Manchmal ist der kreative Prozess anstrengend und mühsam, erfordert viele Opfer und zahlreiche Stunden im Studio. Ein anderes Mal ist es genau umgekehrt – dann weichen die Mühen der Leichtigkeit, dem Vergnügen und der puren Freude am Schaffen. Es besteht kein Zweifel, dass das zweite Szenario – die deutlich schönere Geschichte – hinter Chris Liebings erstem vollständig solo produzierten Album steckt.
Das Ergebnis ist natürlich auch sehr wichtig, aber was können wir vom Ergebnis erwarten, wenn uns nicht gefällt, was wir tun? fragt die unbestrittene Legende und einer der europäischen Techno-Pioniere, und die Antwort darauf findet man am besten auf seiner neuen LP. Das Album „Evolver“ erscheint am 27. März auf Chris’ Label CLR – und anlässlich seines bevorstehenden Auftritts im Warschauer Club Smolna erzählte uns der Künstler viele wunderschöne und ungemein inspirierende Geschichten über seine Entstehung.
Das Album „Evolver“ ist vorbestellbar!
Agata Omelańska: Hallo Chris, schön, dich bei U zu haben. Ich freue mich sehr, dass du wieder nach Polen kommst – und ich möchte, dass du weißt, dass du hier immer willkommen bist! – und dass du dir Zeit für ein Interview genommen hast.
Wir sprechen über einen ganz besonderen, ja geradezu bahnbrechenden Moment in deiner Karriere – dein erstes Solo-Technoalbum, das am 27. März erscheint. Herzlichen Glückwunsch, ich bin von dieser neuen Musik sehr beeindruckt – und meine erste Frage ist vielleicht etwas ungewöhnlich, denn es geht um Worte. Woher stammt der Titel „Evolver“, und welche Geschichte steckt hinter diesem Album?
Chris Liebing: Ich habe das Konzept eines Albums schon immer geliebt: Es ist ein Medium, mit dem man mehr ausdrücken kann als mit einer einfachen 12-Zoll-Veröffentlichung. Auch wenn wir in diesem Fall von Club-Techno sprechen und es natürlich um meine letzten beiden Veröffentlichungen bei Mute Records geht. Ich war immer der Meinung, dass ein Album eine tiefere Bedeutung vermitteln sollte. Das erste Technoalbum, das ich Anfang der 2000er gemeinsam mit Andrew Wooden koproduziert habe und das 2003 bei CLR erschien, hieß „Evolution“, denn ich habe mich schon immer sehr, sehr, sehr, sehr für die biologische, aber auch für die philosophische Seite unserer Evolution und die Frage interessiert, wohin wir uns als Menschen entwickeln.
Die beiden Alben bei Mute enthielten viele solcher philosophischen Bezüge, während es bei „Evolution“ ganz wörtlich um Evolution ging, wie sich auch in den Tracktiteln widerspiegelte. Mit „Evolver“ wollte ich also noch tiefer eintauchen und gleichzeitig eine Clubplatte machen. Ich hatte das Gefühl, dass ich mich in den vergangenen zwanzig oder fünfundzwanzig Jahren in meiner Rolle als Techno-DJ und Produzent auf so vielen Ebenen weiterentwickelt hatte, dass ich meine Gedanken tatsächlich in Musik umsetzen konnte.
Jeder von uns entwickelt sich auf seinem eigenen Weg und in seinem eigenen Tempo weiter,
und bei mir hatte sich etwas entfaltet, wie der Albumtrack „Unfold“ bereits andeutet. Ich fand, dass „Evolver“ besser beschreibt, was meine persönliche Reise widerspiegelt.
Viele halten dich für eine Ikone, einen Pionier und eine der wichtigsten Persönlichkeiten des Techno. Nach 30 Jahren in der Szene, einer beeindruckenden Zahl an Veröffentlichungen, Gigs und Remixen sowie jeder Menge Erfahrung in dieser Branche hast du dich trotzdem getraut, etwas zum ersten Mal zu tun. Wie bist du diese Herausforderung angegangen, und was hat dich auf dem Weg zu deinem Ziel motiviert?
