Tag: techno

今の時代、確固として一貫性のあるレーベルブランドを築き、維持しながら発展させていくにはどうすればいいのか。Mutual Rytmはこの分野をリードしている。2022年に設立された同レーベルは、今や現代テクノシーンを代表する重要な存在だ。Yanamaste、Phil Berg、Lars Huismann、Chlär、Mathys Lenne、Sciahri、Chontaneなどのアーティストの作品を次々とリリースし、音楽そのものにとどまらず、クオリティや個性、そしてオーディエンスとのつながりを強く重視している。  「アーティストとしての歩みも、レーベルの成長も、どちらも長い時間をかけて築くものです」 そう語るのは、Mutual Rytmの創設者兼ディレクターであり、プロデューサー、DJでもあるSHDWだ。10月31日にワルシャワのProgresjaで開催される、Mutual Rytmにとってポーランド初のショーケースを前に、夢を現実にする方法、アルゴリズムや再生数の時代における音楽の真正さと新鮮さ、そして現在の視点から見たテクノの未来について話を聞いた。 Agata Omelańska：こんにちは、Marco。Undertonへようこそ！前回のワルシャワ訪問時にEXPO XXIで披露した力強いセットは、2025年のベストパフォーマンスのひとつに選ばれました。今回は、2026年10月31日に開催されるMutual Rytmのショーケースという、また特別な機会にお会いします。ポーランドのオーディエンスは間違いなく準備万端だと断言できますが、イベントを控えた今、どんな気持ちですか？SHDW： EXPO XXIでのあのセットへの反響には、正直、圧倒されました。1年が経った今でも、あの夜やセットが自分にとってどんな意味を持ったかを伝えるメッセージが届きます。あれほど人々の心に響くとは思ってもいませんでした。本当に大きな意味があります。 だからこそ、ポーランド初のMutual Rytmショーケースのためにワルシャワへ戻れることが、いっそう楽しみです。あの夜以来、初めての再訪になります。またあのエネルギーを体感できるのが待ちきれません。今年、特に楽しみにしている公演のひとつです。 https://www.youtube.com/watch?v=wIvpMhwF9ic&list=RDwIvpMhwF9ic&start_radio=1 今日はMutual Rytmを中心にお話ししたいと思いますが、あなたのビジョンやアイデアについても、あとで伺います！レーベルは2022年に始動し、徐々にそのアイデンティティや中核となるサウンド、そして強固なコミュニティを築いてきました。2026年には、世界で最も重要なテクノレーベルのひとつと見なされています。Mutual Rytmのサウンドは、何によって形作られたのでしょうか？また、ブランディングの観点から、テクノレーベルとして強いブランドを築き、維持するにはどうすればいいのでしょう？ Mutual Rytmのサウンドは、僕がずっと情熱を注いできた音楽と、一緒に仕事をしたいと思ったアーティストたちから、ごく自然に生まれました。レーベルをひとつの厳格な定型に沿って築こうとは、最初から考えていません。僕にとって共通項となるのは、クオリティ、個性、そして感情です。 アイデンティティの大部分は、作品の選定を通じて生まれます。それぞれのリリースが独自の個性を持ちながら、全体像に何かを加えるものであってほしい。カタログが、同じレコードを何度もリリースしているようではなく、ひとつの旅のように感じられることを目指しています。 ブランディングに関しては、一貫性と真正さが鍵だと思います。アイデンティティを無理に作り出すことはできません。明確なビジョンを持ち、それに何年も忠実であり続けることで育っていくものです。僕たちにとってそれは、音楽を最優先にし、細部にまで気を配り、アーティストやレーベルを取り巻くコミュニティと本物の関係を築くことを意味します。 そのとき人気のあるものを追いかけようとしたことはありません。自分自身のビジョンに忠実でいれば、いずれ人々はそれに気づいてくれます。 Mutual RytmのサブレーベルであるRaw、Spectra、Versus、Xの重要性も強調しておきたいですね。レーベルの一貫性を保ちながら、同時に中心的な方向性の枠を超えた音楽にも開かれている、素晴らしい例です！ サブレーベルがあることで、Mutual Rytmの世界のさまざまな側面を探求する自由が生まれます。Raw、Spectra、Versus、Xにはそれぞれ独自の個性がありますが、同じ哲学と選定基準につながっています。 レーベルが予測可能なものになってしまうのは避けたいので、この柔軟性は僕にとって重要です。同時に、サブレーベルを完全に別個のプロジェクトだとは考えていません。同じ物語の異なる章であり、特定のアーティストやサウンドが本当に成長できる場を提供しています。 レーベルオーナーの視点から見て、忘れられないトラックとはどんなものですか？そして今、プロデューサーにとって成功の本当の意味とは何でしょう？ 僕にとって忘れられないトラックとは、うまく言葉にできない感情を生み出すものです。最も複雑なプロダクションである必要も、最大級のクラブトラックである必要もありません。ひとつのメロディーやグルーヴ、音の質感、あるいは雰囲気が、曲を聴き終えたあとも心に残ることがあります。 独創性も大切です。今はあまりにも多くの音楽がリリースされているので、技術的に優れたものを作るだけでは、必ずしも十分ではありません。個人的な感覚があり、すぐにその独自の個性が伝わってくるものを求めています。 成功というものも変わってきたと思います。数字やストリーミング再生数、ブッキングはもちろん業界の一部ですが、それだけですべてがわかるわけではありません。僕にとって本当の成功とは、自分が信じる音楽を作り、それが人々の心に届き、何年たっても誇りに思えることです。一時的に注目を集めることより、長く続けることのほうがずっと大切です。 https://www.youtube.com/watch?v=6eDyXiQrPYA&list=RD6eDyXiQrPYA&start_radio=1&t=347s KiNK、Sciahri、Chontane、Human Safari、Mathys Lenne、Yanamaste、Dextro、Lars Huismann、Chlärなど、多くのアーティストの作品をリリースしてきましたね。そうした経験から、リーダーシップについて何を学びましたか？ リーダーシップとは、何よりも相手の話に耳を傾け、信頼し、相手に余白を与えるべきタイミングを知ることだと学びました。アーティストは一人ひとり違うので、誰にでも通用するやり方はありません。 Mutual Rytmには明確なアイデンティティを持たせたいと思っていますが、それに合わせるためにアーティストが自分らしさを変えなければならないとは、絶対に思ってほしくありません。彼らの音楽を信じているから一緒に仕事をするのであって、その個性はレーベルの一部として大切にされるべきです。 忍耐も学びました。アーティストを育てることもレーベルを築くことも、どちらも長い時間がかかります。すぐに結果が出る決断より、何年か先を見据えて理にかなった決断のほうがいい場合もあります。 最近、レーベルはさらに大きな一歩を踏み出しましたね。Mutual Rytm...

