Poznałyśmy się około trzech lat temu, występując we Wrocławiu na jednym wydarzeniu organizowanym przez Plal. To, co zaczęło się od krótkiego spotkania, powoli przerodziło się w relację na odległość, którą ukształtowały wspólna ciekawość i osobiste tematy. To jedna z tych rzadkich artystek, które są naprawdę otwarte i hojne, a także chętnie dzielą się wiedzą z innymi. Obserwowanie jej rozwoju od tamtej pory było niezwykle poruszające i inspirujące.
Jej droga artystyczna wydaje się naturalna, a muzyka przepływa przez przestrzenie z surową, gwałtowną intensywnością, ale zawsze pozostaje głęboko emocjonalna — jakby była wydobywana bezpośrednio z wewnętrznych stanów, a nie tworzona z myślą o parkiecie. Jest coś czystego i wrażliwego w jej podejściu do dźwięku. Jej utwory rozwijają się jak płynne pejzaże, pełne tekstur, gestów i melodycznych fragmentów, które zdają się czerpać z detali natury, zwykle umykających naszej uwadze, a które ona potrafi dostrzec i przełożyć na pełne linie melodyczne.
Pochodząca z Tuluzy, a obecnie mieszkająca w Berlinie Jan Loup wciąż poszerza swój muzyczny świat w całej Europie. Jej obecność staje się coraz wyraźniejsza i wydaje się jasne, że w niedalekiej przyszłości jej energia dotrze na wiele kolejnych parkietów. Bądźcie czujni — być może wkrótce pojawi się bliżej waszego miasta, niż myślicie. Producentka, DJ-ka i realizatorka dźwięku, aktywna od 2018 roku. Często pracując w samotności, rozwija charakterystyczne brzmienie, łączące nowoczesny dubstep, mroczne drum and bass, perkusyjne halftime i wpływy tribalowe.
Zacznijmy od prostego pytania. Gdzie teraz jesteś i jak się dziś czujesz?
Hej! Jestem teraz w studiu w Berlinie i czekam, aż wyeksportują się stemsy. Dziś czuję się trochę zmęczona — to trzeci dzień intensywnie zaplanowanej sesji w studiu (mam tę przestrzeń tylko przez tydzień), ale wciąż jestem podekscytowana i mam ochotę dalej rozwijać swoje poszukiwania.
Niedawno przeprowadziłaś się do Berlina. Co cię tam sprowadziło?
Haha, trudny temat. Nie wiem, czy naprawdę się tu przeprowadziłam. Przez większość ostatnich kilku lat byłam w drodze. Nie miałam już ochoty wracać do domu, a chciałam czegoś więcej niż tylko noclegu na każdą weekendową noc. Chciałam poznawać ludzi, współpracować, angażować się w lokalną scenę, odkrywać miejsca dogłębnie — dowiedzieć się, jak żyją ludzie i jak tamtejsze społeczności rozkwitają albo walczą o przetrwanie. Brakowało mi prawdziwej wymiany.
Potem nadeszła zima, a ja potrzebowałam też fajnego miejsca do produkcji muzyki. Podczas moich wędrówek Berlin był jednym z miejsc, w których najbardziej chciałam zostać. Ludzie, muzyka, energia, mnóstwo rzeczy do odkrycia. To jak zgromadzenie na rozległym bagnie, pełnym spełnionych czarownic, artystycznych goblinów, majsterkujących wróżek i wielu innych niezwykłych podziemnych istot. W porównaniu z tym, czego doświadczyłam we Francji, to miejsce wydało mi się bardzo queerowe, otwarte i hojne. Poczułam się tu bardziej u siebie niż w Tuluzie, bo wydaje się, że Berlin rezonuje z czymś we mnie. Rozbudził moją ciekawość, natchnął mnie, sprawił, że zapragnęłam więcej i stałam się głodna wiedzy.
Myślę, że chodzi też o to, co może zaoferować stolica, chociaż Berlin nie ma w pełni typowego klimatu „wielkiego miasta”. Rozległe, przestronne obszary sprawiają, że nie czuję się tu przytłoczona, mogę spacerować i odnaleźć spokój. Wciąż muszę jednak znaleźć własny rytm.