Schon vor zwei Jahren, nach der Veröffentlichung des letzten Albums, das ich gemeinsam mit Ralf Hildenbeutel bei Mute Records mit dem Titel „Another Day“ gemacht habe, begann ich, über ein neues Album nachzudenken. Mir war früh klar, dass ich zu meinen Techno-Wurzeln zurückkehren wollte, denn die Mute-Alben sollten eher eine Hörreise sein, und ich hatte Lust auf ein Clubalbum. Das spiegelt sehr stark wider, wo ich in meinem Leben gerade stehe, was Techno angeht, und wie weit ich mich entwickelt habe – um ein wenig auf meine Antwort auf die erste Frage zurückzukommen.
Ich wusste, dass ich ein Technoalbum machen wollte, und dass ich es allein machen würde.
Ein Grund dafür war, dass ich in die Schweiz gezogen war und mir dort ein wirklich, wirklich gemütliches, schönes Studio eingerichtet hatte, in dem ich gerne arbeite und experimentiere. Mein neues Leben hier in der Schweiz ermöglichte es mir, viel Zeit auf dem Berg und in der Natur zu verbringen, dabei aber auch von all meinem Equipment und meiner Elektronik umgeben zu sein und nachts das, was ich tagsüber erlebt hatte, in Musik umzusetzen. So lief der Prozess etwa eineinhalb Jahre lang ab, und so kam alles zusammen.
Es entwickelte sich ganz organisch. Dahinter stand nie wirklich ein größerer Plan. Ich tat im Grunde einfach, worauf ich Lust hatte und was ich an bestimmten Tagen im Studio für richtig hielt. Irgendwann hatte ich ein paar Projekte beisammen, die für mich allmählich Sinn ergaben, und sie fügten sich zu dem fertigen Album zusammen, das ihr jetzt hören könnt.
Obwohl „Evolver“ dein Soloalbum ist, hast du viele interessante Gäste zur Zusammenarbeit eingeladen, darunter Luke Slater, Speedy J, The Advent, Terence Fixmer, Pascal Gabriel, Daniel Miller und Charlotte de Witte. Wie war es, mit deinen guten alten Freunden und mit denen zu arbeiten, mit denen du zum ersten Mal zusammengearbeitet hast?
Es hat sich alles ganz natürlich ergeben. In den letzten zwei oder drei Jahren habe ich viele Sets mit Luke Slater und Speedy J als Collabs 3000 gespielt, und wir haben gemeinsam an Musik gearbeitet. Speedy J und ich hatten eine Veröffentlichung von Collabs 3000 bei Novamute. Als wir im Studio waren, erzählte ich ihm, dass ich an meinem neuen Album arbeitete, und fragte ihn, ob er Lust auf eine kleine Session mit mir hätte. So ist unser Track entstanden. Dahinter steckte nie ein konkreter Plan. Luke Slater gab mir eine kleine Acid-Linie für ein Intro, als wir zusammen spielten, und ich sagte, wir sollten daraus einen Track machen – also haben wir das getan. Mit Terence Fixmer, Daniel Miller und Pascal Gabriel fahre ich einmal im Jahr in den Winterurlaub nach Österreich. Wir nehmen unsere Modulargeräte und anderes Equipment mit und nehmen einfach Sachen auf. Genau das haben wir dort gemacht, und ich nahm die Aufnahmen mit in mein Studio und machte daraus einen Track.
Ich fragte Charlotte, weil ich die musikalische Verbindung, die uns schon seit vielen, vielen Jahren verbindet, unbedingt fortsetzen wollte. Wir haben gemeinsam die erste Veröffentlichung auf ihrem Label KNTXT herausgebracht, und so hatte ich die Ehre, dieses großartige Label mit ihr ins Leben zu rufen. Als es darum ging, dieses Technoalbum zu machen, wollte ich einen richtigen Acid-Track, und da war es für mich ganz selbstverständlich, sie zu fragen, ob sie dabei sein wollte. Charlotte war sofort dabei und steuerte diese fantastische Acid-Linie, den großartigen Gesang und eine tolle Trackstruktur bei, die wir gemeinsam zur endgültigen Version ausgearbeitet haben.
Die Zusammenarbeit mit all diesen Künstlern war sehr unkompliziert und entspannt. Alles war völlig problemlos, so wie Musik sein sollte. Irgendwie kam alles ohne viel Aufwand zusammen.