Takaaki Itohを言葉だけで表現するのは、本当に難しい。日本で最もアンダーグラウンドで、尊敬を集めるDJ兼プロデューサーの一人である彼の本質を伝えるには、どんな言葉も足りないように思える。彼のテクノ観は純粋で、唯一無二で、ありのまま。ダンスフロアに100％身を置き、世界のことを忘れてこそ、最もよく理解し、体験できる。 Takaaki Itohが出演するのは Muse Festival 2026 だ。彼をラインナップに迎え、そしてここUndertonで話を聞けることを、とてもありがたく思う。電子音楽の過去、現在、未来や、今のお気に入りのトラック、フェスへの期待について尋ねた。インタビューを楽しんで、Balzaq Palaceで一緒に踊ろう！ Agata Omelańska：こんにちは、Takaaki。お迎えできて光栄です。次回のMuse Festivalに出演されるとのことで、Balzaq Palaceでお会いできるのを楽しみにしています。初めて訪れる場所でプレイするのは、どんな気持ちですか？フェスで体験するのが待ちきれないことはありますか？ Takaaki Itoh： 新しい場所、Muse Festivalでプレイするのが、すでに楽しみです！音楽を通じて一つになる人々を体験したいです。 今のお気に入りのオープニングトラックは何ですか？Muse Festivalでプレイするのを楽しみにしている曲はありますか？ イントロには、Monteroの「Long Distance Probe」をよくかけています。それから、Ostgut TonからリリースされたPlanetary Assault Systemsの新作アルバム「Planetary People」をプレイするのが楽しみです。 https://soundcloud.com/ostgutton-official/sets/planetary-assault-systems-9 フェスのラインナップを見てみましょう。即興でバック・トゥ・バックをするなら、デッキの向こう側で誰と組みたいですか？その理由も教えてください。 うーん、選べません。素晴らしい人たちがたくさんいます。でも、誰とでもやりとりできると思います。 あなたのスタイルは年月とともに変化してきましたが、その進化はキャリア全体における重要な要素でした。アーティストとして強い個性を築き、保ってきた方法を教えてください。 若い頃、Jeff Millsのプレイからとても大きな影響を受けました。今もその影響は続いています。長い間オリジナルなスタイルを見つけようとしてきましたが、まだこれからです。 https://www.youtube.com/watch?v=cFyC5WFOkYs&list=RDcFyC5WFOkYs&start_radio=1&t=4071s あなたの個性は、Electracom、Planet Rhythm Records、Mord、Warm...

「変わり者たちのための深夜セット」——Risa Taniguchiの音楽を知るきっかけとして、これ以上の誘い文句があるだろうか？ 東京生まれ、東京育ちの彼女は、日本で最も引く手あまたなDJの一人。尽きることのないエネルギー、洗練されたサウンド、そして精緻な選曲で知られている。CLR、Suara、Kneaded Pains、Second Stateなどのレーベルから楽曲をリリースしており、その一つひとつが、プロデューサーとしての彼女の多彩なスキルを示している。 Risaの音楽は、夜のトランス、機械的なサウンド、感情の重みの間を揺れ動き、これらすべての要素の間に緊張感を生み出す。そして、まだ内なる変わり者を解き放つのに少し気後れしているなら、彼女の最新EP—— 「Magnetic」 ——に、感じること、聴くこと、考えることのすべてを解き放つ手助けをしてもらおう。 Risa Taniguchiは、日本のテクノシーンを牽引する存在だ。正式な訓練を受けたピアニストである彼女は、友人たちを通じてエレクトロニックミュージックの世界を知り、初めてビートを聴いた瞬間に恋に落ちた。2018年、 「Ambush」 でデビュー。このEPはAmelie Lens、Dense & Pika、Pan Pot、Perc、Daniel Averyらから大きな支持を集めた。その後も制作やミキシングに取り組み、DJだけにとどまらず、芸術的な関心を広げてきた。真のブレイクスルーは、CLRからのリリースによって訪れた。 「Acid Flesh EP」 （2022年、Black Asteroidとの共作）と 「So Loud EP」...

一歩ずつ進み、忍耐を身につけ、信じてくれた人たちにいつも感謝する。これが、Nørbakが自ら選んだ道をどう捉えているかを表している。2026年、ポルトガル人DJ、プロデューサーであり、2つのレーベルを主宰する彼は、音楽制作10周年を迎える。そのことが、彼の姿勢が正しかった何よりの証しだ。 「今、キャリアにおいてとても幸せな時期にいます」 と、アーティストは率直に語る。この飾り気のない、しかし喜びに満ちた言葉は、若い世代のプロデューサーたちに大きなインスピレーションを与えてくれる。 Nørbakの出演を前に Muse Festival 2026で、彼にいくつか質問する機会を得た。拒絶や不確かさ、そして努力しても気づかれなかった時期にどう向き合ったのか、また、Oscar MuleroのWarm Upからのリリースが、夢にも思っていなかった扉をどう開いたのかを聞いてみよう。 Agata Omelańska：こんにちは、Artur。お会いできてとてもうれしいです！2026年のMuse Festivalに出演すると知ったとき、とてもわくわくしました。あなたの音楽には、現代のテクノサウンドの好きなところがすべて詰まっていますし、そこであなたを見られるのが待ちきれません。今のお気持ちは？宮殿でプレイする機会は、そうそうありませんよね？ Nørbak：まず、招待してくださったこと、そして私の音楽について温かい言葉をくださったことに感謝します！今年のMuse Festivalでプレイするのが本当に楽しみです。サウンドも演出も、全体の体験も最高のものになるとすでにわかっていますし、会場も本当に見事です。こうした会場でプレイする機会はめったにないので、この特別な場所にふさわしいセットにしたいと思っています。 もちろん、この質問をしたのには理由があります。KawęczynにあるBalzaq Palaceは、イベント会場として素晴らしく、ありきたりではない場所ですから。 フェスティバルでは、アーティストとして、また参加者として、どんなことに心地よさを感じますか？そしてプレイ中、ギグでいちばん好きな瞬間は？ フェスティバルを回る活動は、私にとってまだ比較的新しいものだと言わなければなりません。フェスティバルに頻繁に出演するようになったのは、ここ数年のことです。やはりクラブはいつまでも特別な場所です。観客とのつながりが、より濃密で親密に感じられるからです。とはいえ、フェスティバルのおかげで、私の活動を追っていてもフェスティバルシーズンにしか出かけない人たちとつながる素晴らしい機会を得られました。そのことには心から感謝しています。 https://youtu.be/O802Ux0yncg?si=g8d7DmdZHCpPqvk6 Muse Festivalのラインナップの中で、必聴のアーティストは誰ですか？その理由も教えてください。 Quelzaですね。親しい友人であるだけでなく、音楽の天才で、私たちのシーンを代表する存在の一人になるでしょう。ブースでもスタジオでも、さまざまなエレクトロニックミュージックの形に対して、情熱的で繊細、そして賢明なアプローチを持っているからです。 では、話をあなたに戻しましょう。2026年は、アーティストとしてのキャリアにおいて本当に重要な年ですね。音楽をリリースし始めてから10周年を迎えます。最大限の拍手と温かい祝福に値する節目です。この素晴らしい記念日を秋に特別な形で祝うとおっしゃっていましたね。どんなことに注目すればいいでしょう？また、この機会にあなたがもらう最高の贈り物は何ですか？ 今のところ言えるのは、この記念日を祝うために、特にお気に入りの都市やクラブを巡る小規模なツアーを行い、ツアーと同じ名前のアルバムもリリースするということです。道中では、私が大きな影響を受けたアーティストたちも参加してくれます。また毎晩、オープニングアクトとしてアンビエントのライブセットを披露します。続報は近日発表します！ エレクトロニックミュージック業界で最初の一歩を踏み出したのはどのようにしてでしたか？そして10年が経った今、どこにいますか？ 私の世代の多くのアーティストと同じように、スタジオで音楽を作り、レーベルにデモを送り、ときどき地元でギグをし、そこから少しずつ活動を広げていきました。やがて大きなレーベルと契約し、最終的には海外公演にも定期的に出演するようになりました。正直なところ、綿密な計画などありませんでした。物事は自然に、一歩ずつ進んでいったんです。 今は、正直に言って キャリアにおいてとても幸せな時期にいると言えます。 ずっと作りたいと思っていた音楽を、ようやくリリースできるようになったと感じていますし、自分が発表してきた作品すべてを心から誇りに思っています。DJとしての腕も大きく上達しました。以前から、もっと努力が必要だと感じていた部分です。それに、自分のレーベルは大きな喜びをもたらしてくれますし、長年かけて築いてきたものを本当に誇りに思っています。 https://soundcloud.com/fusebrussels/norbak-recorded-live-at-fuse-260424 自分のスタイルはどのように見つけましたか？そして、少し話がそれますが、それを保ち続けるのはどれくらい簡単ですか？ 本当に自分らしいと感じられる音のアイデンティティを築くまでには、時間がかかりました。長い間、さまざまな理由から、自分は 〜すべきではない あるやり方にこだわってしまうものです。たとえば、僕はずっとベースミュージックが大好きで、エレクトロニックミュージックの中では今でもおそらく最もよく聴いているジャンルですが、何年もの間、その影響をテクノと融合させるのを避けていました。センスがないと思われたり、そもそも一緒にすべきではないものを混ぜていると思われたりするのが怖かったんです。そうすることで、憧れのアーティストたちにどう思われるかも心配でした。 やがて、こう思うようになりました。 「もういい。自分が本当に作りたい音楽を作る。昔気質の人たちの中に気に入らない人がいても、気にしない」 そのとき、ようやく本当に自分らしいと感じられるサウンドを作り始めたんです。 あなたのスタイルや、ほかのアーティストのための場を作ることについて伺います。あなたのレーベルはどのように始まったのでしょうか。エレクトロニックミュージックについてのビジョンと、デモをHayesやNRBKに送るための「秘密の鍵」は何ですか？ Hayesの始まりは、レーベルが今も存続し、何年も意欲を保ち続けている理由とほぼ同じです。特定の、しかし幅広い音楽の好みを共有する友人たちの集まりなんです。矛盾して聞こえるかもしれませんが、これが一番しっくりくる説明です。異なるアイデアやサウンド、美学が共存できる共同体としてのプラットフォームを作ることが、ずっと目標でした。 NRBKについては、当初は自分の音楽だけをリリースするつもりでした。でも、才能ある友人たちの素晴らしい音楽をたくさん聴くうちに、それを自分だけのものにしておくのは違うと感じて、彼らにもレーベルを開くことにしました。それ以来、NRBKではより実験的で繊細なテクノに焦点を当てるようにしています。 契約されるための秘密があるとは思いません。音楽が良く、レーベルのアイデンティティに合っていて、一緒に仕事をしやすい人であれば、喜んで検討します。 https://soundcloud.com/norbakmusic/norbak-suave-lp-nrbk010-previews あなたが代表する地元のシーンについて伺います。ポルトガルのシーンをどのように表現しますか？何が特徴で、どのように機能し、変化し、発展しているのでしょうか。また、テクノ業界の国際的な舞台では、どのように感じていますか？ 今のポルトガルのシーンは、とても活気があると思います。非常に才能のある新人アーティストが大勢いる一方で、シーンを前進させ続けているベテランもたくさんいます。 また、素晴らしい小規模なフェスティバルもいくつかありますし、個人的には世界最高のクラブのひとつだと思うGareもあります。 特にここ4、5年で、シーンが発展してきたことをとても嬉しく思っています。それ以前は、クラブやフェスティバルのシーンがいつも同じ少数の人たちに支配されているように感じることがよくありました。今は多様性や機会が増え、新しい世代のアーティストが自分の居場所を見つけていて、ずっと健全な状況だと思います。 もちろん、まだ成長の余地はあります。スペイン、ポーランド、オランダのような国のほうが、テクノのインフラは整っていると思います。でも、僕たちは間違いなく正しい方向に進んでいますし、ポルトガルのシーンがこれからどうなっていくのか楽しみです。 あなたの音楽は、Warm Up Recordings、Pole Group、Axis、Dynamic...

