A veces, el proceso creativo es agotador y tedioso, exige muchos sacrificios y numerosas horas en el estudio. Otras veces ocurre justo lo contrario: las dificultades dan paso a la facilidad, el placer y la pura alegría de crear. No cabe duda de que el segundo escenario —la historia mucho más luminosa— está detrás del primer álbum íntegramente en solitario de Chris Liebing.
El resultado también es muy importante, pero si no disfrutamos de lo que hacemos, ¿qué podemos esperar del resultado? se pregunta la leyenda indiscutible y uno de los pioneros del techno europeo, y la respuesta hay que buscarla en su nuevo LP. El álbum «Evolver» saldrá el 27 de marzo en el sello de Chris, CLR, y, con motivo de su próxima actuación en Smolna, en Varsovia, el artista compartió con nosotros un montón de historias bonitas e inspiradoras sobre su creación.
¡El álbum «Evolver» ya está disponible en preventa!
Agata Omelańska: Hola, Chris. Es un placer tenerte aquí, en U. Me alegra mucho que vuelvas a Polonia —y quiero que sepas que siempre eres bienvenido aquí— y que hayas encontrado tiempo para esta entrevista.
Estamos hablando de un momento muy especial, incluso revolucionario, de tu carrera: tu primer álbum de techno en solitario, que saldrá el 27 de marzo. Enhorabuena, me ha impresionado mucho esta nueva música. Mi primera pregunta quizá sea bastante inusual, porque tiene que ver con las palabras. ¿De dónde surgió el título «Evolver» y cuál es la historia detrás de este álbum?
Chris Liebing: Siempre me ha encantado la idea del álbum como vehículo para expresar más de lo que se puede hacer con un sencillo lanzamiento de 12 pulgadas, aunque en este caso hablamos de techno de club y, obviamente, de mis dos últimos lanzamientos en Mute Records. Siempre he sentido que un álbum debía representar algo más profundo. El primer álbum de techno que coproduje junto con Andrew Wooden, a principios de los años 2000, y que salió en CLR en 2003, se llamó «Evolution», porque siempre me ha interesado muchísimo —muchísimo, muchísimo— no solo el aspecto biológico, sino también el filosófico de nuestra evolución y hacia dónde nos dirigimos como seres humanos.
Los dos álbumes de Mute contenían muchas de esas referencias filosóficas, mientras que «Evolution» trataba literalmente sobre la evolución, como reflejaban los títulos de los temas. Así que, con «Evolver», quería seguir profundizando mientras hacía un disco de club, y sentía que había evolucionado en tantos aspectos durante los últimos veinte o veinticinco años como DJ y productor de techno que por fin podía plasmar mis ideas en música.
Cada uno de nosotros evoluciona siguiendo su propio camino y a su propio ritmo,
y, en mi caso, algo se había desplegado, como sugiere «Unfold», otro de los títulos de los temas del álbum. Sentí que «Evolver» describía mejor lo que refleja mi trayectoria personal.
Muchos te consideran un icono, un pionero y una de las figuras más importantes del techno. Con 30 años en la escena, una impresionante cantidad de lanzamientos, actuaciones, remezclas y experiencia en esta industria, todavía te has atrevido a hacer algo por primera vez. ¿Cómo afrontaste este reto y qué te motivó en el camino hacia tu objetivo?
Empecé a pensar en un nuevo álbum hace ya dos años, después de publicar el último que hice junto con Ralf Hildenbeutel en Mute Records, titulado «Another Day». Desde el principio supe que quería volver a mis raíces techno, porque los álbumes de Mute estaban concebidos más bien como un viaje para escuchar, y yo sentía que quería hacer un álbum de club. Esto refleja muy bien el momento vital en el que me encuentro en relación con la música techno y hasta dónde he evolucionado, por retomar un poco mi respuesta a la primera pregunta.
Sabía que quería hacer un álbum de techno y que lo haría solo.