Ich glaube, das ist das Schönste an diesem Album. Es war eine äußerst angenehme Erfahrung.
Nicht nur Musiker haben zu diesem Album beigetragen – auch Vertreter anderer Kunstformen haben etwas von sich selbst eingebracht. Studio Bergfors, dein langjähriger Kollaborateur, war für Design und visuelle Gestaltung verantwortlich, während der legendäre Fotograf Anton Corbijn das Fotoshooting für dich gemacht hat. Was bedeutet dir diese Zusammenarbeit, besonders im Hinblick auf die Fotografie? Welcher Moment in deinem Leben und deiner Karriere wurde auf den Fotos festgehalten?
Ich könnte dir auf diese Frage eine zweistündige Antwort geben, denn sie ist sehr tiefgründig und komplex. Mute Records und meine Liebe zu diesem Label und seinen Veröffentlichungen, besonders zu denen von Depeche Mode, spielen dabei eine große Rolle.
Musik steht nicht für sich allein; sie ist eine Kunstform, die so gut mit anderen Kunstformen zusammenwirkt,
zum Beispiel mit Kunstwerken.
Studio Bergfors hat in der Vergangenheit auch viel Artwork für Mute Records und Depeche Mode gemacht. Ich arbeite schon seit einigen Jahren sehr, sehr, sehr erfolgreich mit ihnen zusammen. Sie gestalteten das Artwork für mein letztes Album „Another Day“, und es war ehrlich gesagt die Idee meines Managers Roland Leesker, der sagte: „Hey, bei dir ist gerade so viel los, du hast diese Verbindung zu Mute. Wenn wir neue Fotos von dir brauchen, warum fragen wir nicht Anton?“
Und ich sagte: „Echt, Anton? Glaubst du wirklich, dass er Fotos von mir machen würde?“. Ich meine, Anton ist einer der angesehensten Fotografen in der Musikbranche, und er ist nicht nur Fotograf, sondern auch Art Director und ein vielseitiger Künstler, der die meisten Videos für Depeche Mode gemacht und Artwork für U2 gestaltet hat. Er hat alle fotografiert, von David Bowie bis – wen auch immer … Dank Mute konnten wir Kontakt zu ihm aufnehmen, und er hatte Zeit. Die Zusammenarbeit mit ihm war eine unglaubliche Erfahrung. Wir waren zwei Tage in Belgien und haben dort das Fotoshooting für dieses Album gemacht. Es war vollkommen ungezwungen und natürlich. Wir erzählten uns tolle alte Geschichten, haben viel gelacht, und der ganze Prozess war einfach wirklich großartig.
Ich glaube, der eigentliche Prozess, etwas zu erschaffen, ist so wichtig – im Grunde geht es genau darum.
Natürlich ist auch das Ergebnis sehr wichtig, aber wenn uns nicht gefällt, was wir tun, was können wir dann vom Ergebnis erwarten?
Das Ergebnis mag die Leute unterhalten, aber steckt darin auch Spaß, Liebe und Freude? So möchte ich arbeiten. Ich möchte Spaß an dem haben, was ich tue, und es nicht nur um des fertigen Produkts willen machen. Es geht um die Freude am Erschaffen.
Und wenn ich noch einmal auf mein Album zurückkommen darf: Man könnte sich hinsetzen, ein paar Prompts in eine KI eingeben, und schon hätte man ein Album. Aber macht das Spaß? Nein. Ich hatte so viel Spaß daran, mit meinem Equipment zu arbeiten und einfach hier zu sitzen, ohne wirklich darüber nachzudenken, „Wird das jemals veröffentlicht? Wird es auf die Platte kommen?“ Solche Gedanken waren nie da. Es war einfach so: „Ich habe Spaß an dem, was ich tue. Mal sehen, ob das in einem halben Jahr Material ist, das ich auf das Album nehmen könnte.“
Dieser Moment in meinem Leben wurde also in diesen Fotos und diesem Artwork festgehalten, und es ist unglaublich, das alles zusammenkommen zu sehen. Ich bin allen Beteiligten unendlich dankbar, dass sie das organisiert und umgesetzt haben.