Jesteś częścią nadchodzącej kompilacji „All Stars” w wytwórni Tempa, a twój utwór jest niesamowity. Jak doszło do tej współpracy?
Cóż, z Beatrice M. nagrałyśmy już razem EP-kę dla NAFF, Shallow, Light and Safe. Dlatego naturalne było, że ponownie nawiązałyśmy kontakt w maju, kiedy byłam w Londynie na imprezie Goodness UK w Fold, gdzie grałam b2b z Hewan Aman. Zostałam tam jeszcze tydzień po wydarzeniu, żeby spotkać się z Beą i oczywiście wpaść do studia. W tamtym czasie byli już w kontakcie z Tempa i, jak sądzę, krótko po naszej sesji Bea powiedziała mi, że zbierają utwory na kompilację. Od razu pomyślałyśmy, że to idealny moment, jeśli będą zainteresowani.
Twoja współpraca z Beatrice M. wydaje się bardzo bliska i naturalna. Jak rozwinęła się ta artystyczna więź?
Poznałyśmy się w Strasburgu, gdzie Beatrice wtedy studiowała. Obie byłyśmy na bardzo wczesnym etapie rozwijania swoich projektów. Wtedy nie utrzymywałyśmy bliskiego kontaktu, ale przeprowadziłam z Beatrice wywiad do mojego podcastu Mana-Machine. W tamtym czasie badałam, jak artyści postrzegają swój proces twórczy i gdzie szukają inspiracji. Kilka lat później znów nawiązaliśmy kontakt. Chyba cieszyliśmy się, że udało nam się odnaleźć siebie na nowo, i wszystko wydawało się bardzo naturalne. W tamtym czasie należeliśmy do nielicznych osób FLINTA we Francji, które tworzyły i grały dubstep oraz muzykę inspirowaną UK. Łączyło nas również doświadczenie trudności, z jakimi mierzą się osoby FLINTA na scenie. Zrodziły się z tego koleżeństwo, energia i gniew, które znalazły ujście w naszej muzyce. Moim zdaniem nie ma lepszego sposobu na uwolnienie tego rodzaju napięcia niż poprzez twórczość — to proces alchemiczny. Zawsze lubiłam rzeźbić dziwne dźwięki i zatracać się w atmosferach i teksturach, gdzieś pomiędzy marzeniami na jawie a rozrostem grzybni, a oni są szybsi, bardziej precyzyjni, mają uporządkowaną i spójną wizję, niczym architekci, więc dobrze się uzupełnialiśmy (ale tak ich postrzegam, hehe. Wybacz, jeśli się mylę, Bea :3)
W listopadzie 2025 roku ukazał się wasz projekt z Of Paradise. Jak zaczęła się ta współpraca?
Wydaje mi się, że Of Paradise skontaktowało się ze mną po raz pierwszy w 2024 roku w sprawie utworu na jedną z ich składanek — to była nasza pierwsza współpraca. Wysłałam im utwór zatytułowany Marée Basse. Potem odezwali się ponownie w 2025 roku.
Mail dotarł, kiedy byłam u Trois-Quart-Taxi-Sistem, może dzień po tym, jak zaczęliśmy razem współpracować. Wszystko potoczyło się błyskawicznie, bo oboje wykorzystaliśmy tę chwilę, żeby eksperymentować i wdrażać nowe pomysły. Współpraca przebiegała bardzo płynnie i naturalnie; oboje chcieliśmy pokazać sobie nawzajem triki i techniki, które niedawno odkryliśmy albo chcieliśmy wypróbować. Wysłaliśmy demo zaraz po sesji, a OP od razu się spodobało. A tak przy okazji, TQTS ukradziono komputer kilka tygodni później, razem ze wszystkimi jego pracami (prywatnymi i wspólnymi utworami z malesą, jego setami na żywo…), bez żadnej kopii zapasowej… więc pomyśleliśmy, że ten utwór też przepadł. To było naprawdę tragiczne, bo spał w pociągu, wracając z koncertu, kiedy do tego doszło. Napisał do mnie w panice ze stacji, zaraz po tym, jak to się stało, wciąż desperacko szukając komputera. Jest po prostu taki kochany — nawet teraz przepraszał! Bardzo mu współczułam, bo rozumiałam, w jakim musiał być stanie, myśląc tylko: „Stary, właśnie straciłeś cały swój set na żywo i wszystkie produkcje, sądzę, że nasz utwór to teraz ostatnia rzecz, o którą powinieneś się martwić”. Naprawdę bardzo lubiliśmy tę pracę, więc obojgu trudno było sobie wyobrazić, że przepadła. Ale mimo wszystko, stary stracił WSZYSTKIE swoje prace. To był przecież utwór z jednej sesji.