Una de las razones era que me había mudado a Suiza y me había construido un estudio realmente acogedor y agradable, donde me encanta trabajar y experimentar. Mi nueva vida aquí, en Suiza, me permitió pasar bastante tiempo en la montaña, en plena naturaleza, pero también rodeado de todo mi equipo y mis aparatos electrónicos, convirtiendo por la noche en música lo que había vivido durante el día. Ese fue, más o menos, el proceso a lo largo de un año y medio y la manera en que todo cobró forma.
Fue tomando forma de manera bastante orgánica. Nunca hubo realmente un gran plan detrás. Básicamente, hacía lo que me apetecía y lo que pensaba que tenía que hacer cada día que iba al estudio. En algún momento, reuní unos cuantos proyectos que empezaron a cobrar sentido para mí y que acabaron conformando el álbum final que podéis escuchar ahora.
Aunque «Evolver» es tu álbum en solitario, invitaste a muchos artistas interesantes a colaborar en él, como Luke Slater, Speedy J, The Advent, Terence Fixmer, Pascal Gabriel, Daniel Miller y Charlotte de Witte. ¿Cómo fue trabajar con tus viejos amigos de siempre y con quienes colaboraban contigo por primera vez?
Todo surgió de forma muy natural. Durante los últimos dos o tres años, he pinchado muchos sets con Luke Slater y Speedy J como Collabs 3000, y hemos estado trabajando juntos en música. Speedy J y yo publicamos un disco de Collabs 3000 en Novamute. Mientras estábamos en el estudio, le conté que estaba trabajando en mi nuevo álbum y le pregunté si le apetecía hacer una pequeña sesión conmigo; así surgió nuestro tema. Nunca hubo un plan propiamente dicho detrás. Luke Slater me dio una línea un poco acid para una introducción cuando tocamos juntos, y le dije que deberíamos convertirla en un tema, así que lo hicimos. Con Terence Fixmer, Daniel Miller y Pascal Gabriel me voy una vez al año de vacaciones de invierno a Austria, donde nos llevamos nuestros equipos modulares y demás material y nos ponemos a grabar cosas. Eso fue lo que hicimos allí; después llevé esas grabaciones a mi estudio y monté un tema a partir de ellas.
Le pregunté a Charlotte porque tenía muchas ganas de continuar la conexión musical que hemos mantenido durante muchísimos años. Publicamos juntos el primer lanzamiento de su sello, KNTXT, así que tuve el honor de poner en marcha con ella este gran sello. A la hora de hacer este álbum de techno, quería incluir un tema acid de verdad, y me pareció muy natural preguntarle si quería formar parte de él. Charlotte se apuntó y creó una línea acid increíble, unas voces increíbles y una estructura de tema fantástica que entre los dos convertimos en la versión definitiva.
Fue muy fácil y relajado trabajar con todos esos artistas. Todo fue muy sencillo, como debería ser la música. De alguna manera, todo fue encajando sin mucho esfuerzo.
Creo que eso es lo más bonito de este álbum. Fue una experiencia extremadamente agradable.
En este álbum no solo han contribuido músicos: también representantes de otras disciplinas artísticas han aportado algo de sí mismos. Studio Bergfors, tu colaborador de hace mucho tiempo, se encargó del diseño y del aspecto visual, mientras que el legendario fotógrafo Anton Corbijn hizo la sesión de fotos. ¿Qué significa para ti esta colaboración, especialmente en lo que respecta a la fotografía? ¿Qué momento de tu vida y tu carrera se ha plasmado en las fotos?
Podría darte una respuesta de dos horas a esta pregunta, porque es un tema muy profundo y complejo. Mute Records y el amor que siento por este sello y sus lanzamientos, especialmente los de Depeche Mode, desempeñan un papel importante en todo esto.
La música no existe aislada; es una forma de arte que funciona muy bien con otras disciplinas artísticas,
como, por ejemplo, las obras de arte.
Studio Bergfors también ha creado muchas obras gráficas para Mute Records y Depeche Mode. Llevo varios años trabajando con ellos con muchísimo éxito. Hicieron el diseño gráfico de mi último álbum, «Another Day», y, sinceramente, la idea fue de mi mánager, Roland Leesker, quien dijo: «Oye, tienes todo esto entre manos y estás conectado con Mute; si necesitamos fotos nuevas tuyas, ¿por qué no se lo pedimos a Anton?»
