Wir begegneten uns zum ersten Mal vor etwa drei Jahren bei einem Auftritt in Wrocław auf einer Veranstaltung, die von Plalorganisiert wurde. Aus einer kurzen Begegnung entwickelte sich langsam eine Fernbeziehung, geprägt von gemeinsamer Neugier und persönlichen Themen. Sie ist eine jener seltenen Künstlerinnen, die wirklich offen und großzügig sind und ihr Wissen gern mit anderen teilen. Ihre Entwicklung seit damals mitzuerleben, war beeindruckend und inspirierend.
Ihr Werdegang wirkt organisch, und die Musik bewegt sich mit roher, krachender Intensität durch die Räume, bleibt dabei aber stets zutiefst emotional – als wäre sie unmittelbar inneren Zuständen entsprungen, statt fürs Tanzparkett konstruiert worden zu sein. In ihrer Herangehensweise an Klang liegt etwas Reines und Verletzliches. Ihre Tracks entfalten sich wie fließende Klanglandschaften voller Texturen, Gesten und melodischer Fragmente, die scheinbar der Natur entnommen sind – Details, die den meisten von uns entgehen, die sie aber wahrnehmen und zu vollständigen melodischen Linien verarbeiten kann.
Ursprünglich aus Toulouse und inzwischen in Berlin ansässig, erweitert Jan Loup ihr musikalisches Universum in ganz Europa. Ihre Präsenz wächst, und es ist klar, dass ihre Energie in naher Zukunft noch viele weitere Tanzflächen erreichen wird. Bleib dran – vielleicht kommt sie früher in deine Stadt, als du denkst. Seit 2018 ist sie als Produzentin, DJ und Tontechnikerin aktiv. Oft in völliger Abgeschiedenheit arbeitet sie an einem unverwechselbaren Sound, der modernen Dubstep, düsteren Drum and Bass, perkussiven Halfstep und Tribal-Einflüsse miteinander verbindet.
Fangen wir ganz einfach an: Wo bist du gerade, und wie fühlst du dich heute?
Hey! Ich bin gerade im Studio in Berlin und warte darauf, dass ein paar Stems exportiert werden. Heute bin ich etwas müde – es ist der dritte Tag einer sehr vollgepackten Studiosession (ich habe den Raum nur für eine Woche), aber ich bin trotzdem aufgeregt und motiviert, meine Recherche weiter voranzutreiben.
Du bist vor Kurzem nach Berlin gezogen. Was hat dich dorthin geführt?
Haha, schwieriges Thema. Ich weiß nicht, ob ich wirklich hierhergezogen bin. In den letzten Jahren war ich die meiste Zeit unterwegs. Ich hatte keine Lust mehr, nach Hause zu fahren, und wollte mehr, als nur jedes Wochenende eine Nacht hier zu verbringen. Ich wollte Leute kennenlernen, zusammenarbeiten, mich in die lokale Szene einbringen, Orte eingehend entdecken und erfahren, wie die Menschen leben und wie die dortigen Gemeinschaften aufblühen oder überleben. Ich sehnte mich nach echtem Austausch.
Dann kam der Winter, und ich brauchte auch einen schönen Ort zum Produzieren. Auf meinen Reisen war Berlin einer der Orte, an denen ich am liebsten bleiben wollte. Die Menschen, die Musik, die Energie, die vielen Dinge, die es zu entdecken gibt. Es ist wie ein Treffen in einem riesigen Sumpf aus vollendeten Hexen, kunstsinnigen Kobolden, DIY-Feen und vielen anderen außergewöhnlichen Underground-Kreaturen. Im Vergleich zu dem, was ich in Frankreich erlebt habe, fühlte es sich sehr queer, offen und großzügig an. Hier fühlte ich mich mehr zu Hause als in Toulouse, weil dieser Ort etwas in mir anzusprechen scheint. Er hat meine Neugier geweckt, mich mit Inspiration versorgt, meinen Hunger nach mehr genährt und in mir den Wunsch geweckt, immer weiter dazuzulernen.