Potem zorientowaliśmy się, że pod koniec sesji wysłał mi jednak wersję demo w WAV-ie. Ostatecznie miks nie był taki zły, a utwór był chyba bardziej zaawansowany, niż zapamiętaliśmy. Zmieniliśmy kilka rzeczy, dopracowaliśmy miks i był gotowy do wysłania. TQTS nie odzyskał komputera… Teraz opowiadam tę historię, żeby zachęcić wszystkich do stworzenia systemu kopii zapasowych swoich prac. W razie potrzeby mogę podzielić się swoim. Słyszałam wiele podobnych historii, a niektórzy po takich poważnych wypadkach przestali nawet tworzyć. Zabezpieczenie swojej twórczości przed nieprzewidzianymi wypadkami to prezent dla samego siebie. Naprawdę, jestem osobą bardzo uduchowioną, ale czasem taki incydent po prostu nic nie znaczy. Oczywiście zawsze można się dzięki takim doświadczeniom rozwijać, tak jak dzięki wszystkiemu, ale z pewnością są lepsze miejsca, z których można się uczyć.
Porozmawiajmy o występach na żywo. Jak z czasem ewoluowały twoje występy? Jak czujesz się na scenie i co wciąż się w tobie zmienia?
Jest o tym naprawdę wiele do powiedzenia. Dużo rozmyślam o swojej pracy jako DJ-ka na scenie, o swojej obecności i roli, o tym, co chcę wnieść, a z czego powinnam zrezygnować, i o tym, na co nie mam wpływu. To ciągle ewoluuje i zmienia kształt, bo teraz postrzegam to również jako sztukę, która powstaje z czasem, nieustannie się zmieniając pod wpływem różnych doświadczeń. To nieprzerwana praktyka. Każdy występ nauczył mnie czegoś więcej o sobie, o muzyce, o ludziach, o scenie, o imprezach, o magii, o całym ekosystemie, w którym rozgrywają się te wszystkie rzeczy i wiele innych.
Ale tak, powiedziałabym, że coś naprawdę zmieniło się w moim podejściu do występów. Zaczęło się od słuchania Anne-Laure Le Cunff, neurobiolożki i pisarki. W skrócie wyjaśnia ona, jak nastawienie na „wygrywanie” może nas blokować, i proponuje zamiast tego podejście oparte na „małych eksperymentach”. Myślę, że jej słowa dały mi wolność, której sama sobie odmawiałam z wielu powodów wewnętrznych i systemowych.
Już wcześniej w życiu nieustannie mówiłam o tym, że kreatywność wymaga eksperymentowania i porażek, choć o wiele łatwiej to powiedzieć, niż naprawdę w pełni zaakceptować tę rzeczywistość. Co więcej, DJ-ing jeszcze bardziej wszystko komplikuje. Często wszystko kumuluje się w krótkim czasie — od 90 minut do 3 godzin podczas imprezy, pełnej przypadkowości, intensywności i chaosu — mimo że stoi za tym niezliczona liczba godzin. Szukanie muzyki, przygotowywanie się, szlifowanie, poszukiwanie sensu, realizowanie pomysłów, próby wymyślenia czegoś nowego… Trudno więc porzucić pragnienie, by „być dobrą, zapadać w pamięć” albo udowodnić swoją wartość. Zwłaszcza jeśli nosisz w sobie tę tak dobrze znaną artystyczną ranę — potrzebę akceptacji, poczucia bezpieczeństwa i uznania, których nigdy wcześniej w życiu nie mogłaś otrzymać.