Y yo dije: «¿De verdad? ¿Anton crees que querría hacerme fotos?»Es decir, Anton es uno de los fotógrafos más respetados de la industria musical, y no solo es fotógrafo, sino también director artístico y un artista polifacético que hizo la mayoría de los vídeos de Depeche Mode y el diseño gráfico de U2; ha fotografiado a todo el mundo, desde David Bowie hasta… a quien se te ocurra. Gracias a Mute, pudimos ponernos en contacto con él y estaba disponible. Trabajar con él fue una experiencia increíble. Pasamos dos días en Bélgica, donde hicimos la sesión de fotos para este álbum, y todo fue completamente orgánico y natural. Compartimos grandes historias de antaño, nos reímos muchísimo y fue un proceso realmente fantástico.
Creo que el proceso en sí de crear algo es muy importante; básicamente, de eso se trata todo.
Por supuesto, el resultado también es muy importante, pero si no disfrutamos de lo que hacemos, ¿qué podemos esperar del resultado?
Puede que el resultado entretenga a la gente, pero ¿hay diversión, amor y alegría? Esa es, en cierto modo, la manera en que quiero trabajar. Quiero divertirme haciendo lo que hago y no hacerlo solo por el mero hecho de obtener un producto final. Se trata de disfrutar del proceso de crearlo.
Y volviendo a mi álbum, si me permites añadirlo, podrías sentarte, introducir unas cuantas indicaciones en una IA y ya tendrías un álbum. Pero ¿es divertido hacerlo? No. Me lo pasé muy bien trabajando con mi equipo y simplemente sentándome aquí sin pensar realmente en «¿Llegará esto a publicarse algún día? ¿Acabará en el disco?». Nunca tuve esos pensamientos. Simplemente era como «Estoy disfrutando de lo que hago; ya veremos dentro de medio año si este material puede formar parte del álbum».
Así que ese momento de mi vida ha quedado capturado en esas fotos y en esa obra de arte, y es increíble ver cómo todo cobra forma. Tengo que estar inmensamente agradecido a todas las personas implicadas por organizarlo y hacerlo posible.
Muchísimos artistas contribuyeron a la creación de «Evolver», y cada uno tiene su propio estilo, carácter y energía. ¿Cuál fue la historia más interesante, memorable o divertida que ocurrió durante el proceso? ¿O cuál es la lección más valiosa que has aprendido de todo ello?
Bueno, una de las lecciones más valiosas que he aprendido ya la he explicado en mi respuesta anterior. Disfruta de lo que haces. Siempre hay soluciones para todo. A veces no estás de acuerdo en algo y puede que no consigas lo que quieres, pero quizá lo que surge del proceso sea incluso mejor de lo que jamás podrías haber imaginado.
Podría contarte muchas historias sobre esas colaboraciones porque todas fueron muy divertidas, pero, si quieres que elija una, te contaré la de Luke Slater. Me pasó esta introducción ácida, trabajé un tema a partir de ella y luego se lo envié, y me dijo: «Sí, está bien, pero ¿no le falta algo?». «Sí, le falta algo. ¿Podrías trabajar en esto?». En ese momento todavía era finales de verano, y yo estaba sentado en el jardín de unos amigos de aquí, en las montañas. Le pregunté si tenía tiempo para ir al estudio. Me dijo: «Sí, estoy en el estudio», así que simplemente le envié mensajes de voz diciéndole: «Hay una parte de 32 compases en el tema, ¿se te ocurre una línea ácida para ella?». Entonces me mandó básicamente una nota de voz con una línea ácida, y yo le dije: «Suena genial, ¿me la puedes enviar?». Y siguió trabajando en ella mientras yo estaba sentado al sol, tomando unas cervezas en el jardín de mis amigos, enviándole mensajes de voz y dándole algunos consejos, hasta que por fin me mandó la parte terminada. Cuando me la envió, cogí el archivo y lo puse en un nuevo archivo de audio en mi sesión de Ableton, y encajaba a la perfección.