So viele Künstlerinnen und Künstler haben zur Entstehung von „Evolver“ beigetragen, und jede und jeder von ihnen hat einen eigenen Stil, Charakter und eine eigene Energie. Was war die interessanteste, denkwürdigste oder lustigste Geschichte, die sich während des Prozesses zugetragen hat? Oder was ist die wertvollste Lektion, die du daraus mitgenommen hast?
Nun, eine der wertvollsten Lektionen, die ich daraus mitgenommen habe, habe ich bereits in meiner vorherigen Antwort erklärt: Genieße, was du tust. Für alles gibt es immer eine Lösung. Manchmal ist man sich in Dingen uneinig, und vielleicht bekommt man nicht, was man möchte, aber vielleicht ist das, was sich stattdessen aus dem Prozess ergibt, sogar besser als alles, was man sich je hätte vorstellen können.
Ich könnte dir viele Geschichten über diese Kollaborationen erzählen, denn sie haben alle wirklich Spaß gemacht. Aber wenn du möchtest, dass ich eine Geschichte auswähle, erzähle ich dir die mit Luke Slater. Er gab mir dieses Acid-Intro, ich arbeitete einen Track darum herum und schickte ihn ihm dann. Da meinte er: „Ja, das ist schön, aber fehlt da nicht noch etwas?“. „Ja, da fehlt noch etwas. Könntest du daran arbeiten?“. Zu diesem Zeitpunkt war es noch Spätsommer, und ich saß im Garten von Freunden hier in den Bergen. Ich fragte ihn, ob er Zeit hätte, ins Studio zu gehen. Er sagte: „Ja, ich bin im Studio“, also schickte ich ihm einfach Sprachnachrichten wie: „In dem Track gibt es diesen Abschnitt mit 32 Takten. Fällt dir dafür eine Acid-Line ein?“. Dann schickte er mir im Grunde eine Sprachnachricht mit einer Acid-Line zurück, und ich sagte: „Das klingt großartig, kannst du es mir schicken?“. Dann arbeitete er weiter daran, während ich in der Sonne saß, im Garten meiner Freunde Bier trank, ihm Sprachnachrichten schickte und ihm ein paar Tipps gab, bis er mir schließlich den fertigen Part schickte. Als er ihn mir schickte, nahm ich einfach die Datei und zog sie in eine neue Audiodatei in meiner Ableton-Session – und sie saß perfekt. Ich musste kaum etwas abmischen oder sonst viel tun, damit es funktionierte. Ich dachte:
Ich musste kaum etwas abmischen oder sonst viel tun, damit es funktionierte. Ich dachte: „Das war wirklich effizient und irgendwie mühelos!“
Solche Dinge sind einfach wunderschön und scheinen zu passieren, wenn man ganz im Moment lebt und dem Prozess vollkommen vertraut.
Welcher Track ist für dich der wichtigste? In welchen hast du am meisten Energie, Ressourcen und technisches Können gesteckt oder … bei welchem hattest du am meisten Freiheit, Spaß und Flow?
Weißt du, auf diesem Album sind 13 Tracks, und 4 davon haben keinen geraden Beat. Ich könnte dir nicht sagen, welcher Track mir wichtiger ist als die anderen. Sie alle bedeuten mir sehr viel, denn jeder von ihnen hat eine tolle Entstehungsgeschichte, besonders die Tracks mit Kollaborateuren.
Aber wenn es einen Track gibt, den ich mir wünsche, dass die Hörerinnen und Hörer ganz bewusst anhören, dann ist es der letzte Track, „Endtrack“. Ich bin nicht besonders musikalisch und tue mich mit meinen Keyboards schwer. Trotzdem spielte ich mit meinen Synthesizern herum, und irgendwie kamen diese Melodien zusammen. Ich fügte einfach eine Lage nach der anderen hinzu. Da mein theoretisches Wissen ziemlich begrenzt ist, fragte ich mich, ob ich das wirklich machen konnte und ob es überhaupt möglich war. Aber für mich klang es okay, also vertraute ich einfach meinem Bauchgefühl.
