Intuition, Emotionen und Gefühle zulassen und ohne Druck arbeiten – so beschreibt ANNĒ ihren kreativen Prozess. Dieser Ansatz hat ihr nicht nur zahlreiche hochgelobte Veröffentlichungen eingebracht (unter anderem auf Mutual Rytm, Hardgroove, Soma, Symbolism, BPitch und TECHNO), sondern auch zur Gründung ihres eigenen Labels geführt. Blind Harmonies markiert ein völlig neues Kapitel in ihrer künstlerischen Laufbahn. Doch wenn man bedenkt, wie stimmig, durchdacht und qualitätsorientiert die Vision des Labels ist, dürfen wir uns auf jede Menge wunderschöne, zeitlose Musik freuen.
Kurz vor der dritten Ausgabe des Muse Festivalhatten wir die Gelegenheit, ihr einige Fragen zu stellen. Dieses Interview wird euch musikalisch wie persönlich inspirieren und euch dazu ermutigen, elektronische Musik intuitiv zu erleben.
Agata Omelańska: Hallo, ANNĒ! Schön, dich bei U. zu haben. Fangen wir mit einer einfachen Frage an: Wie bist du zur Musik gekommen? War elektronische Musik von Anfang an deine erste Wahl, oder hast du auch andere Genres erkundet?
ANNĒ: Musik war schon immer ein Teil meines Lebens. Einige meiner frühesten Erinnerungen sind mit ihr verbunden. In vielerlei Hinsicht habe ich mich also nicht für die Musik entschieden – sie war einfach immer da. Als ich älter wurde, wurde diese Verbindung stärker und führte schließlich dazu, dass ich das DJing und die Musikproduktion für mich entdeckte.
Elektronische Musik war nicht meine erste musikalische Erfahrung. Wie die meisten Menschen bin ich mit ganz unterschiedlichen Genres aufgewachsen, und ich glaube, diese Vielfalt hat geprägt, wie ich heute Musik höre und kreiere. Jeder Stil kann einem etwas beibringen – sei es über Rhythmus, Emotion, Melodie oder das Erzählen von Geschichten.
Doch als ich Techno entdeckte, machte es einfach Klick. Mich faszinierte, wie sich durch Wiederholung, Groove und subtile Entwicklung Emotionen erzeugen lassen. Es ging nicht nur um einzelne Tracks, sondern darum, eine Reise zu gestalten und einen Raum zu schaffen, in dem sich die Menschen ganz in der Musik verlieren können.
Von diesem Moment an wusste ich, dass dies die Sprache ist, durch die ich mich ausdrücken möchte. Im Laufe der Jahre hat sich mein Sound weiterentwickelt, doch das Gefühl, das mich ursprünglich zum Techno hingezogen hat, ist unverändert. Es inspiriert mich jedes Mal aufs Neue, wenn ich ins Studio oder hinter die Decks gehe.
Kannst du ein paar deiner Lieblingstracks aus den Anfängen deiner DJ-Karriere nennen oder solche, die dich als Künstlerin am stärksten beeinflusst haben? Hast du sie jemals gespielt?
Das ist eine schwierige Frage, denn es gibt so viele Tracks, die unterschiedliche Etappen meines Weges geprägt haben. Ich glaube nicht, dass es eine einzige entscheidende Platte gab – vielmehr war es eine ganze Reihe von Künstlern und Veröffentlichungen, die nach und nach meine musikalische Identität geformt haben.
Ich könnte einige ikonische Tracks nennen, etwa Subzero von Ben Klock, The Bells von Jeff Mills, Vapour von Slam, Knights of the Jaguar von Rolando und so weiter.
Ich kehre immer noch gern zu älteren Platten zurück und entdecke sie neu. Sie erinnern mich daran, woher meine Inspiration kommt, und halten mich mit den Wurzeln der Musik verbunden, während ich zugleich nach vorn schaue.
Künstler wie Ben Klock,, Marcel Dettmann,, Jeff Mills, Ben Sims, The Advent, James Ruskin,, Planetary Assault Systems, Underground Resistance und weitere haben maßgeblich dazu beigetragen, wie ich Groove im Techno verstehe.