Ich nehme an, es geht auch darum, was eine Hauptstadt zu bieten hat, obwohl Berlin nicht ganz das typische „Großstadtgefühl“ vermittelt. Durch die weitläufigen, großzügigen Räume fühle ich mich hier nicht eingeengt; ich kann umherstreifen und Ruhe finden. Den richtigen Rhythmus muss ich allerdings noch finden.
Du bist auf der kommenden „All Stars“-Compilation von Tempa vertreten, und dein Release ist großartig. Wie kam diese Verbindung zustande?
Also, Beatrice M. und ich hatten bereits gemeinsam eine EP für NAFF aufgenommen, Shallow, Light and Safe. Deshalb fühlte es sich ganz natürlich an, im Mai wieder Kontakt aufzunehmen, als ich für die Goodness-UK-Party im Fold in London war und dort ein B2B mit Hewan Aman spielte. Nach der Veranstaltung blieb ich noch eine Woche, um Bea zu sehen – und natürlich auch, um ins Studio zu gehen. Zu diesem Zeitpunkt waren sie bereits mit Tempa in Kontakt, und ich glaube, kurz nach unserer Session erzählte Bea mir, dass sie Tracks für die Compilation zusammenstellten. Wir dachten sofort, dass der Zeitpunkt perfekt wäre, wenn sie Interesse daran hätten.
Deine Zusammenarbeit mit Beatrice M. wirkt sehr vertraut und natürlich. Wie hat sich diese künstlerische Verbindung entwickelt?
Wir begegneten uns zum ersten Mal in Straßburg, wo sie damals studierten. Wir standen beide noch ganz am Anfang unserer Projekte. Damals blieben wir nicht eng in Kontakt, aber ich habe sie tatsächlich für meinen Podcast Mana-Machine. Damals recherchierte ich, wie Künstler*innen ihren kreativen Prozess wahrnehmen und wo sie Inspiration finden. Einige Jahre später fanden wir wieder zueinander. Ich denke, wir waren froh, wieder zueinandergefunden zu haben, und es fühlte sich ganz natürlich an. Zu dieser Zeit gehörten wir in Frankreich zu den sehr wenigen FLINTA-Personen, die Dubstep bzw. von UK-Musik beeinflusste Musik spielten und produzierten. Außerdem teilten wir die Schwierigkeiten, als FLINTA-Personen in der Szene zu sein. Daraus entstanden Zusammenhalt, Energie und Wut, die ihren Weg in unsere Musik fanden. Meiner Meinung nach gibt es keinen besseren Weg, diese Art von Spannung durch die Arbeit abzubauen – es ist ein alchemistischer Prozess. Ich habe immer eine Vorliebe dafür, seltsame Klänge zu formen und mich in Atmosphären und Texturen zu verlieren, irgendwo zwischen Tagträumen und Myzelwachstum. Sie sind dagegen schneller, präziser, mit einer strukturierten und vernetzten Sichtweise, wie ein architektonischer Geist, also ergänzten wir uns ziemlich gut (aber so sehe ich sie, hehe, sorry, falls ich mich irre, Bea :3)
Im November 2025 habt ihr ein Projekt mit Of Paradise veröffentlicht. Wie kam diese Zusammenarbeit zustande?
Ich glaube, Of Paradise hat mich 2024 zum ersten Mal kontaktiert, wegen eines Tracks für eine ihrer Compilations. Das war unsere erste Zusammenarbeit. Ich schickte ihnen einen Track namens Marée Basse. Dann meldeten sie sich 2025 erneut.
