Sesiones nocturnas para los raritos: ¿hay mejor invitación para descubrir la música de Risa Taniguchi? Nacida y criada en Tokio, esta artista es una de las DJ más solicitadas de Japón, conocida por su energía implacable, su sonido refinado y la precisión de sus selecciones. Publica su música en sellos como CLR, Suara, Kneaded Pains o Second State, y cada lanzamiento demuestra la versatilidad de sus habilidades como productora.
La música de Risa oscila entre el trance nocturno, los sonidos mecánicos y el peso emocional, y esculpe la tensión entre todos estos elementos. Y, por si todavía te cuesta un poco dejar que tu rarito interior se exprese, deja que su flamante EP, «Magnetic» te ayude a liberar todo lo que sientes, oyes y piensas.
Risa Taniguchi es la principal fuerza de la escena techno japonesa. Pianista con formación clásica, descubrió el mundo de la música electrónica gracias a sus amigos y se enamoró de los ritmos a primera vista. Debutó en 2018 con «Ambush» —un EP que recibió mucho apoyo de artistas como Amelie Lens, Dense & Pika, Pan Pot, Perc o Daniel Avery— y siguió trabajando en la producción, las mezclas y la ampliación de sus intereses artísticos mucho más allá de pinchar como DJ. El verdadero punto de inflexión llegó con sus lanzamientos en CLR. «Acid Flesh EP» (2022, con Black Asteroid) y «So Loud EP» (2024) se convirtieron en hitos personales y abrieron un capítulo completamente nuevo en su carrera.
Hoy, Risa actúa cada fin de semana por todo el país, es DJ residente en el Ohjo bldg de Tokio y la única residente japonesa en el club Undercity de Seúl. Presenta su propio programa en J-WAVE, una de las principales emisoras de radio nacionales de Japón, y también tuvo la oportunidad de componer música para dos desfiles de ATTACHMENT, una marca de moda japonesa. Además, esta artista polifacética gira con regularidad por Europa y Estados Unidos: su creatividad conecta el espíritu underground de Asia con el resto del mundo y muestra su oficio al público. Dos de sus actuaciones de 2024 —la primera en Rave The Planet y la otra en Ultra Japan— son los mejores ejemplos de cómo domina al público, no deja de sorprenderlo y le ofrece un montón de momentos salvajes en la pista de baile.
Su material más reciente, «Magnetic EP» —publicado el 26 de junio de 2026 en CLR— es el quinto lanzamiento en el sello de Chris Liebing. Solo consta de dos temas, pero en este caso no es la cantidad, sino la calidad, lo que lo define. Además, para Risa el techno es mucho más que ritmo: consiste en capturar la dualidad emocional de la música electrónica, combinando el sonido repetitivo con aspectos emocionales.
Esta interacción sentó las bases de su sonido característico: centrado en la vertiente más oscura del techno, el pulso crudo, una estética incisiva y, sorprendentemente, sus propias muestras vocales. Tanto sus producciones como sus sesiones de DJ me recuerdan la importancia del equilibrio en la música: los momentos de tensión, distorsión y oscuridad chocan y crean una energía poderosa en la pista de baile. Por otro lado, también está el toque emocional: la profundidad, los detalles sutiles o el silencio, que contrastan con la naturaleza salvaje y el ritmo creados.
Cada pista de baile se rige por sus propias dinámicas; cada noche es diferente, y la capacidad de Risa para captar (y dominar) esos movimientos es realmente impresionante. Su música tiene un propósito, claridad y una profunda comprensión. Bajos ácidos, ambiente de techno oscuro y baterías que crean el ritmo básico: perfecto para las sesiones nocturnas y para que los raritos se dejen llevar.
Agata Omelańska: «Magnetic EP» supone tu regreso a CLR, el sello de Chris Liebing; de hecho, es tu quinto lanzamiento allí. ¿Qué sientes al respecto? ¿Y cuál es la historia detrás de estos dos temas tan potentes?
Risa Taniguchi: Cuando publiqué mi primer EP colaborativo con Black Asteroid en CLR, nunca imaginé que acabaría publicando cinco EP en el sello. CLR siempre ha sido uno de mis sellos soñados y sé que mantiene un nivel increíblemente alto en el techno. Llegar a mi quinto lanzamiento allí significa mucho para mí como productora.
Estos dos temas representan distintas facetas de mi música. «Magnetic» es un tema más personal que refleja lo que llevo dentro, mientras que «Masks» se compuso más pensando en los DJ, especialmente en los fans de CLR, como un potente tema de club.
Tienes una sólida formación como pianista y eres muy hábil. ¿Cómo descubriste la música electrónica underground? ¿Y de qué manera influye tu experiencia previa en tu forma de trabajar y en tu enfoque de la producción musical?
Hasta que fui a la universidad, estuve completamente inmersa en la música clásica. Me lo tomaba bastante en serio y, la verdad, apenas sabía que existían las discotecas. Entonces, un día, un amigo de mi trabajo a tiempo parcial me llevó a un club. Oí esos ritmos por primera vez y de verdad sentí que me había estallado la cabeza; sé que suena dramático, pero fue exactamente así.
Me gusta pensar que mi formación clásica sigue influyendo en mi producción actual, aunque
¡el techno no es precisamente conocido por seguir la armonía clásica! (risas)
Más que nada, creo que ha influido en mi manera de seleccionar música como DJ.
Cuando buscas y descubres temas para tus sesiones o pódcast, ¿cómo sabes que la música es buena?
Siempre me atraen los temas que no me hacen pensar: «Ah, esto suena a tal artista, sello o género», en cuanto los escucho. Me encanta la música que no encaja fácilmente en una sola categoría. Pinchar ese tipo de temas es lo que hace que ser DJ me resulte emocionante, y creo que también es lo que hace que mis sesiones parezcan más únicas y personales.
Tokio es tu ciudad natal y ocupa un lugar importante en tu vida. Al mismo tiempo, viajas con regularidad a Europa, Estados Unidos, Reino Unido o Seúl. ¿Qué similitudes y diferencias hay entre la escena local de Japón y las de esos lugares?
Por supuesto, todos los sitios son completamente distintos de Japón, y viceversa. Acabo de volver de una gira por Estados Unidos, y me recordó que el público estadounidense y el europeo también son muy distintos. En Estados Unidos, me pareció que la gente bailaba con algo menos de intensidad, independientemente de la sala en la que pinchara (se ríe). La energía de Europa, sobre todo la de Berlín, siempre me asombra. Da la sensación de que la gente se entrega por completo a la pista de baile.
Sin embargo, hay algo que tienen en común: cuando una sala tiene un buen sistema de sonido, la gente puede perderse de verdad en la música. Creo que, en particular, los clubes japoneses suelen tener sistemas de sonido de muy alta calidad.
¿Cuál es ahora mismo la palabra más manida en la industria de la música electrónica y por qué?
Quizá «auténtico». Oigo mucho esa palabra en la industria de la música electrónica y, por supuesto, la autenticidad es importante. Pero a veces, cuando se usa demasiado, empieza a parecer casi un término de marketing.
Para mí, la autenticidad de verdad no es algo que haya que explicar demasiado. Se oye en la música y se siente en la pista de baile.
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