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初期に触れた音楽は、人間として、アーティストとして、そして一般に、特定のジャンルのライフスタイルを送る一員としての私たちに、どれほど強い影響を与えるのでしょうか？ベルリンを拠点とするDJ、プロデューサー、レーベルISARNのオーナーであり、オープンマインドな音楽愛好家でもあるParallxに聞いてみましょう。Theia Crushに招かれたJonasは、4月6日にワルシャワのクラブOczkiでプレイします。次のギグを目前に控えた彼に、育った音楽的背景と、未来を強く意識した姿勢について話を聞きました。それはサウンド面だけでなく、ISARNの新進アーティストたちと共有するメンタリングの考え方にも表れています。 Agata Omelańska：こんにちは、Jonas。来てくれてうれしいです！私と同じく90年代生まれということですし、この10年間は音楽史における大きな節目でもあります。まずは少し振り返るところから始めましょうか。   電子音楽にまつわる最初の記憶について教えてください。それはどんな出来事で、当時何歳でしたか？また、子どもの頃とアーティストになってからの両方において、その記憶はあなたの人生でどんな役割を果たしましたか？ Parallax：電子音楽に関する最も古い記憶は、8歳か9歳くらいの子どもの頃にさかのぼります。当時、ラジオが内蔵されたカセットプレーヤーを持っていて、レゴで遊ぶときにはいつもそれに夢中になっていました。いろいろなラジオ局にチューニングを合わせ、お気に入りの曲をカセットに録音して後から聴くのが、本当に楽しかったです。 何年もたってから、父の地下室を探検していたとき、まさにその古いカセットプレーヤーを見つけました。それをベルリンのアパートに持ち帰り、90年代後半のアシッド・テクノの録音が詰まったテープを掘り当てました。最初は不意を突かれたような発見でした。でも、DJとして歩んできた道のりや、オールドスクール・テクノへの深い愛着を振り返るうちに、すべてが腑に落ち始めました。 電子音楽との歩みでもうひとつ大切な瞬間となったのは、2008年にCrystal Castlesを知ったことです。彼らの革新的で荒々しいサウンドは、僕自身の音楽活動の方向性に大きな影響を与えました。 90年代のヒップホップ、ブリットポップ、グランジ、ニューメタル、インダストリアル、R&Bやネオソウル、そして電子音楽のあらゆるサウンド。子どもやティーンエイジャーだった頃は、何を聴いていましたか？テクノ／レイヴのシーンに足を踏み入れる前、最も心に近かった音楽は何でしたか？   子どもの頃、僕の音楽世界の中心にあったのは、主に60年代のロックの名曲と、父が聴いていたヒッピー系の音楽でした。The Rolling StonesからJimi Hendrix、Eric Burdon & The Animals、Jefferson Airplaneまで。幼い頃の思い出の品として大切にしているのが、Rolling Stonesのカセットです。6歳の誕生日に父からもらったもので、僕の音楽的な歩みに大きな影響を与えました。 ティーンエイジャーになってもロックへの情熱は続きました。スケートボードが好きだったことも、その一因です。Emericaの『This is Skateboarding』（2003年）のようなスケートビデオを通じて、新しい音楽に出会いました。今でもあの曲を聴くと、ティーンエイジャーだった頃の黄金の日々と、ただスケートボードの世界を楽しんでいた時間に引き戻されます。あの頃が恋しいです！ ティーンエイジャーの後半になると、音楽の好みはパンクロックへと移り、The Misfits、The Dickies、Johnny Thunders、The Stoogesのようなバンドの生々しいエネルギーに安らぎを見いだしていました。パンクのライブに時々行っていましたが、内向的な性格のせいで、心から楽しめないこともよくありました。ティーンエイジャーの頃、電子音楽は周辺的な存在にとどまっていました。当時の音楽の探求の多くを特徴づけていたスケートボードとの強いつながりがなかったからです。 この融合は、EBMに惹かれる理由も説明してくれます。テクノの領域にロックの生々しいエネルギーを宿しているからです。でも最近は、より幅広いジャンルを探求していて、ロックの影響がそれほどすぐにはわからない、もっと多彩な音楽の引き出しを持つようになりました。こういう「邪悪な」音楽には少し飽きてしまったんです。今は音楽にもう少し幸せな気分が欲しいですね。 そうした初期のインスピレーションは、その後あなたにどのような影響を与えましたか？音楽の好みをどう形作り、音楽制作へと導いたのでしょう？そして、どのようにしてParallxというプロジェクトにつながったのですか？   プロデューサーとしての歩みに、この音楽が与えた影響は僕のスタイルにはっきり表れています。僕の作品はざらつきがあり、強く歪ませたものになりがちです。特に初期の作品、たとえばR Label Groupからリリースしたものにはその特徴がよく表れています。たとえば、Radical...