Die Mail kam an, während ich bei Trois-Quart-Taxi-Sistem war, vielleicht einen Tag nachdem wir mit unserer Zusammenarbeit begonnen hatten. Alles ging super schnell, weil wir beide diesen Moment nutzten, um zu experimentieren und neue Sachen einzubauen. Es lief sehr reibungslos und natürlich, wir wollten beide dem jeweils anderen Tricks und Techniken zeigen, die wir kürzlich entdeckt hatten oder ausprobieren wollten. Direkt nach der Session schickten wir das Demo, und OP gefiel es sofort. Eine kurze Geschichte nebenbei: TQTS wurde wenige Wochen später sein Computer gestohlen, mitsamt all seiner Arbeit darauf (persönlicher und gemeinsamer Musik mit malesa, seinen Livesets usw.), ohne irgendein Backup … Es ging so schnell, dass wir dachten, auch dieser Track sei verloren. Es war supertragisch, denn er schlief im Zug, als es passierte, auf dem Rückweg von einem Gig. Direkt danach schrieb er mir völlig panisch vom Bahnhof aus und suchte verzweifelt immer noch nach seinem Computer. Er ist einfach so lieb, dass er sich sogar jetzt noch entschuldigte! Es tat mir so leid für ihn, ich konnte mich so gut in seine Gefühlslage hineinversetzen, in der er gewesen sein muss. Ich dachte nur: „Alter, du hast gerade dein ganzes Liveset und deine Produktionen verloren. Ich glaube, unser Track ist gerade deine geringste Sorge.“ Wir mochten diese Arbeit tatsächlich sehr, deshalb fiel es uns beiden schwer, uns vorzustellen, dass sie verloren war. Aber trotzdem, Bro, hatte gerade seine GESAMTE Arbeit verloren. Das war doch nur ein Track aus einer einzigen Session.
Dann stellten wir fest, dass er mir am Ende unserer Session tatsächlich eine WAV-Version des Demos geschickt hatte. Am Ende war der Mix gar nicht so schlecht und der Track war sogar weiter fortgeschritten, als wir es in Erinnerung hatten. Wir änderten ein paar Dinge, räumten den Mix auf, und er war bereit zum Verschicken. TQTS hat seinen Computer nicht wiedergefunden … Ich nutze diese Geschichte jetzt, um alle dazu zu ermutigen, ein Backup-System für ihre Arbeit einzurichten. Wenn nötig, kann ich meines teilen. Ich habe viele ähnliche Geschichten gehört, und manche haben nach solchen schlimmen Unfällen sogar aufgehört zu produzieren. Es ist ein Geschenk an dich selbst, deine Kunst vor unvorhergesehenen Unfällen zu schützen. Im Ernst: Ich bin ein sehr spiritueller Mensch, aber manchmal bedeutet so ein Vorfall gar nichts. Natürlich kann man daran immer wachsen, so wie man an allem wachsen kann, aber es gibt sicher bessere Orte, an denen man lernen kann.
Sprechen wir über die Bühne. Wie hat sich dein Auftritt im Laufe der Zeit entwickelt? Wie fühlst du dich auf der Bühne, und was verändert sich in dir noch?
Dazu gibt es so viel zu sagen. Ich denke viel über meine Arbeit als DJ auf der Bühne nach, über meine Präsenz oder meine Rolle, darüber, was ich einbringen und was ich auch loslassen möchte und was nicht in meiner Kontrolle liegt. Das entwickelt sich ständig weiter und formt sich neu, weil ich es mittlerweile auch als eine Kunst wahrnehme, die sich mit der Zeit aufbaut und sich durch viele verschiedene Erfahrungen für immer verändert. Eine ständige Praxis. Jeder Gig hat mich ein bisschen mehr über mich selbst, über Musik, über Menschen, über die Szene, über Partys, über Magie und über das ganze Ökosystem gelehrt, in dem all das und noch viel mehr entsteht.