生々しく、雰囲気があり、実験的で革新的。私たちがPercの魅力を最も感じるのは、まさにそんなところだ。ロンドンを拠点とするプロデューサー、DJ、ライブアクト、そしてレーベルオーナーである彼は、現代テクノのサウンドを語るうえで欠かせない存在のひとりと見なされている。Perc Traxを通じて自身の確かなブランドを築き、世界のシーンを代表する人物としての地位を20年以上かけて確立してきた。その一方で、今も探求と進化を続け、リスクを恐れない。 しかし、最新EPでは、Percのまた違った一面を聴くことができる。「Microtrax」は、世界中を旅し、時差ぼけや見知らぬ環境を経験するなかで生まれた、彼のキャリアで最も個人的で親密、そして内省的な作品だ。新作について、そしてワルシャワのJasna 1で予定されているギグについて、ぜひいくつか質問したいと思った。 Agata Omelańska：こんにちは、Ali。お話を伺えてうれしいです！2026年が始まったばかりなのに、10月に「Soft Launch」をリリースした直後に新しいEPで私たちを驚かせてくれました。本当に素晴らしいですね。「Microtrax」を聴いて、その背景にある物語が気になりました。 初めて「Microtrax」を聴いたとき、強く心を揺さぶられました。音楽的には生々しく、リズミックで、とてもクラブ向きなのに、同時に柔らかさや繊細さも感じられて、とても意外でした。この組み合わせは美しく、とても親密で個人的なものだと感じます。自分のなかにあるこうした層に、どのようにたどり着いたのでしょうか？ Perc： ただ、何か違うものを表現し、少し深く掘り下げて、さまざまな感情を探りたかったんです。最近のテクノの多くは、衝撃と畏怖を与えるような展開に頼りすぎています。現代のハードテクノに含まれる感情は、攻撃的なパンチのようなものだけ。それ自体は問題ないし、とても人気があります。でも、さまざまな感情を伝える音楽を聴いていると、自分が作る音楽にも同じことをさせたくなるんです。 「Microtrax EP」の曲は、ギグへ向かう移動中やイベント後に休んでいるときにスケッチしたので、時差ぼけと見慣れない環境にぼんやりと包まれた状態で制作しました。最初のデモはヘッドフォンで作りました。それが曲に近さや親密さをもたらしたのだと思いますし、自分の声を曲に使ったことで、さらに個人的な作品になりました。 このEPの制作状況について、常に移動し、時差ぼけに悩まされ、世界各地で混乱したり、道に迷ったりするような感覚を抱えていたと話していました。こうした状態や感情は決して楽なものではありませんが、それを誠実な音楽へと昇華させました。あなたのリスナーである私たちに、本当のあなたの姿をこの形で見せてくれて、ありがとうございます。 僕にはいろいろな顔がありますが、最もよく知られているのは、ピークタイムやクロージングのセットで強度を上げ、テクノのハードな側面にアシッドやレイヴの影響を織り交ぜてプレイする姿でしょう。その一面は今も存在していて、ふさわしい時にはまた見られるはずです。でも今は、もっと内省的で、孤立した、空間の広がりを感じる場所へ向かうことに強く惹かれています。 https://soundcloud.com/perc/sets/perc-microtrax-ep-1?si=d43c23b2378141d8ba6c16ba261bc85d&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 新作をこれほど早くリリースするとは思っていなかったとも話していましたね。2025年10月に「Soft Launch」EPをリリースしたばかりですから。間隔は数か月しかありませんが、曲のサウンドや雰囲気には違いがあり、さらに深く内側へ入り込んでいくように感じました。この一歩を踏み出すには、どれほどの勇気が必要でしたか？それとも、まったく自然な決断だったのでしょうか？ 「Soft Launch EP」はかなり前から計画していて、ヴァイナルでのリリースだったため、曲はEPの発売より少なくとも6か月前には完成していました。EPが完成するとすぐに、Hypercolourから自分の曲「The Drums」の新しいリミックスを依頼されました。その頃、スタジオを移転しなければならなかったので、このリミックスはかなり短期間で仕上げました。もっと深く掘り下げたいと思い、完成したのが「Future Mix」です。これが、次に進みたい方向性の青写真になりました。こうしたより深みのある曲は、「Soft Launch」や「Resistor」のような曲に比べて要素が少なく、旅先でも制作できて、クラブでかけてもきちんと響きます。 この変化を勇敢だとか大胆だとか考えたことはありません。ただ、やらなければならないことでした。 ハードテクノのシーンには、賛同できないことや、自分が関わりたくないことが多すぎました。こうした曲をリリースする必要はありませんでしたが、作らなければならないと分かっていたんです。 https://soundcloud.com/perc/sets/perc-soft-launch-ep?si=ffa1f1e4f33146b4aaa546a9d4277aea&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing 「Microtrax」のサウンドは、これまで誰も知らなかった、聴いたことのなかったPercだと言ってもいいでしょう。文字どおり、あなたが自分の声を楽器として使ったのは今回が初めてだからです。声を使った制作はいかがでしたか？抵抗を感じましたか？それとも、声を解放することで、自分のなかの新たな一面も解き放たれたのでしょうか？ ええ、私にとってはかなり違うサウンドですが、本質的には今も「Perc」です。これらのトラックには、以前の作品と同じ要素や制作・アレンジ上の工夫が数多くあります。ただ、それらを違う形で取り入れているだけです。自分の声を使ったのは、EPをできるだけパーソナルなものにしたかったからというのもありますが、世界各地のホテルの部屋でボーカルを録音したので、ボーカリストが私のアイデアを解釈するまで何週間も待つのではなく、その瞬間や感情を捉えたかったからでもあります。ボーカルはとてもクリーンなものもあれば、強くエフェクトをかけたものもありますが、何より大切なのは、それが私自身の声だということです。ボーカルについて否定的なことを言った人はいなかったと思います。これらのトラックで私がボーカルを担当したことに驚いた人はいたとしても。 「Microtrax」は業界から非常に高い評価を受けています。Luke Slater、Daniel Avery、Jennifer Cardini、Randomer、Scuba、DJ Hell、Kwartz、Blush Responseなどから称賛されています。彼らの意見はあなたにとってどんな意味がありますか？また、あなたほど経験豊かで尊敬されているアーティストにとって、フィードバックを求めるのは簡単ですか？ フィードバックの一部は、私が敬愛するアーティストにEPを直接送って得たもので、ほかは私とHype FilterというPR会社が、多数のDJに送って得たものです。そうしても、DJからの返答率はわずか15％ほどでした。これは普通のことです。気に入らない作品に否定的なフィードバックを残さないのは、業界ではよくあることです。ブラウザーのタブを閉じて、先へ進むだけです。 https://www.youtube.com/watch?v=kdKFWhPe1zM 自分のことを完璧主義者だと思いますか？自分に高い基準を課していますか、それとも自分にプレッシャーをかけないようにしていますか？ できる限り高い基準を設定するようにしていますが、完璧を目指すのは愚かなことです。 いつも同じサイクルを繰り返しています。作品を制作している間は自信が持てず、リリースすると好評を得る。それから次の作品に取りかかると、前作に比べて出来が悪いと思い、また同じサイクルが続きます。その理由のひとつは、完成度が半分ほどのデモと、仕上げてマスタリングまで済んだトラックを比べていることです。本当は公平な比較ではありません。 あなたは20年以上にわたってエレクトロニック・ミュージックのシーンで活動してきました。あなたを主な指標とする人も多く、テクノ界で最も尊敬されるプロデューサーのひとりであり、独自のクオリティを築いてきたアーティストだと見なされています。これまでを振り返って、今の自分をどう見ていますか？キャリアで最も重要な成果だと思うリリースやイベントはどれですか？その理由も教えてください。 まさに渦中にいると、客観的になるのは本当に難しいですね！長い間この活動を続けてきましたし、 キャリアを通じて成長を続け、リスクを取ってきたと思いたいです。「Microtrax EP」はその好例です。 キャリアの大半を通じて同じ音楽を作り続けているプロデューサーは多いように思います。サウンドを磨き、使う機材を新しくしても、結局は同じ音楽を何度も作っている。自分は今も存在感と評価を保ち、新しいプロモーターからもブッキングされていると思いたいです。それは私にとって大きな意味があります。何年も毎年一度出演しているプロモーターとの関係もあり、本当に大切にしていますが、新しいプロモーターやイベントと仕事をすることで、自分が愛するシーンの一員であり続けていると実感できます。 時系列で挙げると、私にとって重要な作品は次のとおりです。...