En realidad, no tuve que mezclar demasiado ni hacer gran cosa para que funcionara. Pensé: «¡Ha sido muy eficiente y, de algún modo, sin esfuerzo!».
Ese tipo de cosas son preciosas y parecen ocurrir cuando estás completamente en el momento y confías plenamente en el proceso.
¿Cuál de los temas es el más importante para ti? ¿A cuál dedicaste más energía, recursos, habilidades técnicas o… más libertad, diversión y fluidez?
Sabes, este álbum tiene 13 temas y 4 de ellos no tienen un ritmo regular. No sabría decirte qué tema es más importante para mí que los demás. Todos tienen un significado muy especial para mí, porque cada uno tiene una gran historia detrás de su creación, sobre todo los que hice con colaboradores.
Pero si hay un tema que me gustaría que el oyente escuchara con especial atención, es el último, «Endtrack». No soy muy musical y me cuesta manejar mis teclados, pero estaba trasteando con mis sintetizadores y, de algún modo, estas melodías fueron tomando forma. Fui añadiendo capa tras capa y, como mis conocimientos teóricos son bastante limitados, me preguntaba si realmente podía hacer esto y si era posible. Pero a mí me sonaba bien, así que confié en mi instinto.
En realidad, recomendaría que cada oyente empezara por el primer tema y escuchara el álbum entero. Quería mantener un ritmo de escucha agradable, así que el álbum no dura más de una hora y cinco minutos. «Endtrack» también está un poco inspirado en «Endsong», de The Cure; no tanto musicalmente, y jamás me atrevería a compararme con Robert Smith, pero su álbum «Songs From A Lost World» es uno de los más increíbles que han salido en los últimos años, y me impresionó la última canción, «Endsong», así que creé «Endtrack».
“«Arraigado en la auténtica escuela, en las oscuras y sudorosas pistas de techno del mundo». No podría haber imaginado una descripción mejor para este álbum. ¿Qué significa para ti el estilo, tanto en el ámbito de pinchar como en el de la producción musical?
Para mí, significa volver a lo esencial. Somos animales de este planeta que bailan al ritmo de la música. Y si el ritmo se vuelve tan básico que todo el mundo puede ponerse de acuerdo, se convierte en un elemento que une culturas y trasciende todo, aunque también quieres que el groove siga siendo interesante pese a su sencillez.
Así que, por un lado, tienes que ser lo más minimalista posible para hacer que la gente baile al ritmo, pero, por otro, tienes que ser lo más interesante posible para que siga bailando.
No puedes poner solo un bombo con un loop de toms de fondo durante cinco minutos, porque la gente perdería el interés. Quieres
mantenerlo sencillo sin dejar de mantener el interés de todo el mundo.
Y eso es el techno para mí. Ese es mi objetivo como DJ. Reducir al mínimo todo lo demás que te rodea y que podría distraer tus sentidos. Solo necesitas unas luces estroboscópicas y algo de humo, y crear en la pista de baile una atmósfera que permita a la gente perderse y, a la vez, sentir todo lo que la rodea.
Eso es lo que significa este estilo para mí. Estás en una sala llena de humo, con luces estroboscópicas y bombos atronadores, y te sientes completo, presente y en el momento. Te sientes unido a todos los demás.
Cuando escuché el LP «Evolver» por primera vez, me impresionaron mucho su complejidad, su conceptualismo y el legado de los legendarios clubes de los 90: Tresor, en Berlín, y Omen, en Frankfurt. ¡Gracias por honrar su espíritu y su música en este álbum! Y, mirando al pasado, ¿cómo definirías tu sentido de pertenencia a la escena electrónica y a la cultura de club?
Todos esos lugares que has mencionado se crearon para que todo el mundo pudiera estar junto y disfrutar de su tiempo sin juicios ni prejuicios, con la mente abierta, en paz y con amor. Aunque suene muy manido, se trata de «unidad». Nos sentimos unidos a todos los que nos rodean. Somos animales sociales; queremos bailar al ritmo de un beat, y creo que esa es la esencia de la escena de la música electrónica y de la cultura de club para mí.