Aber ja, ich würde sagen, in meiner Herangehensweise an meine Auftritte hat sich wirklich etwas verändert. Auslöser dafür war, dass ich Anne-Laure Le Cunff zugehört habe, einer Neurowissenschaftlerin und Autorin. Kurz gesagt erklärt sie, wie uns die Denkweise, „zu gewinnen“, zurückhalten kann, und schlägt stattdessen eine Haltung des „Experimentierens im Kleinen“ vor. Ich glaube, ihre Worte haben mir eine Freiheit ermöglicht, die ich mir selbst aufgrund vieler innerer und systemischer Gründe nicht zugestanden hatte.
Ich habe mich in meinem Leben immer wieder dafür ausgesprochen, dass Kreativität Experimentieren und Scheitern erfordert, obwohl es viel leichter ist, das zu sagen, als diese Realität wirklich vollständig anzunehmen. Beim DJing wird es noch komplexer. Alles verdichtet sich oft auf diesen kurzen Zeitraum von 90 Minuten bis 3 Stunden während einer Party, mit all ihrer Zufälligkeit, Intensität und ihrem Chaos, obwohl dahinter unzählige Stunden stecken. Graben, Vorbereiten, Verfeinern, nach Bedeutung suchen, Umsetzen, versuchen, etwas Neues zu erfinden … Deshalb fällt es schwer, den Wunsch loszulassen, „gut und unvergesslich zu sein“ oder sich zu beweisen. Besonders, wenn man diese so vertraute Künstlerwunde in sich trägt, dieses Bedürfnis nach Akzeptanz, Sicherheit und Anerkennung, das man früher im Leben nie erfahren konnte.
Jedenfalls hat mir diese neu entdeckte Freiheit ermöglicht, meine bereits bestehende Vorstellung vom DJ-Set als kooperativem und fiktionalem Kunstwerk weiterzuentwickeln (fiktional im Sinne einer gemeinsam imaginierten Erzählung, einer Geschichte). Für mich wird es kollektiv geformt – sozusagen gemeinsam geschaffen – und meiner Ansicht nach lässt es sich niemals aus seinem Kontext von Raum, Zeit, Tänzer*innen sowie sozialen, politischen und wirtschaftlichen Bedingungen herauslösen. DJ-Sets werden oft als Mittelpunkt einer Party wahrgenommen, aber ich empfinde sie eher als architektonisches Element. Als Teil eines größeren Gebildes. Und ich wehre mich entschieden gegen diesen Drang, den DJ auf ein Podest zu stellen oder ihn wie eine Gottheit zu behandeln. Schließlich fanden die meisten meiner ersten Partyerlebnisse bei Raves im Wald statt. Ich sehe den DJ als eine Rolle innerhalb eines größeren Theaters. Ich spiele meinen Part, mit meiner Anpassung an und Wahrnehmung dieser Rolle, so wie alle anderen auf der Party ihre Rollen spielen. Natürlich mit meiner Geschichte, meinen Gefühlen und Lebenserfahrungen, die durch mein Wesen und mein Schaffen widerhallen.
Kultur ist ein gemeinsamer Klartraum.