創作の過程は、疲れ果てるほど大変で退屈なこともあれば、多くの犠牲や、スタジオで費やす膨大な時間を必要とすることもある。ところが、まったく正反対の場合もある。そのとき苦労に取って代わるのは、気楽さ、楽しさ、そして創作する純粋な喜びだ。クリス・リービング初の完全なソロ・アルバムの背景にあるのは、疑いようもなく後者の、ずっと明るい物語だ。 結果ももちろんとても重要ですが、自分のしていることを楽しめなければ、その結果に何を期待できるでしょうか？ そう語るのは、誰もが認めるレジェンドであり、ヨーロッパのテクノを切り拓いたパイオニアのひとり。その答えは、彼の新作LPを聴けば見つかるはずだ。アルバム『Evolver』は3月27日、クリスのレーベルCLRからリリースされる。ワルシャワのSmolnaでの公演を控えたこのアーティストは、アルバムの背景にある、美しく力強く心を動かす数々のエピソードを私たちに語ってくれた。 アルバム『Evolver』は予約受付中！ Agata Omelańska：こんにちは、クリス。Uにお迎えできてうれしいです。またポーランドに来てくれることをとても楽しみにしています。ここではいつでも歓迎されていることを知っておいてくださいね！インタビューの時間を作ってくれてありがとう。 今回は、あなたのキャリアにおけるとても特別で、画期的とさえ言える瞬間についてお話しします。3月27日にリリースされる、初のソロ・テクノ・アルバムです。おめでとうございます。新しい音楽にとても感銘を受けました。最初の質問は少し変わっているかもしれませんが、言葉についてです。タイトル『Evolver』はどこから来たのでしょう？そして、このアルバムにはどんな物語があるのでしょうか？ Chris Liebing： 私はずっと、アルバムという形には、12インチ盤を1枚出すだけでは表現できないものを表す力があると思ってきました。今回はクラブ・テクノの作品で、もちろんMute Recordsからの直近2作についても同じことが言えます。アルバムには、何かより深い意味が込められるべきだと常に感じていました。2000年代初頭、アンドリュー・ウッデンと共同プロデュースした最初のテクノ・アルバムは、2003年にCLRからリリースされ、『Evolution』と名付けられました。私は生物学的な進化だけでなく、哲学的な側面や、人間としてどこへ向かっているのかということにも、昔からとても、とても、とても、とても強い関心を持っていたからです。 Muteからの2枚のアルバムには、そうした哲学的な引用が数多く含まれていました。一方、『Evolution』は、曲名にも表れているように、文字どおり進化をテーマにした作品でした。だから『Evolver』では、クラブ向けの作品を作りながら、さらに深く掘り下げていきたいと思ったのです。テクノDJ、プロデューサーとして過ごしたこの20年、あるいは25年のあいだに、さまざまな面で自分が進化してきたと感じていました。そして、自分の考えを音楽にできるところまで来たのだと思います。 誰もがそれぞれの道を、自分のペースで進化していきます。 私にとっては何かが展開し、形になっていきました。アルバム収録曲のひとつである「Unfold」が示唆しているのも、そういうことです。「Evolver」のほうが、自分自身の歩みをよりよく表していると感じました。 https://www.youtube.com/watch?v=MS5MEab1zLY あなたは多くの人から、アイコンであり、パイオニアであり、テクノというジャンルの最も重要な人物のひとりと見なされています。シーンで30年を過ごし、数多くの作品、ギグ、リミックスを発表し、この業界で豊富な経験を積んできた今も、初めてのことに挑戦しました。この挑戦にどう取り組み、目標を達成するまでの道のりで何がモチベーションになりましたか？ 新しいアルバムについて考え始めたのは、もう2年前です。Mute Recordsからリリースした、ラルフ・ヒルデンボイテルとの前作『Another Day』を出した後でした。早い段階から、テクノのルーツに戻りたいと思っていました。Muteのアルバムは、どちらかというとじっくり聴くための旅を意図した作品だったので、今度はクラブ向けのアルバムを作りたいと感じていたんです。これは、テクノ音楽に関して今の自分がいる地点、そしてどこまで進化してきたかを、とてもよく反映しています。最初の質問への答えを少し繰り返すことになりますが。 テクノのアルバムを作りたいと思っていましたし、ひとりで作ることも決めていました。 その理由のひとつは、スイスに移住して、自分が仕事をしたり実験したりするのが大好きな、とてもとても居心地のよい素敵なスタジオを構えたことです。スイスでの新しい生活のおかげで、山や自然の中でたっぷり時間を過ごしながら、機材や電子機器に囲まれて、日中に経験したことを夜に音楽へと変えることができました。そんなふうに1年半ほど制作を続けて、この作品が形になっていきました。 ごく自然な形で実現していきました。大きな計画があったわけではありません。基本的には、その時々にやりたいと思ったこと、スタジオでその日にするべきだと感じたことをやっていました。ある時点で、いくつかのプロジェクトがまとまり始め、自分の中で意味を持つようになりました。そして、それらが一つになって、今聴いてもらえる最終的なアルバムになったのです。 「Evolver」はあなたのソロアルバムですが、Luke Slater、Speedy J、The Advent、Terence Fixmer、Pascal Gabriel、Daniel Miller、Charlotte de Witteなど、多くの興味深いゲストを招いて共作しています。昔からの友人や、初めて一緒に仕事をする人たちと制作するのはいかがでしたか？ すべてがとても自然にまとまりました。この2、3年、Luke SlaterやSpeedy JとはCollabs 3000としてたくさんのセットを一緒にプレイしてきましたし、音楽も一緒に作ってきました。Speedy Jと僕はNovamuteからCollabs 3000名義の作品をリリースしています。スタジオにいるとき、彼に新しいアルバムを制作中だと伝えて、少し一緒にセッションしないかと誘ったのが、この曲の始まりでした。最初からきちんとした計画があったわけではありません。Luke Slaterは一緒にプレイしたとき、イントロ用にアシッドなフレーズを少し作ってくれたので、それを曲にしようと僕が提案し、実際にそうしました。Terence...