努力家で、DIYシンセやモジュラーシステム、レコードに情熱を注ぐDEAS。その人柄はまさに本人そのものだ。クラクフを拠点とするプロデューサーである彼は、ポーランドを代表するエレクトロニック・ミュージックの才能の一人で、CLR、Dynamic Reflection、A R T S、Planet Rhythm、Materiaといったレーベルから作品をリリースしてきた。2024年、彼は『Form & Flux』と題した新作EPを携えて戻ってきた。ライフスタイルとなった情熱や、ミュージシャンが直面する課題、自分自身を認めることについて、Undertonに思いや考えを語ってくれた。 インタビュー全文をチェックして、Karolの新作を聴き、クラブやフェスティバルで彼のヴァイブを感じてみよう！ Agata Omelańska：こんにちは、Karol。お会いできてうれしいです！今、あなたの生活にはいろいろなことが起きていて、質問リストも終わりが見えないほどですが、まずは軽い話から始めましょう。お元気ですか？2024年はここまでどんな感じですか？何をして過ごしていて、これから経験する予定のことで、最もワクワクする出来事やイベント、コラボレーションは何ですか？ DEAS：やあ！招いてくれてありがとう。2024年はまずまずのスタートだよ。スタジオでいろいろなプロジェクトに取り組みながら、ギグもこなしているので、順調と言えるね。いつもどおり良いことも悪いこともあるけれど、不満はないよ。最近、友人のAli、別名Dubfireのためにリミックスを制作したんだ。もうすぐリリースされるよ。それから、新しいEPを2作仕上げたところで、どちらもデジタルとレコードでリリースされる。そう、いろいろなことが起きているよ！:) 新しいEPがリリースされたばかりなので、答えの一つはもう分かっている気がします。『Form & Flux』の背景にあるストーリーを教えてもらえますか？制作にはどれくらいかかりましたか？主なインスピレーションの源は何でしたか？ そう、『Form & Flux』はリリースされたばかりで、このEPには5～6週間ほど取り組んだよ。最も苦労したのは「Flux」だった。アレンジもビートも、文字どおりすべて揃っていたのに、しっくりこなかったんだ。メインのテーマは、あえて言えば「特に目新しくないもの」だった。何か違うものを探して2日間過ごして、最終的にモジュラーシステムを使って録音した。今でもとてもシンプルな作品だとは思うけれど、今は人の心にさまざまなレベルで触れる力がある。インスピレーションについては、いたってシンプルだよ。いつも機械とのやり取りを楽しみながら、自分と楽器の間に絆をつくろうとしている。その副産物として、テイクを一つずつ録音し、編集して、最終的な形のトラックに仕上げるんだ。 このリリースにあたって、自分に何か具体的な目標を設定しましたか？あなたの人生やキャリアのどんな時期を表していて、リスナーに何を伝えたかったのでしょう？ このEPはかなり荒々しいと言わなければならないね。グルーヴがあって、セクシーで、速すぎない。僕が捉えるテクノを表現していて、自分自身のスタイルも反映している。この作品では、また少し違ったものを見せることを目指した。BAUMUZIKからのリリースをすべて見てもらえば、一貫したビジョンがある一方で、毎回そこに少し新しい顔が加わっているのが分かると思う。 自分の作品に対する好意的な反応が、「これだ！」という確信を与えてくれる。自分自身に執着したり、栄光を求めたりはしない。僕にとって、この「仕事」はライフスタイルなんだ。 少し大胆な質問かもしれませんが（まあ、思い切って聞いてみます）：自分の作品に満足し、気に入っていますか？全般的に、自分のリリースをどう捉えていますか？ミュージシャンとしての功績を誇りに思いますか？ 