Wenn ich jetzt auf der Bühne stehe, konzentriere ich mich auf meine innere Intuition. Inzwischen ist mir klar, dass wir viel mehr wahrnehmen, als dieser präfrontale Cortex in Worte fassen kann. Unser ganzer Körper ist eine Antenne, ein Empfänger, und wir lernen durch ihn. Ich glaube daran, und mein Mantra lautet: „Wir lernen mit dem Körper. Alles ist Muskelgedächtnis.“ Deshalb höre ich auf meine Körperintuition und navigiere wie mit einem Kompass, wie mit einer Wünschelrute, durch die vielen Eindrücke aus der Welt, aus dem Raum, durch die Energie und den emotionalen Zustand der Menschen, ihr Biofeld oder elektromagnetisches Feld, und durch meine Playlists, meine Wünsche und Hoffnungen, die Reise, die ich für sie vorbereitet habe, die Botschaften, die ich teilen möchte, und die Orte, an die ich sie mitnehmen will. Da ist immer dieser Wunsch, oder besser gesagt diese Sehnsucht, gemeinsam einen Weg zu ungehemmtem, wilden Tanzen zu gestalten. Eine Stimmung, wie man vielleicht gemeinhin sagt, in der eine Art Befreiung aus unseren mentalen Käfigen stattfindet, wenn auch nur kurz. Für vernünftiger denkende Menschen klingt das vielleicht alles ein bisschen zu sehr nach New Age, haha. Ich denke, meine Wahrnehmung ist in jedem Fall ein wertvoller Leitfaden, um meine Praxis aufzubauen und neu zu erfinden, ganz gleich, ob ich darin eine geheime Wahrheit des Lebens entwirre oder eine vollständige Halluzination erlebe. Es beruhigt mich irgendwie zu sehen, dass viele vor mir dasselbe gesucht und empfunden und es mit anderen Worten ausgedrückt haben. Kürzlich bin ich auf die Texte von Eris Drew gestoßen. Ihre Vorstellung vom „Motherbeat“ sprach mich sehr an und deckte sich mit dem, was ich selbst wahrgenommen hatte.
Ich habe immer noch mit Lampenfieber zu kämpfen. Ich sehne mich danach, mich sicherer und selbstbewusster zu fühlen, denn in diesem Zustand kann echte Kreativität entstehen. Das steht nicht im Gegensatz zu Stress. Stress kann auch ein Antrieb für Energie sein. Es geht aber darum, meinen Selbstwert aus diesem Prozess herauszunehmen. Sozusagen im Einklang zu sein, alles zu geben und diese völlig selbstlose, feinfühlige Antenne zu sein, die sich von der Musik und den Menschen statt von der Angst leiten lässt.
Wenn du drei Künstler*innen auswählen könntest, mit denen du in Zukunft zusammenarbeiten möchtest, wer wären das?
Nun, ich arbeite bereits mit wirklich großartigen Leuten zusammen und bin sehr froh und begeistert darüber: Bea, Ojoo, georg-i, Cinna Peyghamy, Son du Maquis, TQTS …
Und ehrlich gesagt gibt es noch eine ganze Reihe, mit denen ich gerne experimentieren würde, deshalb ist das eine schwierige Frage. Wenn ich ein paar nennen müsste, wären es wahrscheinlich: Metrist, isabassi, upsammy, herbalistek.
Eine Zeit lang warst du auf deinen Tourneen mit einer Soundanlage unterwegs. Hast du Geschichten aus dieser Zeit, die du erzählen möchtest, und wie hat sich diese Erfahrung für dich angefühlt?
Nun, aus dieser Zeit habe ich viele Geschichten. Wir haben immer noch so viel unveröffentlichtes Filmmaterial, Aufnahmen und Erinnerungsstücke von damals. Ich habe das Gefühl, dass ich mich noch immer irgendwie in einer Übergangsphase befinde und herauszufinden versuche, was ich mit dem gesammelten Archivmaterial und diesem „Erfahrungswissen vor Ort“, das wir unterwegs zusammengetragen haben, anfangen soll.