Instytut、25周年おめでとう！2025年、ポーランドのエレクトロニック・ミュージック業界を代表する、最も象徴的な取り組みのひとつが、節目を迎えるだけでなく、何よりもその豊かな遺産を祝います。 2025年9月19日〜20日、イベントシリーズは原点に立ち返りました。電力工学研究所の稲妻のシンボルのもと、Marcel Dettmann、James Ruskin、Tommy Four Seven、MOIA、DJ Rush、Błażej Malinowskiなどのアーティストが届ける、質の高いテクノを愛する人々が一堂に会しました。  そして、現地インタビューにUndertonの特別ゲストとして登場したのは、 Stephanie Sykes でした。英国生まれ、ベルリンを拠点に活動する彼女は、荒々しく、催眠的で、本格的なテクノを表現するアーティストです。Instytutへの2度目の出演、 AETHA との興味深く、相性抜群のバック・トゥ・バック、そして現在スタジオで取り組んでいることについて話を聞きました。 インタビュー全編はU.のYouTubeチャンネルでチェックしてください！ https://www.youtube.com/watch?v=HJFVRsvUMjE Stephanie Sykesの各種アカウントはこちら： Facebook： https://www.facebook.com/profile.php?id=100044423646591 Instagram： https://www.instagram.com/stephaniesykes/  SoundCloud： https://soundcloud.com/stephanie-sykes 

インタビュアーとインタビューされる側には、よく知られた共通点がある。ルーツだけではなく、音楽への情熱を共有し、ひとつの目的のもと、濃密な芸術世界を人々に届けたいという思いだ。それは、ダンサーを恍惚の瞬間へと導くこと。私は今回、テンポよくAda Kalehからいくつか答えを引き出すことにした。彼は私にとって魅力的であると同時に、ポーランドの聴衆に丁寧に紹介する価値のある人物だと感じていた。この出来事の輪の中で、視野を広げ、知識を深め、動きを感じてもらうために。 Ada Kalehは、ブカレストを拠点とするルーマニア人のエレクトロニック・ミュージック・プロデューサー兼DJの別名義だ。ステージネームは、ドナウ川にあった現在は水没したオスマン帝国時代の島、Ada Kalehに由来し、彼のアイデンティティに神秘性と文化的記憶の層を加えている。彼の音楽はミニマル・テクノ、ダブ・テクノ、深みのある音響テクスチャーを融合させており、長く展開していくグルーヴとともに、催眠的で有機的、サイケデリックだと評されることが多い。わかりやすいドロップや大箱向けの高揚感を追い求めるのではなく、繊細なディテールと没入感のあるサウンドデザインに重点を置いている。彼の作品は、次のような国際的に高い評価を受けるレーベルからリリースされている。 R&S Records そして、アンビエントに特化したそのサブレーベル、 Apollo Records。作品そのもの以上に、今回は現在の取り組みについて、そして何よりも Supersanityについて話を聞きに来た。SupersanityはAda Kalehがキュレーションする学際的なイベントシリーズで、音楽、ファッション、演劇、ビジュアルアートが交差する。インクルーシビティ、敬意、そしてその場にいることを大切にし、ダンスフロアでは携帯電話の使用を禁止する一方、差別のない安全な場を育み、テクノのエレガントな側面を祝福している。これまでSupersanityのアートイベントは トレヴィーゾとブカレストで開催され、次回は 10月18日にブカレストのForgeで、Tresor Berlinとのパートナーシップのもと再び開催される。 世界各地で活動する彼だが、ポーランドの聴衆は、2022年に ポズナンのSchronで地元の才能あるアーティストたちと共演したセットを覚えているかもしれない。これを踏まえて、ブカレストのSupersanityというプラットフォームの拡大と、Ada Kaleh自身のアーティストとしての歩みについて、いくつか質問していこう。 こんにちは！まずは気軽な質問から始めましょう。以前、ポズナンのSchronでポーランド公演をしていますね。これまで出演したほかの場所と比べて、ポーランドのシーンをどう見ていますか？また、こちらのエレクトロニック・ミュージック全体のムードについて、どんな印象を持っていますか？ こんにちは！はい、以前ポーランドでは何度か出演していますが、ここ数年ではSummer Contrast FestivalとSchron Poznanだけですね。正直に言うと、一般的にフェスティバルはあまり好きではありません。もっと親密な雰囲気で、ニッチな客層のクラブのほうが好みです。Schronでのプレイは楽しかったです。よりミニマルな夜の出演としてブッキングされていたのですが、結局テクノ寄りのセットをプレイしました。観客もそれに応えてくれました。ポーランドには、荒々しくざらついたテクノの側面を好む傾向があるようです。いつかぜひポーランドに戻りたいですが、単なるDJセットではなく、一晩通してプレイしたいですね。ドローンやアンビエント、ダウンテンポからテクノまで、そして最近、次のアルバムに向けて制作している、より高いBPMのサイケデリックな曲も含め、自分の音楽的知識をすべて表現できると思います。 あなたについて調べてみたのですが、音楽との出会いや初期の関わりについてはあまり見つけられませんでした。すべてはどのように始まったのでしょう？ へへ、それはつまり、目立たずにいることや、ソーシャルメディア、恥ずかしげもない宣伝、「業界で成功しようとする」ゲームに巻き込まれないことが、うまくできているということですね。最初から話すと、音楽、とりわけエレクトロニック・ミュージックとの関わりは1992年に始まりました。父と近所の人たちが電子機器を買いにドイツへ行き、父が適当に選んだレコードを何枚か持ち帰ったんです。そのうちの2枚がVisions of ShivaとSven Vathでした。それがきっかけです。1998年ごろ、初めてコンピューターを手に入れたときに制作を始め、その後ハードウェアのシンセやエフェクターも使うようになりました。当時はトランスに夢中で、最初のレコードは2002年にリリースされました。それから、アーティストとしての自分の成長に関して多くのことが変わりました。 https://soundcloud.com/adakalehromania/sets/ada-kaleh-o-seara-de-ragaz-1?si=a2664cfb16234c2abbade2b3ec644575&utm_source=clipboard&utm_medium=text&utm_campaign=social_sharing Supersanityのほかに――その話は後ほどするとして――今、特に楽しみにしているコラボレーションや芸術的な交流はありますか？ おそらく、ミニマル・ハウスとしてはこれが最後になるリリースが、この秋に控えています。親しい友人であるWareikaとのコラボレーションです。数年前からこの曲たちを寝かせてきましたが、今のミニマル／ハウスシーンがひどい状態にあることを考えると、これほど本物の作品をリリースしないのは惜しいと思ったんです。今後に向けて、進行中のグループプロジェクトや個人プロジェクトはありますか？ グループプロジェクトについて言えば、今はすべての力をSupersanityに注いでいます。さまざまな環境で活動するアーティストを支援し、ここブカレストに、機能するテクノと学際的なアートのシーンを築こうとしています。 個人プロジェクトでは、この3年間、とても実験的で「ぶっ飛んだ」アルバムに取り組んできました。アルバムは基本的に、2022年7月18日に経験した臨死体験を音で翻訳したものです。これまでに作ったものとはまったく違います。 今この瞬間、音楽を作ることと演奏することを、どのように捉えていますか？ 今でも音楽を作ることが本当に大好きです。それこそが、まさに私を形作っているものです。25年間ずっと続けてきましたが、今になってようやく、本当に意味のあるものを創り、新たな宇宙を探求していると感じています。目的や用途のある機能的な音楽を作るのをやめようと決めたとき、解放されたと感じました。次にどんなものを生み出せるのか、とても楽しみです。一方で、今のシーンの状況で音楽を演奏するのは、ほとんどの場合、まったくの悪夢です。人々は音楽に注意を向け、内省的な体験をする能力を失ってしまいました。それに、最近リリースされる音楽の大半はまったくひどいもので、誰もが互いの真似をして、同じ型にはまった作品を何度もリリースしています。主な理由は、流行に乗ってギグを獲得しようと、みんなが躍起になっているからです。要するに、システムから利益を得ようとする寄生虫です。 それでは、Supersanityについて掘り下げていきましょう。このプロジェクトの詳細や見どころ、あるいは隠れた瞬間について教えていただけますか？イベントを体験する前に、どんなものなのか少し感じられるように。 実のところ、Supersanityの全体的なコンセプトは、その場にいて、その瞬間を自分自身で体験することです。この雰囲気はそのままにしておいて、みんなが準備できたときに、自分で見つけて解き明かしてもらおうと思います。 Supersanity イベントチケット 以前の対談では、シーンへの失望、つまり改善できることや間違っていることについて少し触れました。こうした懸念を読者に聞かせてもらえますか？ ああ、シーンの欠点をいつも指摘する「ヘイター」だと思われたくはないんです。というか、芸術に関わること全般についてそうですね。だから、ただ、表面的なものやメインストリームの外で、意味のある体験を求める人たちのための選択肢を作ることに集中します。 将来、コラボレーションしてみたいアーティストはいますか？ はい、Jeff...