完全に満足することはないよ。正直、何かを完成させると、それを聴けなくなるんだ。ライブで試したとき、リスナーの反応によって、リリースする価値のあるものを作れたという自信が得られる！自分の作品に対する好意的な反応が、「これだ！」という確信を与えてくれる。自分自身に執着したり、栄光を求めたりはしない。僕にとって、この「仕事」はライフスタイルなんだ。それが僕という人間を形作っている。自分を誇りに思う瞬間を求めているわけじゃない。自分の人生に何らかの形で寄与してくれる、面白いものを見つける瞬間を探しているんだ。 制作の話をすると、あなたはアナログな制作手法と、仕事への姿勢でよく知られています。あなたにとって、「音楽を作る」ことはいつ、どこから始まるのでしょう？制作全体を動かすきっかけとなる要素は何ですか？ たいていはビートから始めるよ。ドラムマシンを手に取り、トラックの土台となるパーカッションの動きを作ろうとするんだ。 https://youtu.be/q75cxDxjRrs 伝統的な制作方法を好み、レコードにこだわり、リリースの細部まで丁寧に扱っていますね。では、現代の制作ツールについてはどうですか？インターネットには便利なテクニックやサンプリングできるサウンドパッケージがたくさんありますが、どう思いますか？ 誰かに人生のアドバイスをするような立場じゃないよ。僕のやり方は僕自身のもの。自分が歩んできた人生の道を進んでいるだけだ。賛成してもしなくてもいい。インターネットにはサンプルも便利なテクニックもチュートリアルもたくさんあるし、僕も活用しているよ！何時間も見て、新しいことを学ぶのが大好きなんだ。主に、自分が持っている機材についてもっと知ることに力を入れている。何もかもについてすべてを知る必要はないからね。 サンプルに関して言えば、どのレコードでも最も重要なのは音の出どころです。市販されているものの多くは加工されています。顧客の心をつかみ、魅力的でなければなりません。単体では素晴らしく聴こえても、単独で使うのが難しく、レコードに自然になじまないものも少なくありません。 トレンドについてはどうでしょう？ 現代のエレクトロニック・ミュージックのサウンドに、心を動かされたり、刺激を受けたり、ただ興味をかき立てられたりするものはありますか？ もちろんです！ トレンドを否定することはありません。いつも追いかけるわけではないかもしれませんが、そこから何か面白いものを見つけて、自分なりのビジョンを生み出すようにしています。他人のものを「コピー＆ペースト」することには興味がありません。トレンドに従うのではなく、作り出すアーティストには大きな敬意を抱いています。だからこそ、誰かの真似をしないよう努めているのかもしれません。周りの世界に心を開きながら、自分ならではの方法で自分を表現したいんです。 トレンドは移り変わっていきますが、あなたの意見では、永遠に記憶されるサウンド／ジャンル／アルバム、あるいはアーティストは何でしょう？ 独自のトレンドを作り出すアーティストは、永遠に記憶されると思います。これはエレクトロニックだけでなく、あらゆるジャンルの音楽に当てはまります。Richie Hawtin、Chris Liebing、Robert Hood、Portishead、Depeche Mode、Jeff Mills、Aphex Twin、Massive Attack、Luke Slaterといったアーティストやバンドは、私の主観では、永遠に記憶されるでしょう。 さて、未来や永遠といった話題へ大きく踏み込みましたが……少し過去に戻りましょう。あなたは自分のルールに従ってキャリアを築き、プロデュースやDJ、クラブやフェスティバルでのプレイを続けてきました。Chris Liebingとの出会いは、あなたの人生をどう変えましたか？...