Zur Einordnung: Ich war etwa drei Jahre lang immer wieder mit Son du Maquis in Westeuropa auf Tour, in einem kleinen weißen Lkw mit einer Soundanlage an Bord. Wir boten unsere Auftritte an und stellten außerdem unsere Soundanlage zur Beschallung der Veranstaltungen zur Verfügung – ein kleines 10–12-kW-System. Wir teilten den Wunsch und die Vision, langsam zu reisen und auf Tour zu gehen. Da wir aus DIY-Szenen kamen und uns der wirtschaftlichen Realitäten dort sehr bewusst waren, versuchten wir, die Dinge sinnvoll zu organisieren: mit logischen Routen, geteilten Kosten, möglichst wenigen unnötigen Ausgaben und ausreichend Zeit vor Ort. Für uns ergab es Sinn, weder Tourist*innen noch Ein-Nacht-DJs zu sein, sondern wirklich eine Verbindung zu den Orten aufzubauen und dort zu „leben“, an die wir eingeladen wurden. Auch wenn wir nicht mehr gemeinsam auf Tour gehen, ist diese Art zu reisen nach wie vor ein wichtiger Teil meiner Überlegungen (inzwischen mache ich das meistens mit dem Zug) und auch seiner, denn er ist weiterhin mit dem Lkw unterwegs. Eine Tour als durchdachte Reise zu gestalten und jeden Schritt zu planen, ist auch eine Möglichkeit, sich wieder mit der Geografie und dem eigenen Weltgefühl zu verbinden. Flugreisen lassen uns oft den Raum und die Zeit und ihre Zyklen aus den Augen verlieren. Ich behaupte zwar nicht, mich so konsequent wie gigsta dem Vermeiden von Flügen zu widmen, teile aber viele Gedanken mit ihrer Vorstellung vom Reisen. Ich bin sehr dankbar und froh, sie kennengelernt zu haben und auch ihre Worte und Perspektiven als Anregung für meine eigenen zu haben. Es fühlt sich wie eine Art Verbundenheit an, denn unsere Forschungsfelder berühren sich, ebenso wie diese Art, Weisheit durch Praxis zu erkunden, auch wenn unsere Wege nicht identisch sind. Sowohl die Gemeinsamkeiten als auch die Unterschiede sind eine großartige Inspirationsquelle. Ich sehe mich ständig auf der Suche nach Lebensweisen, nach einem Verständnis der Verbindungen zwischen Leben und Musik und nach sinnlichen und erhebenden Erfahrungen. DJing ermöglicht es mir gewissermaßen, all dem nachzugehen – gleichzeitig.
Mit Maquis hatten wir überlegt, aus diesem Abenteuer und den Erkenntnissen ein Fanzine zu machen. Wenn ich jetzt etwas teilen sollte, um es zusammenzufassen, dann wäre es wohl, dass diese Erfahrung von überwältigender Schönheit, aber mitunter auch schrecklich schmerzhaft war. Manche Momente unterwegs sind mir noch immer lebhaft in Erinnerung. Wie ich von den Landschaften im Süden Italiens, die sich vor uns entfalteten, völlig überwältigt war. Die frühen Sonnenaufgänge, während wir in den Schweizer Bergen zelteten. Die Ankunft in Kroatien, nachdem wir die Nacht auf einer riesigen Fähre von Bari verbracht hatten. Die Freude, die ich beim Auflegen und beim gemeinsamen Tanzen auf dieser Rave-Veranstaltung am äußersten Zipfel der Bretagne in Frankreich empfand, in einem besetzten Haus namens Les roches blanches in Douardenez, so nah am Meer und an der Natur. Der Aufbau der Soundanlage als Gelegenheit, beim bezaubernden Gofildren’s Festival einen FLINTA-exklusiven Workshop zu veranstalten. Oder das unglaublich belebende Gefühl, nach dem Abbau unserer Anlage beim Klein und Harig Festival in Deutschland im Thermalbad zu entspannen.
Erzähl uns von „Le Comité des Fêtes“. Wie hat es angefangen, und wie entwickelt es sich heute weiter?