W każdym razie ta nowo odkryta wolność pozwoliła mi jeszcze mocniej oprzeć się na moim istniejącym już postrzeganiu setu DJ-skiego jako zbiorowego, fikcyjnego dzieła sztuki (fikcyjnego w sensie opowieści, historii, wspólnie snutej fantazji). W moim odczuciu kształtuje się on zbiorowo — jest w pewnym sensie współtworzony i, moim zdaniem, nigdy nie można go oderwać od jego czasoprzestrzennego, tanecznego, społecznego, politycznego i ekonomicznego kontekstu. Sety DJ-skie często postrzega się jako centralny element imprezy, ale ja uważam, że pełnią raczej funkcję architektoniczną. Są częścią większej konstrukcji. W dużej mierze sprzeciwiam się wynoszeniu DJ-a na piedestał, do pozycji boga. W końcu większość moich pierwszych doświadczeń imprezowych miała miejsce na rave’ach w lesie. Postrzegam DJ-a jako rolę w szerszym teatrze. Odgrywam swoją rolę — zgodnie z tym, jak ją przyswajam i postrzegam — tak jak wszyscy inni odgrywają swoje na imprezie. Oczywiście wnoszę w nią też własną historię, uczucia i życiowe doświadczenia, które odbijają się echem w moim istnieniu i mojej twórczości.
Kultura to wspólny, świadomy sen.
Kiedy teraz staję na scenie, skupiam się na swojej wewnętrznej intuicji. Rozumiem już, że postrzegamy znacznie więcej, niż nasza kora przedczołowa potrafi wyrazić słowami. Całe nasze ciało jest anteną, odbiornikiem, i uczymy się za jego pośrednictwem. Wyznaję teraz taką zasadę, która jest dla mnie mantrą: „Uczymy się ciałem. Wszystko jest pamięcią mięśniową”. Dlatego słucham swojej cielesnej intuicji i nawiguję jak z kompasem — jak z różdżką radiestezyjną — pośród licznych podmuchów dobiegających ze świata, sali, energii i stanu emocjonalnego ludzi, pola bioenergetycznego czy elektromagnetycznego, a także moich playlist, pragnień i nadziei, podróży, którą dla nich przygotowałam, wiadomości, którymi chcę się podzielić, i miejsc, do których chcę ich zabrać. Zawsze towarzyszy mi pragnienie, a właściwie tęsknota, by wspólnie wytyczyć ścieżkę do nieskrępowanego, szalonego tańca. Jak zwykle mówimy — vibe, w którym dochodzi do pewnego rodzaju uwolnienia z mentalnych klatek, choćby tylko na krótką chwilę. Dla bardziej rozsądnych umysłów wszystko to może brzmieć trochę zbyt new age’owo, haha. Uważam jednak, że niezależnie od wszystkiego moje postrzeganie jest cennym drogowskazem, który pozwala mi rozwijać i na nowo wymyślać moją praktykę — bez względu na to, czy odkrywam jakąś ukrytą prawdę o życiu, czy też mam całkowite halucynacje. W pewien sposób uspokaja mnie świadomość, że wiele osób przede mną szukało i czuło to samo, a także opisywało to różnymi słowami. Niedawno natknęłam się na teksty Eris Drew. Jej koncepcja „Motherbeat” bardzo współbrzmiała z tym, co sama wyczuwałam.
Wciąż zmagam się z tremą. Chciałabym czuć się bezpieczniej i pewniej, bo to właśnie w takim stanie może zaistnieć prawdziwa kreatywność. Nie oznacza to, że stres jest jej przeciwieństwem. Stres też może napędzać energię. Chodzi jednak o to, by nie uzależniać od tego procesu poczucia własnej wartości. Pragnę w pewien sposób odnaleźć harmonię, dać z siebie wszystko, być bezinteresowną i wrażliwą anteną, którą kierują muzyka i ludzie, a nie strach.
Gdybyś mogła wybrać troje artystów, z którymi chciałabyś współpracować w przyszłości, kto by to był?
Cóż, już współpracuję z naprawdę niesamowitymi ludźmi i bardzo mnie to cieszy i ekscytuje: Bea, Ojoo, georg-i, Cinna Peyghamy, Son du Maquis, TQTS…
Szczerze mówiąc, jest też cała masa osób, z którymi chciałabym poeksperymentować, więc to trudne pytanie. Gdybym miała wymienić kilka osób, powiedziałabym: Metrist, isabassi, upsammy, herbalistek.
W pewnym momencie podróżowałaś w trasie ze swoim systemem nagłośnieniowym. Czy masz jakieś historie z tamtego okresu, którymi chciałabyś się podzielić, i możesz opowiedzieć, jak wyglądało to doświadczenie?