ソーシャルメディアには良い面も悪い面もありますが、私たちにとって、このプラットフォームだけでアーティストを見つけられることは恵みです。BRENDAを知ったのも、まさにそのおかげ。ほんのクリックひとつで出会いました。音楽を聴き始めると、魅惑的なサウンドと、聴き手に届ける新鮮なアコースティック・リズムにすっかり心を奪われました。 そこから、もっと知りたいという気持ちが膨らみました。そこで、以下の質問を会話の出発点として、 Mav Nuhels に、彼のプロジェクトBrendaと音楽制作の歩みについて話を聞きます。 「Brenda」という別名の由来と、音楽プロジェクトにこの名前を付けた経緯を教えてください。 アーティスト名を付けるときの自分のやり方を、よく表していると思います。実際のところ、別名を考えていたとき、ふと頭に浮かんだ名前にすぎませんでした。ただ、当初は「Brenda INT.」にするつもりでした。国際的に構想された、いわば「会社」のようなものです。これは良いアイデアでした。リスナーやフォロワーの頭にすっかり定着しましたし、「Brenda, International Hypergloss Communications」というタグのおかげでもあります。 多くのアーティストは、地理的な場所によって独自の機会や障害に直面します。世界の音楽シーンで、コロンビアの音楽プロデューサー兼DJとして活動するとはどういうことか、聞かせてください。 コロンビアでは、「預言者は故郷では歓迎されない」という有名なことわざが、まさに当てはまります。特にこの国ではそうです。人々は、新しいものや、定番の様式やその時々の流行に沿わないものに対して、とても閉鎖的だからです。また、経済的に活動を成り立たせるための場所や取り組みがないことも大きな障害です。それでも、小さなムーブメントが受け入れてくれ、大物プロデューサーや強い反対勢力の間で少しずつ道を切り開き始めています。 コロンビアのアーティストとして、自分のルーツとのつながりや、コロンビアの音楽を世界の音楽コミュニティに紹介したいという思いはありますか？コロンビアらしさを、楽曲やDJセットにどう取り入れていますか。また、影響を受けた国内外のアーティストや音楽スタイルはありますか？ ずっとそうです。音楽的な成長の一環として、地元のサウンドや自分の地域の伝統的なリズム、ラテンアメリカやコロンビアの音楽シーンに近づいてきました。一方で、昔から影響を受けてきたサウンド、つまり英語圏の文化に由来するものからも離れていません。「Mav Nuhels」という別名で音楽を作ってきましたが、「Brenda」は、ラテンアメリカの電子音楽アーティストの第三世代、あるいは第四世代から生まれたプロジェクトです。そのため、大陸のリズムに挑戦し、昔から好きだったものと融合するうえで、幅広い参照先に刺激を受けてきました。レーベルではHiedrah、Naafi、Agva、Insurgentes、Tratratrax、In-Correcto、Mamba Negraなど。アーティストでは、Juepuchas、Lila Tirando a Violeta、Kelman Duran、Florentino、Orieta Chrem、Tayhanaなどです。 普段のスタジオ環境や、音楽制作で愛用しているツールや機材について教えてください。 主に自宅スタジオでは、Liveを使うためのPush 2、サンプリング用のPocket Operator K.O.、Arturiaの小型ハイブリッド・アナログシンセサイザー、特定の音を録音するためのマイク、それにKalimbaを使っています。より親密な作品に取り組むときは、Kalimbaを使うことが多いです。 さまざまなジャンルを音楽に取り入れていることに気づきました。エレクトロニックなスタイルが絶えず進化していることにも感銘を受けています。