Le Comité des Fêtes ist eine lange Geschichte, die ich gern erzählen würde. Kurz gesagt, ist es sowohl ein Kollektiv als auch eine Reihe von Partys, die in einem Lagerhaus in Toulouse stattfinden. Das Setting der Partys und der Name wurden mit Bedacht gewählt und knüpfen an Toulouse und den Ort selbst an, der größtenteils auch als gemeinsam genutzte Werkstatt für andere Gruppen und Handwerksbereiche dient. Wir sind zehn Leute bei Le Comité. Nach Covid fanden wir ziemlich organisch zusammen, nach einer Phase des Experimentierens mit verschiedenen Formaten, flexibleren Organisationsformen und durchlässigeren Projekten. Irgendwann hatten wir das Bedürfnis nach einer stabileren Struktur, wollten aber nicht-hierarchisch bleiben. Wir wollten einen festeren Ort, um neue und andere Arten des Feierns und der Partyorganisation auszuprobieren.
Während Covid kamen viele Themen auf: Safer Spaces und Risikominimierung, Fragen zu Aktivismus und gegenseitiger Unterstützung in der Community, zur Repräsentation von Minderheiten in der Szene … und grundsätzlicher die Frage nach der Stellung einer Party oder eines Raves in Zeit und Raum der Gesellschaft (ist es eine Utopie? Ist es einfach eine Flucht? Ist es eine Möglichkeit, Menschen zusammenzubringen und Verbindungen zu stärken? Wie lässt sich das eine stärker fördern als das andere …). Außerdem wollten wir unsere Veranstaltungsorganisation hinterfragen und verbessern. Der Raum, über den wir verfügten, hatte Platz für 200 Personen und ließ sich völlig flexibel gestalten. So konnten wir in allen Bereichen experimentieren und alles von Grund auf aufbauen, ohne finanzielle Mittel, da der Raum zunächst weitgehend leer war. Nach jeder Veranstaltung musste er außerdem wieder vollständig leergeräumt und gereinigt werden, damit die Tagarbeiter*innen ihren handwerklichen Tätigkeiten nachgehen konnten.
Es ging darum, jede einzelne Ebene zu verstehen, die eine Party möglich macht: von der internen Kommunikation über die Szenografie und den Sound bis zur Instandhaltung des Raums selbst und der damit verbundenen Wirtschaft. Vor allem, weil die Mieten ständig steigen, wie überall.
Es wäre wirklich schwierig, vollständig zu beschreiben, wie sich „Le Comité“ entwickelt hat. Ich kann aber sagen, dass dieses Abenteuer für uns tatsächlich ein Ort des Lernens und der Praxis war. Jede und jeder von uns hat dort nach und nach bestimmte Fähigkeiten entwickelt und zugleich andere Rollen erkundet. Durch Fehler haben wir viel gelernt. Irgendwann, glaube ich, waren wir zu sehr davon besessen, die „perfekte Formel“ zu finden. Dabei verloren wir irgendwann die Begeisterung, die ein neues Projekt oder eine neue Idee mit sich bringen kann, und damit auch die Energie und Kraft, die eine Gruppe daraus schöpfen kann. Aus Angst vor Erschöpfung schränkten wir uns schließlich stark ein, und es gab eine Phase, in der sich alles repetitiv anfühlte, auch wenn jede Veranstaltung, ehrlich gesagt, etwas Besonderes hatte.
Ich glaube, wir sind aus dieser Phase herausgekommen, als uns plötzlich klar wurde, dass die Erschöpfung nicht von der Arbeit selbst kam, sondern vom Verlust von Sinn, Neugier und kreativem Verlangen. Als ich von den Tourneen zurückkam, voller Ideen und mit dem Wunsch zu experimentieren, verbrachte ich tatsächlich mehr Zeit und investierte mehr Energie, fühlte mich aber nie so ausgelaugt wie in diesen Phasen der Wiederholung. Wir sind gerade dabei, neue Leute zu rekrutieren, denn wir brauchen neue Perspektiven, die das Schloss wieder aufrütteln, und ich verabscheue Stillstand, verstaubte Ideen und starre, wie in Stein gemeißelte Strukturen.
Zum Schluss möchten wir euch bitten, den Satz „Unter …“ zu vervollständigen.
Unter keinen Umständen werde ich Regeln blind und unhinterfragt befolgen.
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