Und nun der Perspektivwechsel: Heute bist du es, die andere inspiriert, mit deiner Musik bei den größten und wichtigsten Labels landet und auf großartigen Festivals und Veranstaltungen spielt … Herzlichen Glückwunsch! Erzähl uns bitte: Wann hast du gemerkt, dass deine Musikkarriere richtig Fahrt aufgenommen hat?
Danke, das bedeutet mir wirklich viel. Ehrlich gesagt glaube ich nicht, dass es einen einzigen Moment gab, in dem ich dachte: „Jetzt habe ich es geschafft.“ Rückblickend sehe ich meine Karriere als eine Reihe kleiner Meilensteine und nicht als einen großen Durchbruch.
Jede Veröffentlichung, jede neue Stadt, jedes Festival und jede Gelegenheit, meine Musik mit mehr Menschen zu teilen, war ein weiterer Schritt nach vorn. Natürlich gab es auch Momente, die mich innehalten und nachdenken ließen: auf Festivals zu spielen, von denen ich früher geträumt hatte, Musik bei Labels zu veröffentlichen, die ich bewunderte, oder zu sehen, wie Künstler, die ich respektiere, meine Tracks spielen. Das sind ganz besondere Momente, denn sie zeigen einem, dass die eigene Arbeit Menschen erreicht.
Gleichzeitig versuche ich aber, sie nicht als Endpunkt zu betrachten. Ich bin immer noch neugierig, motiviert und lernbegierig. Das treibt mich weiter an.
Wenn es eine entscheidende Erkenntnis gab, dann wahrscheinlich die, dass sich die Menschen nicht nur mit einzelnen Tracks identifizierten, sondern auch mit meiner künstlerischen Identität. Wenn das Publikum deinen Sound wiedererkennt und deiner musikalischen Vision vertraut, bedeutet das unglaublich viel. Es zeigt einem, dass man etwas Authentisches geschaffen hat, und ich glaube, das ist viel wertvoller als jede einzelne Errungenschaft.
Letztlich messe ich Erfolg weder an der Größe der Bühne noch am Namen des Labels. Für mich zählt, dass ich immer noch voller Vorfreude aufwache, um Musik zu machen und sie mit anderen zu teilen. Solange dieses Gefühl da ist, weiß ich, dass ich auf dem richtigen Weg bin.
Du hast deine Musik auf Labels wie Mutual Rytm, Hardgroove, Symbolism, Soma, BPitch und TECHNO Records veröffentlicht. Auf welche deiner Platten bist du besonders stolz und warum?
Jede Veröffentlichung steht für ein anderes Kapitel meiner Reise, deshalb fällt es mir sehr schwer, nur eine auszuwählen. Jede Platte spiegelt wider, wo ich zu diesem bestimmten Zeitpunkt kreativ und persönlich stand.
Wenn ich mich aber für eine Veröffentlichung entscheiden müsste, die mir am meisten bedeutet, wäre es wahrscheinlich Metallic Tapes. Nicht nur, weil ich stolz auf die Musik selbst bin, sondern auch, weil sie die erste Veröffentlichung auf Blind Harmonies, meinem brandneuen Label, wurde.
Diese EP steht für jahrelange Erfahrung, Entwicklung und das Selbstvertrauen, etwas zu schaffen, das meine künstlerische Vision vollkommen widerspiegelt. Es ging nicht nur darum, vier Tracks zu veröffentlichen, sondern die Identität des Labels zu definieren und den Ton für alles Folgende zu setzen.
Mehr als alles andere bin ich stolz darauf, dass sich jede Veröffentlichung ehrlich angefühlt hat. Ich wollte nie Musik machen, nur um einem Trend zu entsprechen oder Erwartungen zu erfüllen. Ich möchte, dass jede Platte widerspiegelt, wo ich zu diesem Zeitpunkt kreativ stehe, und ich glaube, dass die Hörerinnen und Hörer das wirklich spüren können.