Eigentlich würde ich vorschlagen, dass alle Hörerinnen und Hörer mit dem ersten Track anfangen und sich das ganze Album anhören. Ich wollte ein angenehmes Hörtempo beibehalten, deshalb ist das gesamte Album nicht länger als eine Stunde und fünf Minuten. „Endtrack“ ist auch ein wenig von „Endsong“ von The Cure inspiriert – nicht wirklich musikalisch, und ich würde es nie wagen, mich mit Robert Smith zu vergleichen. Aber sein Album „Songs From A Lost World“ ist eines der unglaublichsten Alben, die in den letzten Jahren erschienen sind, und ich war vom letzten Song „Endsong“ begeistert. Deshalb habe ich „Endtrack“ geschaffen.
“„Verwurzelt im echten Old-School-Techno, in den dunklen, verschwitzten Techno-Schweißgruben der Welt“ – ich hätte mir keine bessere Beschreibung für dieses Album vorstellen können. Was bedeutet Stil für dich, sowohl beim DJing als auch bei der Musikproduktion?
Für mich bedeutet es, zu den Grundlagen zurückzukehren. Wir sind Tiere auf diesem Planeten, die zu einem Rhythmus tanzen. Und wenn der Rhythmus so einfach wird, dass sich alle auf ihn einigen können, verbindet er Kulturen und überwindet alles. Trotzdem möchte man einen Groove haben, der interessant bleibt, obwohl er einfach ist.
Einerseits muss man also so minimalistisch wie möglich sein, damit die Leute zu einem Beat tanzen, andererseits muss man so interessant wie möglich sein, um sie bei der Stange zu halten.
Man kann nicht einfach fünf Minuten lang eine Bassdrum mit einer Tom-Loop im Hintergrund laufen lassen, denn dann verlieren die Leute das Interesse. Man möchte
es einfach halten und trotzdem alle bei der Stange halten.
Und das ist für mich Techno. Das ist mein Ziel beim Auflegen. Man reduziert alles andere, was die Sinne ablenken könnte, auf ein Minimum. Es gibt nur ein paar Stroboskoplichter und etwas Nebel, und man schafft auf der Tanzfläche eine Atmosphäre, in der sich die Menschen verlieren und zugleich alles um sich herum wahrnehmen können.
Das bedeutet dieser Stil für mich. Man ist in einem nebligen Raum, umgeben von Stroboskopen und hämmernden Kickdrums, und fühlt sich ganz, präsent und im Moment. Man fühlt sich mit allen anderen verbunden.
Als ich zum ersten Mal das LP-Album „Evolver“ hörte, war ich von seiner Komplexität, seinem Konzept und dem Vermächtnis legendärer Clubs der 90er beeindruckt: dem Berliner Tresor und dem Omen in Frankfurt. Danke, dass ihr ihren Geist und ihre Musik auf diesem Album würdigt! Und wenn wir auf die Vergangenheit blicken, wie würdest du dein Zugehörigkeitsgefühl zur elektronischen Szene und zum Clubbing beschreiben?
All diese Orte, die du erwähnt hast, wurden geschaffen, damit alle zusammenkommen und ihre Zeit ohne Verurteilung und Vorurteile verbringen können, mit Offenheit, Frieden und Liebe. So abgedroschen es auch klingen mag: Es geht um „Einheit“. Wir fühlen uns mit allen um uns herum verbunden. Wir sind soziale Wesen; wir wollen zu einem Beat tanzen, und ich denke, für mich ist das das Wesen der elektronischen Musikszene und des Clubbings.
Okay, lassen wir Deutschland für einen Moment hinter uns und statten Polen einen Besuch ab – ihr seid in unserem Land immer willkommen, und ich hoffe, dass ihr das bei euren Gigs spürt. Im Februar spielst du im Tama in Poznań und im Smolna in Warschau. Was ist deiner Meinung nach die größte Stärke der polnischen elektronischen Musikszene? Worauf und auf wen sollten wir am stolzesten sein?