ハイパーポップやヴェイパーウェイヴから、IDM、バイレファンキ、フューチャー・ビーツまで、多様な影響が融合したサウンドですね。もしほかにもあれば、作品で探求しているジャンルの組み合わせをすべて教えてください。 ラテンアメリカのサウンド：クンビア、レゲトン、ホロポ、グアラチャ、RKT、バイレファンキ、フォンク、ブジェレンゲ、メレンゲ 融合するジャンル：GQOM、マハラガナート、トランス、ベース、UKG、エレクトロ、ブレイクス、IDM、テクノ、ポップ、ヴェイパーウェイヴ、ハイパーポップ、UKファンキー、ハード・ドラム 好みは人それぞれで、聴き手も多様です。こうしたさまざまなジャンルを楽曲で融合する際に、特有の課題やチャンスに直面したことはありますか？ 文化面と技術面の両方で難しさがあります。文化面では、自分のミックスが地元であまり受け入れられないことに直面しています。これはよくある現象です。とはいえ、私より前に、多くのサウンドをクラブカルチャーに紹介する役目を果たしたアーティストがいたという点では、恵まれていました。それでも、かなり強い拒絶があります。 一方、特にホロポやクンビアは、流れや拍節、ジャンルの構成が独特なので、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの基本的なサウンドと融合することも、私にとって創作上の挑戦でした。 Brendaプロジェクトの今後をどのように展開していくと考えていますか？また、ファンが楽しみにできる新作やコラボレーションはありますか？ 自分のサウンドをさらに探求し、磨き上げて、新たな領域へと広げていくことにとても関心があります。流行に左右されず、聴く人に異なる影響を与えられるスタイルを築きたいです。来年はもっと多くのリリースを予定しています。憧れのレーベルや、非常に著名なアーティストと実現できればと思っています。でも同時に、あまり機会のないことにも取り組みたいです。つまり、活動を始めたばかりのアーティスト、少し前の私と同じように第一歩を踏み出している人たちを支援し、コラボレーションすることです。その支援が、創作のプロセスにとって最終的に欠かせないものになるのです。 CRRDR、Algo Bien MX、NRMagazineなどとのコラボレーションが控えています！ あなたの作品を通してあなたを知ることは、私たちにとって特別な体験でした。この2つのメディアの組み合わせは、アーティストとしてのあなたのアイデンティティをどのように形作ってきたと思いますか？ 私にとって、それはすべてのプロジェクトの本質です。大学で建築を学んでいた頃のプロジェクトから、Mav Nuhelsとしての作品のコンセプトや具現化に至るまで、ずっとサウンドとイメージを強く結びつけてきました。Brendaも同じ道をたどっています。作品のサウンドが意図するものを強めるうえで、イメージは不可欠だと考えているからです。質感を選び、曲を通してその質感に命を吹き込み、ある場所や音楽ジャンルの視覚的なアイデンティティを、その歴史や象徴を通して研究し理解する。こうしたことすべてによって、音楽はクラブで聴こえるものにとどまらず、受け手の視覚的な感受性にも響き渡るのです。 これまでのコラボレーションで、特に幸運だったレコードレーベルはどこですか？ 間違いなく、友人たちのレーベルIn-Correctoです。Mav Nuhels名義でSudacaのコンピレーションに提供したのは、忘れ去られていた曲でした。IDMの視点からデンボウのリズムをより深く探求した作品で、間違いなく、Brendaのプロジェクトにつながる数々の創作上の問いが生まれた出発点でした。また、Naafi、Muakk、NoFutureBerlin、LI$、Santa Sede、Sapphir...