クラスは、サウンドの質とともになければならない。とりわけ、丁寧にキュレーションされ、厳選された、時代を超えるエレクトロニック・ミュージックを届けることを目指すなら、妥協できない価値観だ。イギリス人プロデューサー兼DJで、レーベルSK_elevenの創設者でもあるSetaoc Massも、まさにそうした姿勢でよく知られている。細部にまで気を配り、アーティストとしての一貫性を最優先する姿勢によって、彼はエレクトロニック・ミュージック界で大きな尊敬と称賛を集めてきた。 そんなSetaocが金曜日のヘッドライナーに選ばれたのも、当然のことだ。 Muse Festival 2025。 Agata Omelańskaが、イベントの印象やパフォーマンスで音楽を選ぶことの重要性、そして今年6月にリリースされた最新EP『Where The Rainbow Begins』の着想について、アーティストに話を聞いた。 Agata Omelańska：やあ、Sam。グダニスクのMuse Festivalであなたの演奏を聴けてうれしかったです。さらに、いくつか質問できる機会をいただけて光栄です。まずは、いちばんホットな話題から始めましょう。フェスティバルはいかがでしたか？楽しめましたか？会場にはどんなことを期待していましたか。また、Museでのセットの選曲は何を基準にしましたか？ Setaoc Mass： やあ！招いてくれてありがとう。フェスティバルは最高でした。会場も気に入りましたし、観客も素晴らしく、音響も最高でした。音響は最も重要な部分です。とてもつながりを感じました。 教会で演奏するのは今回で2回目だとおっしゃっていましたね。アーティストとしてのあなたにとっても、ダンサーである私たちにとっても、本当に素晴らしい体験でした。観客のエネルギーを感じ、それが忘れられないパフォーマンスにつながっていたらうれしいです！ そうですね。キャリアの中でほかに一度だけあったと思います。2018年か19年に、Jeff Millsと一緒でした。 小規模で、まだ始まったばかりのDIYフェスティバルに出演してくれて、本当にうれしいです。アーティストの立場から、こうしたイベントをどのように捉えていますか？ フェスティバルはすでに、素晴らしく親しみやすいチームと運営体制が整った、居心地のいい、確立されたイベントという印象でした。 これまで出演した中で、最も大規模なフェスティバルと最も小規模なフェスティバルはどこですか？それぞれ、どんな経験になりましたか？ 人数で判断するのは難しいですね。観客がどれくらいの規模なのかを見積もるのがとても苦手なんです。ただ、キャリアの中で大きなステージにもいくつか出演してきました。大規模でも小規模でも、いつも自分のサウンドを届けようとしています。 レコードを掘るときの基準は何ですか？どんな音楽にすぐ惹かれますか？特にインスピレーションを受けるジャンルはありますか？あるいは、セットやポッドキャストに入れるべき「この曲だ」と思えるトラックを見つけたと感じるのは、どんなときですか？ 毎日新しい音楽を探しています。時には探しすぎるくらいです。僕にとっては、まずプロダクションそのもののサウンドが大切です。ミックスダウンの質が適切でなければ、すでに自分向きのトラックではありません。 次にアイデアですね。一般的には、電子音が響く、推進力はあるけれど荒々しくないトラックに惹かれます。「よし、これは自分向きだ」と思うまでに、トラックにはたくさんの基準をクリアしてもらわないといけません。 https://soundcloud.com/groove-magazin/groove-podcast-446-setaoc-mass セットでよく選ぶアーティストやプロジェクトはありますか？あるとしたら、その音楽を初めて聴いたときのことを覚えていますか？ 最近は本当に多くのアーティストがいますが、このところ惹かれているレーベル／プロジェクトはPrimordial Stateです。Markus SuckutとSven Eickhoffによる、比較的新しいレーベルです。音楽からアートワークまで、レーベル全体の美意識がとても心に響きます。 ご自身の作品についても伺います。先日、レーベルのSK_elevenから新しいEP『Where The Rainbow Begins』をリリースされました。このEPの背景にあるストーリーは何ですか？主なインスピレーションは何で、それをどのように音楽の言葉に置き換えたのでしょうか？ 自分のタイトルや音楽には、潜在的なメッセージがたくさん込められていると思います。意味はないけれど、響きがいいだけのものもあります。このEPは主に、妻とポルトガルへ移住し、新しい生活を始め、太陽の下で暮らすことについての作品です。だから、飼い犬には「Sundogs」というタイトルを付けました。これは写真にもある現象だと、あとから知りました。EPを作るときは全体として、似たトラックや相性のいいトラックをつなぎ合わせるようにしています。B面には少しメランコリックな曲を、A面にはよりアップビートな曲を置くことが多いですね。 https://skeleven.bandcamp.com/album/where-the-rainbow-begins SK_elevenのボスとして、Arkan、BLANKA、Phil Berg、Rene Wise、Ignezなどのアーティストの作品をリリースしてきました。まさに宝の山ですね、おめでとうございます！最も誇りに思うのは誰ですか？また、あなたの意見では、近いうちにキャリアが大きく花開きそうなのは誰でしょう？ レーベルのキュレーションには、本当に力を注いでいます。懸命に取り組み、サウンドを前進させてくれる人を見たいですし、音楽面でも個人としても投資したいと思える相手であることが大切です。レーベルにいる全員が僕の心の中で大きな存在です。彼らが僕を信頼してくれていること、そして僕も彼らを信頼していることに感謝しています。 彼らのサウンドに「変化」が見られないか、2〜3年後に方向性を変えるような人ではないか、いつも注意しています。このレーベルが、伝説的なテクノ・レーベルのひとつとして歴史に名を刻みたいと思っていますし、すでにその道を歩んでいるように感じます。特定のアーティストをひいきすることはできません。みんな個性的で、とても才能があります。 十分に強調できていなかったかもしれませんが、ここにいるアーティスト一人ひとりを応援しています。彼らの音楽は、私の好みにとても合っているので！さて、最後はインスピレーションに関する質問です。あなたのミューズは誰、あるいは何ですか？音楽に限らず、人生全体について、人、場所、活動、アイデアなど……。 妻はいつも私を支えてくれますし、犬もそうです。家やスタジオにいるときが、いちばん音楽とのつながりを感じます。自然の中でちょっと休憩するのも、とても助けになります。インスピレーションに対する考え方は、年月とともに確実に変わりましたし、人生がたどってきた道のりにとても満足しています。 インタビューと、Muse Festivalでの素晴らしいセットを本当にありがとうございました！ご活躍をお祈りしています。またポーランドでお会いして、音楽を聴けるのを楽しみにしています。