Vale, dejemos Alemania por un momento y visitemos Polonia: siempre eres bienvenido en nuestro país y espero que lo notes cuando actúes aquí. En febrero tocarás en Tama, en Poznań, y en Smolna, en Varsovia. En tu opinión, ¿cuál es el punto fuerte de la escena de música electrónica polaca? ¿De qué y de quién deberíamos sentirnos más orgullosos?
Creo que Polonia debería estar increíblemente orgullosa de su panorama techno y de sus festivales, como Mayday y Audioriver,
por nombrar algunos. Y de todos esos clubes increíbles, como Tama, en Poznań, donde acabo de pinchar el fin de semana pasado. Fue absolutamente increíble: el espíritu de la gente, la diversión que aporta todo el mundo; es algo muy especial en Polonia. Otros países han pasado por distintas etapas, por una etapa minimal o por esta o aquella, pero Polonia, por alguna razón, siempre ha sido un país muy ligado al techno. Y contar con eso, y permitir que vuestra gente lo disfrute en esos clubes y lugares tan bonitos, es algo de lo que estar orgullosos. Habéis creado un entorno donde todo esto sigue siendo posible. Siempre me encanta volver a Polonia y estoy deseando estar en Smolna.
Y, por último, pero no por ello menos importante: estamos en 2026 en la industria de la música electrónica. ¿Qué era lo más importante en las raíces de la cultura de club y qué hemos olvidado hoy?
Para responder a esto también haría falta un pódcast entero. ¿Adónde hemos llegado? Creo que hemos perdido un poco la capacidad de dejar que la gente descubra por sí misma lo que le gusta y lo que no. Hoy te bombardean con tantas cosas llamativas que te distraes, y a los jóvenes de ahora les cuesta mucho más encontrar su propio camino sin dejarse influir por lo que otros consideran que les conviene o por lo más popular o viral del momento.
Hay mucha presión sobre todo el mundo. No digo que antes no hubiera presión, pero no nos bombardeaban a diario con tantas noticias e información, algo a lo que nuestro sistema nervioso no está acostumbrado. Así que creo que, en ese sentido, salir de club se ha vuelto cada vez más importante para encontrar lo que yo llamaría «islas de desconexión del ruido constante».
Y creo que vamos por buen camino para redescubrir la esencia de nuestra escena. La hemos ido perdiendo un poco con el tiempo, cuando las cosas se comercializaron tanto que la mayoría de los grandes festivales, que seleccionaban la música con mucho cuidado, tuvieron que —y no puedo reprochárselo— empezar a contratar a los artistas más de moda. Ya no se trataba realmente de música, porque tenían que vender entradas; así de sencillo. Y tampoco se puede culpar a quienes las compran, porque no tienen tiempo ni opciones. Tienen opciones, pero ya ni siquiera saben dónde buscar lo que de verdad quieren y les gusta. Es como un proceso en el que hemos entrado, en el que la maquinaria se alimenta de quienes más se benefician de ella. La cultura y la música quedan relegadas, y me alegra mucho ver últimamente a mucha gente en los clubes cerrar los ojos y no tocar el móvil, simplemente ser ellos mismos.
Una de las cosas más importantes que perdimos después de 2007 fue la privacidad en los clubes. A los jóvenes de hoy les cuesta mucho más soltarse porque nunca sabes cuándo te están grabando ni quién va a publicar algo sobre ti.
Y por eso creo que tenemos que crear cada vez más espacios seguros donde puedas tener la certeza de que nadie te está grabando y bailar como si nadie te estuviera mirando.
Eso es muy importante, y creo que lo hemos ido perdiendo un poco por el camino.
Pero veo que está surgiendo un fuerte movimiento en sentido contrario, y me encanta. Personalmente, claro que me gustan los festivales, pero cada vez me veo más tocando en esos pequeños y agradables clubs calurosos, ante un público dispuesto a dar un paso más y dejar el móvil atrás. Creo que cada vez somos más los que estamos preparados para hacerlo y no dejar que nos controle quienquiera que controle estos medios.
¡Muchísimas gracias por la entrevista, Chris! Ha sido un placer hablar contigo. Te deseo lo mejor y ¡nos vemos muy pronto en la pista de baile de Smolna!