アンビエント、ダブテクノ、実験音楽への貢献で知られるドイツ人プロデューサー、ヨアヒム・シュピートに、音楽シーンで起きている変化や未来についての考えを聞いた。 ヨアヒム・シュピートは長年にわたりエレクトロニック・ミュージックのシーンで活動し、独自のサウンドと芸術的なアプローチで高い評価を得てきた。ポーランド、ビャウィストクで開催された素晴らしいUp To Date Festival 2023で、ヨアヒムと話す機会を得た。 ドミニク： ポーランドのフェスティバルかクラブで演奏したことは ありますか？? ヨアヒム： はい、ポーランドには何度か来たことがありますが、何年も前のことです。ドイツ語でブレスラウという街で演奏しました。ポーランド語で何というのかは、ちょっとわかりません。 ドミニク： ヴロツワフです。. ヨアヒム： もちろん、ヴロツワフですね。ずいぶん前のことです。あの会場はもうなくなっていると思います。ワルシャワにも行きましたが、会場は覚えていません。2015年でした。マティアス・フリーデルとのイベントでした。それから、コロナ禍の前にもポズナンに行きました。たしか2018年か2019年で、第二次世界大戦時の掩蔽壕であるSchronという場所でした。発音は少し違うかもしれません。ヴロツワフと同じように、戦争前はドイツの街でした。そうですよね？ 金持ちは誰も戦争に行かない。ロシアの金持ちが？いや。ウクライナの金持ちが？いや。それなのに人々には、わかった、これが敵だと言う。結局、人はみな人間なのに。 ドミニク： はい、そのとおりです。80年ほど前はドイツ領でした。ブレスラウという呼び名が、今でも元の名前として使われることがあるのは興味深いですね。たとえば明日、ヴロツワフで Breslau Techno というイベントがあります。街のルーツにちなんだ名前を使っているんです。 ヨアヒム： 僕にはその名前で言うほうが簡単なんです。それに、僕たちが今いるビャウィストクのあたりは、ウクライナ領かベラルーシ領だったんじゃないでしょうか？ ドミニク： もともとはポーランドの街でしたが、時代とともに支配が変わりました。全体として、ポーランドは西へ移動しました。国境が変わっていくのは興味深いですね。境界線は恣意的な区分にすぎませんが、人はみな人間です。今、ウクライナで起きていることを追っています。これは50年後に私たちの子どもたちが学ぶ歴史でもあります。 ヨアヒム： 政治や影響力、政府や操作、そして西側と東側の体制同士の争いの問題です。政治の次元というのはまったく別物で、人々が本当に望んでいることから切り離されている。だから、すべてがめちゃくちゃなんです。 ドミニク： 音楽フェスティバルにいるのは、まったく対極にあるものですね。 ヨアヒム： そう思います。ほとんど、あるいは常に、操作なんです。戦争は金持ちのために起きる。そして政治家たちは人々に、何が悪くて何が良いのかを言い聞かせます。その話を長く続ければ続けるほど、人々は信じ始める。それで今、こういう状況が起きているんです。今起きていることは、とても単純です。ここ数年の状況とまったく同じというわけではありませんが、原則はほとんど変わりません。武器を作る人々が金を稼ぎ、貧しい人々がほかの貧しい人々を殺す。金持ちは誰も戦争に行かないからです。ロシアの金持ちが？いや。ウクライナの金持ちが？いや。それなのに人々には、わかった、これが敵だと言う。結局、人はみな人間なのに。 ドミニク： 興味深い視点ですね。 ヨアヒム： うん、しばらく前からそう考えています。だから戦争には反対です。でも、とても難しい状況です。話し合いに戻らなければならないと思います。今、彼らに「ねえ、話し合わなきゃ」と言っても、彼らは望まない。でも結局、あと2年続けば、国全体が完全に荒廃します。そうなれば彼らも話し合うでしょう。誰が勝とうと負けようと、最後には話し合うことになります。だから、もちろんもっと早くそうなるほうがいい。それが大切です。 ドミニク： 音楽制作やフェスティバルの開催といった活動を通じて、人々に何が良いことで、何をしに行くべきかを伝える方法はありますか？アーティストとしての影響力を使って、人々に何かを伝えていますか？ ヨアヒム： そうできたらいいですね。モスクワのナイトライフにいる人たちがキーウに行って、一緒にパーティーをしてくれたらと思います。今は無理そうですが、何事にも時があります。僕たちは今ここに座っていますが、もし80年前に生きていたら、ポズナンやヴロツワフをめぐって、あるいは何をめぐってかはわかりませんが、互いに戦っていたかもしれません。でも80年後の今、僕には問題が見えません。 ドミニク： そうですね、そのとおりです。でも政治家は音楽フェスティバルに行くような人たちではありませんし、まったく違う見方をしています。 ヨアヒム：...