野心的で、自分の思い描くとおりに音楽を作ることに情熱を注ぐ一方、テクノだけに自分を限定しない。ドイツ人DJ兼プロデューサーのAfem Sykoにとって、大切なのは特定の方向性を無理に押し通すことではない。デビューEP『RAS1』はR Label Groupからリリースされた。彼自身と同じように創造性を自然に育み、絶えず変化する自分の好みに合わせていくことだ。 こうしたオープンな姿勢のおかげで、DOOM、Respira Festival、Hardlab、Synoid Weekenderなどのイベントやフェスティバルに出演する機会を得てきた。ほんの一例を挙げるだけでも、これだけある。 Theia Crushに招かれたAfem Sykoは、10月5日にヴロツワフのクラブTransformatorでプレイする。そこで、彼の音楽活動の初期や、元ボクサーとしての人生とテクノ界の頂点へ向かう道のりとの共通点などについて、いくつか質問した。 Agata Omelanska：こんにちは、Afem。お会いできてうれしいです。お忙しいとわかっているので、インタビューの時間を作っていただけてとても感謝しています。それでは始めましょう！ Afem Syko：お招きいただき、本当にありがとうございます！このインタビューに参加できてうれしいですし、お話しできるのを楽しみにしていました。それでは始めましょう！ 少し難しい質問から始めます。まず音楽以外のことについて、あなた自身のことを教えてください。どんな人で、何に興味があり、誰（あるいは何）に刺激を受け、情熱を注いでいることや好きな活動は何ですか？ こんにちは、Matthiasです。ドイツ北部の小さな街で育ちました。子どもの頃は屋外で過ごすことが多く、自然を探検したり、周りにあるものを何でも吸収したりしていました。昔からスポーツ、特にボクシングに強い情熱を持っていて、そこで規律や集中力、自分の限界に挑む大切さを学びました。故郷は大好きでしたが、もっと広い世界を見てみたいと早くから思っていました。だから、機会を得るとすぐに新しい経験を求め、視野を広げるために故郷を離れました。旅をしたり、新たな課題に挑んだり、居心地のよい場所から一歩踏み出したりと、もっと多くのことを知りたいという思いが、いつも私を突き動かしてきました。 エレクトロニック・ミュージックの世界に入る前は、どんな生活を送っていましたか？あるいは、学校や大学などで、かなり早い時期から何らかの形で音楽業界とつながりがあったのでしょうか？ エレクトロニック・ミュージックに出会う前は、生活の中心はスポーツ、とりわけボクシングでした。本気で打ち込み、プロになる道を歩んでいて、何度も試合を経験しました。初期の頃、最も親しんでいた音楽はヒップホップで、今の自分を形作るうえで大きな役割を果たしました。興味が少しずつ変化し、エレクトロニック・ミュージックの世界を知るまでは、いつもヒップホップを聴いていました。 ボクシングの規律から音楽の創造的な世界へ移ったことは、私にとって大きな転機でした。一見まったく異なる道ですが、どちらにも強い献身と情熱が必要で、それを音楽のキャリアにも生かしてきました。あの頃のエネルギーと意欲は、今の仕事への取り組み方にも確実に影響しています。 人生から得たインスピレーションのなかで、最も大切なものを一つ挙げるとしたら、何（または誰）ですか？その理由も教えてください。 2010年に開催された最後の公式Love Paradeは、私の人生を決定づけた出来事です。初めてのテクノイベントだっただけでなく、音楽を作る道へ進むきっかけにもなりました。あのエネルギーや一体感、そして音楽は、それまでに経験したことのないもので、まさに私にとって文化的な目覚めでした。しかし、その日は悲劇とも結びついています。痛ましい事故で、多くの人が命を落としたのです。この体験の二面性は、今も心に残っています。テクノの力が人々を結びつけることへの深い喜びと、命がいかにはかないかを思い知らされること、その両方です。 では、今度は音楽の話をしましょう！初めてのレイヴを覚えていますか？誰があなたをテクノクラブに連れて行き、今では情熱だけでなく仕事にもなっている世界を見せてくれたのでしょう？また、あなたのスタイルに最も大きな影響を与えたアーティストは誰ですか？ 皮肉なことに、初めてのレイヴ体験は、人生で最も大切なインスピレーションにもなりました。テクノとの出会いにとどまらず、自分の音楽的な関心が大きく変わった瞬間でもありました。あのエネルギーと雰囲気が心に残り、こここそ自分の居場所だとすぐにわかりました。実はその日、行くことにあまり乗り気ではなかったのですが、友人たちに誘われて一緒に行きました。今振り返ると、誘ってくれてよかったと思います。ちょっとした選択が人生を変える道につながることもあるのだと、改めて感じさせてくれる出来事です。 テクノの世界を探り始めた頃、Paul Kalkbrenner、Richie Hawtin、The Advent、Industrialyzerといったアーティストに惹かれました。 それぞれに独自の魅力がありました。Kalkbrennerのメロディーで物語を紡ぐような表現、Hawtinの革新的なアプローチ、そしてThe AdventとIndustrialyzerの荒々しく力強いエネルギー。彼らは皆、私のサウンドを形作り、テクノへの情熱をかき立てるうえで重要な役割を果たしました。 Afem Sykoプロジェクトはどのように始まったのでしょうか？活動を始めた頃はどのような感じで、いつ自分に最も合うサウンドを見つけ、現在は主にどのジャンルのエレクトロニック・ミュージックに取り組んでいますか？ しばらく別々の名前で楽曲制作やDJ活動をしていた後、新たなスタートを切りたいと感じたことが、Afem Sykoプロジェクトの始まりでした。数年前、変化し続ける自分のアーティストとしてのビジョンに、より合った新しい名義が必要だと考えたんです。Afem Sykoでは、これまでの活動に縛られず、新たな領域を探求できる場所を作りたいと思いました。 最初は、さまざまなサウンドやスタイルを試しながら、自分に本当に響くものを探すことに尽きました。自分の心に響く新しいサウンドを探し続けることが、昔からの原動力ですし、これからも変わらないと思います。特定の方向性を無理に決めるのではなく、自分とともにプロジェクトが自然に成長していくのに任せることが大切なんです。自分の好みも変化し続けていますから。 主にテクノを制作していますが、ほかのジャンルからの影響を取り入れることにも常に前向きです。Afem Sykoプロジェクトの魅力は、その時々の自分の状態を反映していること。僕とともに、これからも変化し続けていくでしょう。 こうした活動は、どのようにしてR Label Groupにつながったのでしょうか？Kobosilとはどのように知り合い、彼のレーベルから音楽をリリースする機会を得たのですか？ きっかけは、僕のトラックはR Label...