Man kann ihn auf viele kreative Arten beschreiben – doch am besten lernt man ihn durch seinen Sound kennen. Ø [Phase] ist für seinen Stil bekannt, der Zeit und Raum trotzt. Seine Musik ist bei so renommierten Labels wie Mote Evolver und Token erschienen, doch mit Engagement und Leidenschaft betreibt er auch sein eigenes Label Modwerks. Er ist regelmäßig zu Gast im Tresor, im Berghain, im RSO, im Basement, im KHIDI und im Fuse. Auf Einladung von daisy cutter, Resident-DJ im Jasna 1, besuchte Ø [Phase] erneut Warschau.
Die letzte Ausgabe der Reihe Wild At Heart fand am 21. März statt, also beschlossen wir, ihm ein paar Fragen zur Musik zu stellen. Agata Omelanska spricht mit Ø [Phase] über sein neuestes Album „White Pills“, seine Rückkehr zu Live-Auftritten, seine Zusammenarbeit mit Luke Slater und Phyxix und darüber, welche Produzenten er besonders schätzt.
Agata Omelańska: Hallo, Ashley, es ist mir eine Freude, mit dir zu sprechen! Ich verfolge dich seit Jahren – für mich bist du einer der Künstler, die mich an den Techno-Sound herangeführt haben, der mir heute am nächsten ist und zu einem festen Bestandteil meines Lebens geworden ist. Danke!
Fangen wir mit deinen jüngsten Erfolgen an. 2025 hast du vier Jahre nach deinem vorherigen Album dein neues Album „White Pills“ veröffentlicht. Außerdem sind zahlreiche EPs von dir erschienen, sowohl auf deinem eigenen Label Modwerks als auch unter anderem bei Mote-Evolver und Phyxix. Welche weiteren wichtigen Ereignisse oder Projekte gab es? Und wie haben diese Elemente den Sound von „White Pills“ beeinflusst?
Ø [Phase]: Abgesehen von der Vorbereitung des Albums und des dazugehörigen Live-Sets lag mein Hauptaugenmerk in den letzten Jahren auf dem Ausbau von Modwerks. All das hat mich neben meinen regulären Tourneen sehr beschäftigt.
Was die Einflüsse auf das Album angeht, haben auch übergeordnete philosophische Einflüsse eine Rolle gespielt. Der Titel „White Pills“ bezieht sich auf die Analogie der „roten Pille / blauen Pille“ aus dem Film Matrix. In einer Welt, die sich mitunter immer chaotischer anfühlt, geht es bei „White Pills“ (im Gegensatz zu „Black Pills“) um Optimismus und darum, positiv zu bleiben.
Wie lange hast du an diesem Album gearbeitet? Wie lief der Prozess ab, und wurde die Vision sofort im Studio in die Tat umgesetzt?
Viele meiner Ideen bleiben als Skizzen liegen, bis ich sie brauche oder Inspiration finde, um sie fertigzustellen.
Andere entstehen innerhalb kürzerer Zeit. Bei diesem Album war es nicht anders. Als ich begann, die verschiedenen Teile zusammenzutragen, zeichnete sich ein Gesamtwerk ab und ich bekam ein Gefühl dafür, wie sie als Album zusammenwirken würden. Diesmal sollte es unbedingt auf den Punkt kommen, nicht zu lang sein und sich stark am Dancefloor orientieren. Der kreative Prozess dauerte, denke ich, von der ersten Idee bis zur Fertigstellung der Tracks ein paar Monate (wahrscheinlich etwas länger). Ich neige definitiv nicht dazu, etwas zu überstürzen, und ändere auch oft meine Meinung!
Auch den neuesten Remix für Ignez darf ich nicht unerwähnt lassen – deine Neuinterpretation seines Tracks „Ethereal“ hat mich mit ihrer Energie, der zusätzlichen Musikalität und einem stärkeren, cluborientierten Gefühl im Vergleich zum Original überrascht. Wie bist du bei diesem Remix vorgegangen und, allgemeiner gefragt, bei all deinen Remixen? Mit welchem Element fängst du an?
Ehrlich gesagt hatte ich nie eine bestimmte Formel, nach der ich Musik oder Remixe mache.
Vielleicht habe ich eine Vorstellung davon, wohin ich möchte, und das kann meine Herangehensweise beeinflussen, aber im Allgemeinen ist es jedes Mal anders.
Bei Ignez habe ich, glaube ich, damit angefangen, mit Bass und Kicks herumzuspielen, um den Rhythmus und die Bewegung zu finden, die mir vorschwebten. Der Rest ergab sich dann daraus.
Hörst du dir deine Musik vor der Veröffentlichung an – oder vielleicht besser gefragt: Wie oft tust du das? Ich meine sowohl die Reaktionen des Publikums auf dem Dancefloor als auch die Stimmen aus der Branche. Ist eine dieser beiden Rückmeldungen für dich wichtiger, oder blendest du Meinungen völlig aus und folgst deinem inneren Kompass?
Früher fand ich es hilfreich, neue Musik einem Labelmanager vorzuspielen und mir Feedback einzuholen. Da das meiste meines Materials inzwischen aber auf Modwerks erscheint, habe ich diese Möglichkeit nicht mehr. Es ist definitiv hilfreich, die Dynamik in einem Club auszuprobieren, aber was den Inhalt angeht,
versuche ich heutzutage größtenteils, meinen Instinkten und meiner Erfahrung zu vertrauen.