Cóż, mam z tamtego okresu wiele historii. Wciąż mamy mnóstwo niewykorzystanych nagrań wideo, nagrań dźwiękowych i pamiątek. Mam wrażenie, że nadal jestem w pewnym sensie w trakcie przejścia po tamtym okresie — zastanawiam się, co zrobić zarówno z nagromadzonymi archiwaliami, jak i z tym swego rodzaju „doświadczeniem terenowym”, które zdobywaliśmy po drodze.
Dla kontekstu: przez około trzy lata sporadycznie koncertowałem z Son du Maquis w Europie Zachodniej, podróżując małą białą ciężarówką, w której znajdował się system nagłośnieniowy. Oferowaliśmy nasze występy, a także możliwość skorzystania z naszego systemu nagłośnieniowego, żeby nagłośnić wydarzenie — małego potwora o mocy 10–12 kW. Łączyło nas pragnienie i wspólna wizja powolnego podróżowania i koncertowania. Wywodząc się ze scen DIY i mając pełną świadomość ich realiów ekonomicznych, staraliśmy się organizować wszystko w sensowny sposób: wybierać logiczne trasy, dzielić się kosztami, ograniczać niepotrzebne wydatki i spędzać tam czas. Uznaliśmy, że nie chcemy być ani turystami, ani DJ-ami grającymi jedną noc, lecz naprawdę nawiązywać więź z miejscami, do których nas zapraszano, i w nich „żyć”. Chociaż przestaliśmy razem koncertować, ten sposób podróżowania wciąż jest ważną częścią moich przemyśleń (teraz robię to głównie pociągami), a także jego, bo nadal jeździ w trasę ciężarówką. Projektowanie trasy jak przemyślanej podróży i planowanie każdego jej etapu to również sposób na ponowne nawiązanie kontaktu z geografią i poczuciem świata. Podróż samolotem często sprawia, że tracimy orientację w przestrzeni i czasie oraz w ich cyklach. Nie twierdzę, że jestem równie oddany unikaniu samolotów jak gigsta, ale wiele myśli łączy mnie z jej wizją podróżowania. Jestem bardzo wdzięczny i szczęśliwy, że ją poznałem i że jej słowa oraz poglądy pobudzają również moje myśli. Czuję, że łączy nas pewnego rodzaju wspólnota, bo zajmujemy się pokrewnymi obszarami i odkrywamy mądrość poprzez praktykę, nawet jeśli nasze ścieżki nie są identyczne. Zarówno te podobieństwa, jak i różnice są wspaniałym źródłem inspiracji. Postrzegam siebie jako osobę nieustannie poszukującą sposobów na życie, zrozumienia związków między życiem a muzyką oraz doświadczeń pobudzających zmysły i wznoszących na wyższy poziom. DJ-owanie w pewnym sensie pozwala mi dążyć do tego wszystkiego naraz.
Z maquis myśleliśmy o stworzeniu fanzinu o tej przygodzie i o tym, czego się nauczyliśmy, ale gdybym miał teraz podzielić się czymś, co podsumowałoby to doświadczenie, powiedziałbym, że było ono uderzająco piękne, a zarazem chwilami strasznie bolesne. Wciąż pamiętam żywe obrazy z drogi. To, jak zachwycały mnie krajobrazy rozciągające się przed nami na południu Włoch. Wczesne wschody słońca podczas biwakowania w szwajcarskich górach. Wchodzenie na pokład w Chorwacji po nocy spędzonej na spaniu na ogromnym promie z Bari. Radość, którą czułem, grając i dzieląc parkiet podczas rave’u na krańcu Bretanii we Francji, w squacie o nazwie Les roches blanches w Douardenez, tak blisko morza i natury. Organizowanie montażu systemu nagłośnieniowego jako okazja do zorganizowania warsztatów wyłącznie dla osób FLINTA na najsłodszym festiwalu Gofildren. Albo niesamowite uczucie regeneracji w łaźni termalnej po demontażu naszego systemu nagłośnieniowego na festiwalu Klein und Harig w Niemczech.
Opowiedz nam o „Le Comité des Fêtes”. Jak to się zaczęło i jak rozwija się dzisiaj?
