、私たちが作り上げたものもとても気に入っています。 https://soundcloud.com/newfleshrecords/nite-fleit-umwelt-nf27 親しい関係を築いてきたDJ／プロデューサーには、ほかにどんな人がいますか？ 実は、ほとんどの人と親しくなります！誰かをうっかり挙げ忘れるのが怖くて、リストを書くのは避けています。でも今、いくつかのプロジェクトで本当に素晴らしい人たちと一緒に取り組んでいるとは言えます。 Undertonはヴァイナル好きです。今、ヴァイナルでプレイすることについてどう思いますか？15年前には 当たり前だったことが、今では若いDJにとってより珍しいスキルになっています。アナログの音楽メディアとして、あなたにとってヴァイナルとは何ですか？ オーストラリアを離れてからレコードではプレイしていません。ターンテーブルもレコードも置いてきたので。レコードでプレイするのは大好きですし、またコレクションを増やせばプレイしたいと思っています。でも今は、機材をあちこち移動させることを考えると、しばらくは無理そうです。 あなたに影響を与えているアーティストのトップ5はいますか？ リストから誰かを漏らしたくないので、これは難しいですね！過去に一緒に仕事をした人たちは皆、私に大きな影響を与えてくれましたし、今一緒に取り組んでいる人たちもそうです。こちらはまだ秘密です、ごめんなさい！一緒に仕事をしてみたいアーティストには、Marie Davidson、Kelly Lee Owens、Kittin、Exaltics、Louisaaah、Maelstrom、Zeta Reticulaがいます。 近い将来、音楽制作／DJ業界はどのようになっていくと思いますか？リスクやチャンスはあるでしょうか？ 未来については楽観しています。音楽制作ソフトや機材がより手に入りやすくなることで、多様な背景を持つアーティストが自分の音楽を制作する機会が生まれると思います。高価な機材やレコーディングスタジオへのアクセスが必要といった、業界に入る際の従来の障壁を取り払う助けになるでしょう。実際に音楽を作れる人が増えれば、これまで十分に取り上げられてこなかったコミュニティ出身のアーティストの存在感が高まり、より多様な人々が表舞台に立つことにつながります。 とても重要なのは、多様性を中核に据えることだと思います。マネージャー、エージェント、サウンドエンジニア、レーベルオーナーなど、音楽業界を形づくるあらゆる職種で多様性を実現することです。さまざまな人々が意思決定に関われば、それぞれ独自の視点や経験を持ち寄ることができ、より包摂的で革新的な取り組みにつながるため、ここに重点を置くことが鍵だと思います。また、すべてのアーティストにより多くの機会と支援を提供し、成功に必要なリソースやサポートを得られるようにすることにもつながります。 私が考えることの一つは、ソーシャルメディアが創作活動に与えるプレッシャーです。質より量を重視する風潮によって、アーティストは技術を磨き、より思慮深く複雑な作品を生み出すために時間をかけるのではなく、絶えず新しい作品を作って共有しなければならないと感じることがあります。さらに、ソーシャルメディアのアルゴリズムは、特定の種類のコンテンツをほかより優先するため、多様な声やスタイルが人々の目に触れる機会を狭めることがあります。また、ソーシャルメディアでの自己宣伝やパーソナルブランディングに時間とエネルギーを費やすことで、創作そのものに充てる余裕がなくなることもあります。アーティストは、オンラインで特定のイメージやペルソナを保つようプレッシャーを感じるかもしれません。だから私は、集中が必要なプロジェクトに取り組むときは、なるべくスマホを見ないようにしています。 以前ポーランドに来たことはありますか？こちらに来ることについて、どう感じていますか？ はい、実は2018年にグダニスクのUlica Elektrykówでプレイしました。最高でしたし、2019年にはワルシャワのSmolnaでもプレイしました。あの公演では素晴らしい人たちにたくさん出会えましたし、観客も最高だったので、また戻ってこられるのがとてもうれしいです！皆さん本当に素敵で、エネルギーにあふれています！ 「Under…」という言葉を完成させてもらえますか？ 私は「地の下」、オーストラリアの出身です！ https://www.youtube.com/watch?v=_KlvpRSSU8A&t=2691s 最高の夜を一緒に楽しみましょう。Nite Fleitと一緒に、素晴らしい腕前のDJたちと最高にホットなビートをお届けします。この一度きりの イベントをお見逃しなく!