都会から離れて暮らすことは、あなたの創作にどのような影響を与えていますか？ また、あるアーティストを他の人たちと区別する最大の要素は何でしょうか？ 国際的な舞台で新たな道を切り開いている、イタリア出身のアーティストVielsとともに、こうした疑問やその他の問いに答えていきます。

オーストラリア出身のDJ、プロデューサー、レーベルオーナーであるNite FleitがUndertonのサイトを訪れ、新作EP「Nightmare at 20.000 Feet」について語ってくれた。さらに、創作のプロセスやアーティストとしての歩み、アンダーグラウンド音楽シーンでの経験についても話してくれた。現在の音楽業界についての示唆に富んだ考えや、未来への希望も聞かせてくれた。 オーストラリアからヨーロッパに移ったのはいつですか？この決断は音楽キャリアの発展に関係していたのでしょうか？今は主にどこで過ごしていますか？ 初めてのEPのツアーで、2018年7月にオーストラリアから出てきました。数か月だけ滞在するつもりでしたが、ヨーロッパでは国同士が物理的に近いため、世界有数のクラブでプレイする機会がずっと多く得られると、すぐに気づきました。だからといって、オーストラリアでプレイするのが好きではないということではありません。才能あふれるアーティストがたくさんいる素晴らしいシーンがあり、行けるときには戻るのが大好きです。今はシチリアで過ごしています。 初めてのEPをリリースする前は、どのように過ごしていましたか？クラブでのプレイに重点を置いていましたか、それともプロデュースや音楽業界での人脈づくりに力を入れていましたか？ いいえ、実際は逆でした。フルタイムで働いていたので、仕事以外の起きている時間はすべて、プロデュースを学ぶことに費やしていました。プロジェクトに取り組んだり、新しいテクノロジーや工程、スキルを学んだりするときは、完全に没頭するのが好きです。つまり、気が散るものを排除し、途切れない時間を確保すること。いわゆるフロー状態に入ることです。こうして取り組んでいると、より創造的になり、しっかり集中できると感じます。 Umweltとの最近のEP『Nightmare At 20.000 Feet』、最高ですね。Umweltとのコラボレーションはどのように始まり、このEPの制作はどんな感じでしたか？ ありがとう、最高でしょ？New Fleshからリリースする話をしていたら、彼から一緒にリリースするのはどう思うかと聞かれて、もちろん大喜びで引き受けました！とてもスムーズでした。お互いにステムを送り合い、相手のステムをもとにそれぞれ作業して、最後に仕上げをして完成。それだけです。Umweltとの制作は本当にやりやすかったし、私たちが作り上げたものもとても気に入っています。 https://soundcloud.com/newfleshrecords/nite-fleit-umwelt-nf27 親しい関係を築いてきたDJ／プロデューサーには、ほかにどんな人がいますか？ 実は、ほとんどの人と親しくなります！誰かをうっかり挙げ忘れるのが怖くて、リストを書くのは避けています。でも今、いくつかのプロジェクトで本当に素晴らしい人たちと一緒に取り組んでいるとは言えます。 Undertonはヴァイナル好きです。今、ヴァイナルでプレイすることについてどう思いますか？15年前には 当たり前だったことが、今では若いDJにとってより珍しいスキルになっています。アナログの音楽メディアとして、あなたにとってヴァイナルとは何ですか？ オーストラリアを離れてからレコードではプレイしていません。ターンテーブルもレコードも置いてきたので。