Le Comité des Fêtes to długa historia, którą chętnie bym opowiedział. Krótko mówiąc, to zarówno kolektyw, jak i cykl imprez odbywających się w magazynie w Tuluzie. Wystrój imprezy i jej nazwa zostały starannie dobrane w nawiązaniu do Tuluzy i samej przestrzeni, która jest też, a przez większość czasu przede wszystkim, wspólnym warsztatem dla innych podmiotów i rzemieślników. W Le Comité jest nas dziesięcioro. Zebraliśmy się dość spontanicznie po pandemii COVID, po okresie eksperymentowania z różnymi formatami, bardziej elastycznymi formami organizacji i bardziej przenikającymi się projektami. W pewnym momencie poczuliśmy potrzebę stworzenia stabilniejszej struktury, pozostając przy tym niehierarchiczni. Chcieliśmy mieć stałą lokalizację i eksperymentować z nowymi i innymi sposobami organizowania imprez oraz świętowania.
Podczas pandemii COVID pojawiło się wiele tematów związanych z bezpieczeństwem i ograniczaniem ryzyka, a także pytania o aktywizm i wzajemne wsparcie społeczności, reprezentację mniejszości na scenie… oraz, bardziej zasadniczo, o miejsce imprezy czy rave’u w czasie i przestrzeni społeczeństwa (czy to utopia? Czy to po prostu ucieczka? Czy pozwala ludziom nawiązywać więzi i wzmacniać relacje? Jak sprawić, by służyło bardziej jednemu celowi niż drugiemu?). Chcieliśmy również poddać refleksji i udoskonalić nasz sposób organizowania wydarzeń. Przestrzeń, którą mieliśmy do dyspozycji, mogła pomieścić 200 osób i była całkowicie plastyczna. Dzięki temu mogliśmy eksperymentować na każdym polu i budować wszystko od podstaw, bez żadnych funduszy, bo początkowo była zupełnie pusta. Po każdym wydarzeniu trzeba było ją ponownie opróżnić i posprzątać, by w ciągu dnia mogli z niej korzystać pracownicy i rzemieślnicy.
Chodziło o zrozumienie każdej warstwy składającej się na istnienie imprezy: od komunikacji wewnętrznej przez scenografię i dźwięk po fizyczne utrzymanie samej przestrzeni oraz związane z nią finanse. Zwłaszcza że czynsz stale rośnie, tak jak wszędzie.
Naprawdę trudno byłoby w pełni opisać, jak ewoluowało „Le Comité”, choć mogę teraz powiedzieć, że ta przygoda była dla nas prawdziwą przestrzenią nauki i praktyki. Każde z nas stopniowo rozwijało tam konkretne umiejętności, a jednocześnie poznawało inne role. Wiele nauczyliśmy się na własnych błędach. W pewnym momencie, jak sądzę, zbyt obsesyjnie zaczęliśmy szukać „idealnej formuły”, a przez to straciliśmy ekscytację, jaką może nieść ze sobą nowy projekt lub pomysł, a co za tym idzie — energię i siłę, jakie grupa może z tego czerpać. Ze strachu przed wyczerpaniem zaczęliśmy się mocno ograniczać i nadszedł okres, w którym wszystko wydawało się powtarzalne, choć, szczerze mówiąc, każde wydarzenie miało w sobie coś wyjątkowego.
Myślę, że wyrwaliśmy się z tego etapu dzięki nagłemu uświadomieniu sobie, że wyczerpanie nie wynikało z samej pracy, lecz z utraty sensu, ciekawości i twórczej chęci. Kiedy wracałem z tras koncertowych z mnóstwem pomysłów i ochotą na eksperymentowanie, poświęcałem w istocie więcej czasu i energii, ale nigdy nie czułem się tak wyczerpany jak w okresach powtarzalności. Teraz prowadzimy rekrutację, bo potrzebujemy nowych wizji, które znów poruszą naszym zamkiem, a ja zwalczam rdzę, skostniałe pomysły i sztywne jak kamień struktury, niczym zło.
Na koniec chcielibyśmy poprosić was o dokończenie zdania: „Pod…”
Pod żadnym pozorem nie będę ślepo i bez zastanowienia przestrzegać zasad.
Media społecznościowe: Instagram / Soundcloud / Bandcamp