Nach einer Pause von einigen Jahren bist du zu Live-Auftritten zurückgekehrt. Für deinen ersten „Comeback-Auftritt nach all den Jahren“ hast du den Club Fuse in Brüssel ausgewählt – was hat dich dazu bewogen, wieder live zu spielen? Und ich hoffe, dass wir dich bald wieder öfter live hören werden. Habe ich recht?
Mein letztes Live-Set habe ich ungefähr 2020 gespielt – gerade als die Welt aus den Fugen geriet – und ich hatte ohnehin das Gefühl, eine Pause einlegen und mich eine Weile auf den Aufbau des Labels und das DJing konzentrieren zu wollen. Außerdem habe ich Live-Sets immer nur bei ganz bestimmten Veranstaltungen und in ausgewählten Locations gespielt. Die Veröffentlichung des Albums im vergangenen Sommer hat mich dazu inspiriert, wieder Live-Auftritte in Betracht zu ziehen und ein neues Set vorzubereiten. Dafür stehen jetzt einige Termine an, neben meinen regulären DJ-Auftritten.
Was bietet dir das Live-Format, und was das DJing? Unterscheiden sich diese beiden Formate für dich in der Vorbereitung? Und womit fängst du an, wenn du an bestimmten Auftritten oder Sets arbeitest?
Live zu spielen fühlt sich für mich grundsätzlich etwas persönlicher an, weil das Material ganz von mir stammt. Die Sets erfordern deutlich mehr Vorbereitung als das DJing. Ich zerlege meine Musik in ihre Bestandteile, damit ich sie während des Auftritts auf vielfältige Weise neu zusammensetzen kann.
Wenn du spielst, ist dein Lieblingsmoment im Club …
Wenn ich meinen Flow finde und spüre, dass der Rest des Raums darauf anspringt und sich mitreißen lässt.
Es ist kein Zufall, dass ich ganz am Anfang zwei Labels erwähnt habe: Mote-Evolver und Phyxix. Wenn man der Spur bis zur Quelle folgt, führen die Labels zu den Künstlern dahinter und zu den Projekten, die ihr gemeinsam ins Leben ruft. Mit Luke Slater trittst du als Roog Unit auf, mit Matrixxman als Phyxix. Was geben dir diese Kollaborationen? Was hast du von deinen Partnern gelernt, und wie wirkt sich das auf dich als Solokünstler aus?
Aus produktionstechnischer Sicht macht mir die Zusammenarbeit enorm viel Spaß. Kreative Ansätze zu kombinieren, kann zu wirklich kraftvollen Ergebnissen führen, besonders wenn jeder Künstler etwas Einzigartiges beizutragen hat. Ein großer Teil des gemeinsamen Prozesses kann einfach aus tiefgehenden Gesprächen und dem Erkunden von Ideen und Konzepten bestehen. Ich würde das öfter machen, wenn unsere jeweiligen Zeitpläne mehr Raum dafür ließen.
Auch gemeinsam aufzutreten macht großen Spaß, vor allem, sobald die Synergie stimmt.
Kommt es bei der Zusammenarbeit mit Luke und Charles manchmal zu Meinungsverschiedenheiten oder habt ihr unterschiedliche Ansichten zu bestimmten Fragen? Ich frage vor dem Hintergrund der umfassenden Erfahrung, des Wissens und der Fähigkeiten, die ihr alle mitbringt – schließlich lässt sich jede Herausforderung aus vielen Blickwinkeln angehen.
Für mich persönlich waren beide Erfahrungen positiv. Jede Beziehung bringt eine ganz eigene Verbindung mit sich, und das beeinflusst, wie die Dinge musikalisch zusammenfinden. Generell habe ich bei der Zusammenarbeit aber keine negativen Meinungsverschiedenheiten erlebt. Solange alle offen dafür sind, sich die Ideen und Ansätze des jeweiligen Partners anzuhören, lassen sich Unterschiede leicht nachvollziehen und konstruktiv nutzen.
Wenn du auf die heutige elektronische Musikszene blickst: Wen bewunderst und unterstützt du am meisten, für wen drückst du die Daumen? Wessen Tracks spielst du am häufigsten, und auf wen sollten wir besonders achten?
In den letzten fünf Jahren oder länger sind sehr, sehr viele gute junge Produzenten bekannt geworden – zu viele, um sie in einem Satz zu nennen.
Alarico, Stef Mendesidis und Rene Wise gehören aber definitiv zu meinen Favoriten.
Ich spiele auch viele Platten von Kashpitzky – meiner Meinung nach ein deutlich unterschätzter Produzent. Anné liefert hochwertige Produktionen ab. In letzter Zeit habe ich mich auch durch Regants stilvolles Material gehört.
Erwähnen sollte ich auch Saag und Toru Katsuta von meinem Label. Es ist wirklich schön zu sehen, wie sich die beiden jeweils weiterentwickeln und dass ihre Arbeit die Aufmerksamkeit größerer DJs auf sich zieht.
Und welche Musik hörst du selbst? Ich beschränke die Frage nicht auf elektronische Musik: Alle Genres und Künstler sind willkommen – ebenso Stille.
Ich bin für die meisten Arten von Musik offen. Manches mag ich lieber als anderes. Auf manches kann ich verzichten. Abseits von Techno und elektronischer Musik greife ich normalerweise zu Rock, Punk, Post-Punk, Folk und Ähnlichem.
Zu guter Letzt: Am 21. März hast du in Warschau bei der Veranstaltungsreihe Wild At Heart gespielt. Welche drei Wörter beschreiben am besten, was in dieser Nacht im Jasna 1 passiert ist?
Meine Absicht war es, zu zeigen:
etwas Tiefe, etwas Energie und eine Art Reise!
Vielen Dank für das Interview und deine Zeit, Ashley!