Ich denke, Polen sollte unglaublich stolz auf seine Techno-Szene und seine Festivals wie Mayday und Audioriver sein,
um nur einige zu nennen. Und auf all die großartigen Clubs wie das Tama in Poznań, wo ich erst letztes Wochenende gespielt habe. Es war absolut fantastisch: die Energie der Leute, der Spaß, den alle mitbringen – das ist in Polen etwas ganz Besonderes. Andere Länder haben verschiedene Phasen durchgemacht, etwa eine Minimal-Phase oder diese oder jene Phase, aber Polen war aus irgendeinem Grund schon immer ein großes Techno-Land. Dass ihr das habt und euren Leuten ermöglicht, es in diesen wunderschönen Clubs und an diesen Orten auszuleben, ist etwas, worauf ihr stolz sein könnt. Ihr habt ein Umfeld geschaffen, in dem all das weiterhin möglich ist. Ich komme immer gern nach Polen zurück und kann es kaum erwarten, im Smolna aufzulegen.
Zu guter Letzt: Wir schreiben das Jahr 2026 in der elektronischen Musikbranche. Was war in den Wurzeln der Clubkultur besonders wichtig, und was haben wir heute vergessen?
Für diese Antwort bräuchte ich auch einen ganzen Podcast. Wo sind wir gelandet? Ich denke, wir haben ein wenig die Fähigkeit verloren, den Menschen die Möglichkeit zu geben, selbst herauszufinden, was ihnen gefällt und was nicht. Heute wird man mit so vielen aufsehenerregenden Dingen bombardiert, dass man abgelenkt wird, und für junge Leute ist es heute viel schwieriger, ihren eigenen Weg zu finden und sich nicht davon beeinflussen zu lassen, was andere für gut halten oder was gerade am beliebtesten oder viral ist.
Alle stehen unter enormem Druck. Ich sage nicht, dass wir früher keinen Druck hatten, aber wir wurden nicht täglich mit so vielen Nachrichten und Informationen bombardiert, an die unser Nervensystem nicht gewöhnt ist. In diesem Sinne ist Clubbing meiner Meinung nach tatsächlich immer wichtiger geworden, um das zu finden, was ich „Inseln der Abkopplung vom ständigen Lärm“ nennen würde.
Und ich denke, wir sind auf dem richtigen Weg, das Wesen unserer Szene wiederzuentdecken. Mit der Zeit haben wir es ein wenig verloren, als alles so kommerziell wurde, dass die meisten großen Festivals, die musikalisch sehr sorgfältig kuratiert waren, im Grunde dazu übergehen mussten – und ich kann es ihnen nicht verdenken –, die größten Hype-Acts zu buchen. Da ging es nicht mehr wirklich um Musik; sie mussten Tickets verkaufen, so einfach ist das. Und auch den Menschen, denen sie die Tickets verkaufen, kann man keinen Vorwurf machen, denn sie haben weder die Zeit noch die Wahl. Sie haben zwar Auswahl, wissen aber gar nicht mehr, wo sie nach dem suchen sollen, was sie wirklich wollen und mögen. Wir sind in eine Art Prozess geraten, in dem die Maschine von denen gefüttert wird, die am meisten davon profitieren. Kultur und Musik bleiben auf der Strecke, und ich freue mich sehr, in letzter Zeit in den Clubs viele Menschen zu sehen, die die Augen schließen und ihre Handys nicht anfassen, sondern einfach sie selbst sind.
Eines der größten Dinge, die wir nach 2007 verloren haben, war unsere Privatsphäre in den Clubs. Für junge Leute ist es heute viel schwieriger, loszulassen, weil man nie weiß, wann man gefilmt wird und wer etwas über einen posten wird.
Und deshalb denke ich, dass wir immer mehr geschützte Räume schaffen müssen, in denen man sicher sein kann, dass einen niemand filmt, und tanzen kann, als würde niemand zusehen.
Das ist sehr wichtig, und ich denke, das haben wir unterwegs ein wenig verloren.
Aber ich sehe eine starke Gegenbewegung, und das gefällt mir sehr. Persönlich mag ich natürlich Festivals, aber ich sehe mich immer häufiger in diesen netten, kleinen, verschwitzten Clubs vor einem Publikum spielen, das bereit ist, noch einen Schritt weiterzugehen und seine Handys hinter sich zu lassen. Ich glaube, immer mehr von uns sind dazu bereit und wollen sich nicht von denen kontrollieren lassen, die diese Medien kontrollieren.
Vielen Dank für das Interview, Chris! Es war mir eine Freude, mit dir zu sprechen. Ich wünsche dir alles Gute und wir sehen uns ganz bald auf der Tanzfläche im Smolna!