レコードでプレイするのは大好きですし、またコレクションを増やせばプレイしたいと思っています。でも今は、機材をあちこち移動させることを考えると、しばらくは無理そうです。 あなたに影響を与えているアーティストのトップ5はいますか？ リストから誰かを漏らしたくないので、これは難しいですね！過去に一緒に仕事をした人たちは皆、私に大きな影響を与えてくれましたし、今一緒に取り組んでいる人たちもそうです。こちらはまだ秘密です、ごめんなさい！一緒に仕事をしてみたいアーティストには、Marie Davidson、Kelly Lee Owens、Kittin、Exaltics、Louisaaah、Maelstrom、Zeta Reticulaがいます。 近い将来、音楽制作／DJ業界はどのようになっていくと思いますか？リスクやチャンスはあるでしょうか？ 未来については楽観しています。音楽制作ソフトや機材がより手に入りやすくなることで、多様な背景を持つアーティストが自分の音楽を制作する機会が生まれると思います。高価な機材やレコーディングスタジオへのアクセスが必要といった、業界に入る際の従来の障壁を取り払う助けになるでしょう。実際に音楽を作れる人が増えれば、これまで十分に取り上げられてこなかったコミュニティ出身のアーティストの存在感が高まり、より多様な人々が表舞台に立つことにつながります。 とても重要なのは、多様性を中核に据えることだと思います。マネージャー、エージェント、サウンドエンジニア、レーベルオーナーなど、音楽業界を形づくるあらゆる職種で多様性を実現することです。さまざまな人々が意思決定に関われば、それぞれ独自の視点や経験を持ち寄ることができ、より包摂的で革新的な取り組みにつながるため、ここに重点を置くことが鍵だと思います。また、すべてのアーティストにより多くの機会と支援を提供し、成功に必要なリソースやサポートを得られるようにすることにもつながります。 私が考えることの一つは、ソーシャルメディアが創作活動に与えるプレッシャーです。質より量を重視する風潮によって、アーティストは技術を磨き、より思慮深く複雑な作品を生み出すために時間をかけるのではなく、絶えず新しい作品を作って共有しなければならないと感じることがあります。さらに、ソーシャルメディアのアルゴリズムは、特定の種類のコンテンツをほかより優先するため、多様な声やスタイルが人々の目に触れる機会を狭めることがあります。また、ソーシャルメディアでの自己宣伝やパーソナルブランディングに時間とエネルギーを費やすことで、創作そのものに充てる余裕がなくなることもあります。アーティストは、オンラインで特定のイメージやペルソナを保つようプレッシャーを感じるかもしれません。だから私は、集中が必要なプロジェクトに取り組むときは、なるべくスマホを見ないようにしています。 以前ポーランドに来たことはありますか？こちらに来ることについて、どう感じていますか？ はい、実は2018年にグダニスクのUlica Elektrykówでプレイしました。最高でしたし、2019年にはワルシャワのSmolnaでもプレイしました。あの公演では素晴らしい人たちにたくさん出会えましたし、観客も最高だったので、また戻ってこられるのがとてもうれしいです！皆さん本当に素敵で、エネルギーにあふれています！ 「Under…」という言葉を完成させてもらえますか？ 私は「地の下」、オーストラリアの出身です！ https://www.youtube.com/watch?v=_KlvpRSSU8A&t=2691s 最高の夜を一緒に楽しみましょう。Nite Fleitと一緒に、素晴らしい腕前のDJたちと最高にホットなビートをお届けします。この一度きりの イベントをお見逃しなく!