Hier vollziehe ich wieder einen Wechsel – denn die nächste Frage ist eigentlich Blind Harmonies gewidmet. Wie fühlt es sich an, ein Label zu führen? Und wann hast du beschlossen, dass es an der Zeit ist, deine Vision mit der Welt zu teilen?
Blind Harmonies zu gründen, war einer der bedeutungsvollsten Schritte meiner Karriere. Ich sehe mich nicht wirklich als Labelbetreiber, sondern als jemanden, der die Möglichkeit hat, eine Plattform für Musik zu schaffen, an die ich wirklich glaube.
Die Idee ist über Jahre in mir gewachsen. Im Laufe meines Weges habe ich viel von den Labels gelernt, auf denen ich veröffentlichen durfte, und ich bin für diese Erfahrungen unglaublich dankbar. Mit der Zeit verspürte ich aber das Bedürfnis, etwas aufzubauen, das meine eigene künstlerische Vision uneingeschränkt widerspiegeln kann.
Ich wollte kein Label gründen, nur weil es sich wie der nächste Karriereschritt anfühlte. Ich habe gewartet, bis ich das Gefühl hatte, etwas Bedeutungsvolles zu sagen zu haben. Für mich war der richtige Zeitpunkt wichtig. Ich wollte, dass Blind Harmonies mit einer klaren Identität und einem starken Sinn für seine Aufgabe beginnt, statt einfach nur ein weiterer Kanal für Musikveröffentlichungen zu werden.
Meine Vision ist es, etwas Dauerhaftes aufzubauen. Ich glaube an Qualität statt Quantität und möchte, dass jede Veröffentlichung einen Grund hat, zu existieren. Ich hoffe, dass Blind Harmonies mit der Zeit zu einem Ort wird, dem die Menschen vertrauen – zu einem Label, das für zeitlose Musik, künstlerische Integrität und echte Emotionen steht, statt Trends hinterherzulaufen.
In vielerlei Hinsicht spiegelt Blind Harmonies wider, wer ich heute bin, aber ich hoffe auch, dass es über mich hinauswächst. Ich würde mich freuen, wenn es zu einer Plattform wird, auf der Künstlerinnen und Künstler sich frei ausdrücken können und Hörerinnen und Hörer Musik entdecken, weil sie sie bewegt – nicht wegen großer Namen oder Erwartungen. Wenn das Label auch nur einen kleinen Beitrag dazu leisten kann, den Fokus auf die Musik selbst zu richten, dann werde ich das Gefühl haben, dass es seinen Zweck erfüllt hat.
Das Konzept, auf dem Blind Harmonies aufbaut, inspiriert mich sehr. In dem Moment, als ich anfing, meiner Intuition zu folgen – wirklich, leidenschaftlich, zutiefst und ohne mich dafür zu entschuldigen –, begann sich das Leben natürlicher und leichter anzufühlen als je zuvor. Du betonst, dass „Harmonie etwas ist, das man spürt, bevor man es versteht“, und ich glaube, deine Vision lässt sich nicht nur auf Musik beziehen.
Danke, das ist tatsächlich eine der schönsten Interpretationen von Blind Harmonies, die man sich vorstellen kann.
Obwohl das Label aus der Musik heraus entstanden ist, war die Idee dahinter immer viel umfassender. Für mich geht es bei „Harmonie ist etwas, das man spürt, bevor man es versteht“ nicht nur ums Zuhören, sondern ums Leben.
Viele der wichtigsten Entscheidungen, die wir treffen, sind nicht rein logisch. Manchmal spüren wir, dass etwas richtig ist, bevor wir erklären können, warum. Ob es darum geht, einen Weg einzuschlagen, bestimmten Menschen zu begegnen, Musik zu machen oder einer Intuition zu folgen – oft gibt es ein unsichtbares Gefühl der Übereinstimmung, das dem Verständnis vorausgeht.
Das ist es, wofür Blind Harmonies für mich steht: dieser inneren Verbindung zu vertrauen. In einer Welt, die uns ständig dazu auffordert, zu analysieren, zu vergleichen und nach Bestätigung zu suchen, liegt meiner Meinung nach etwas Kraftvolles darin, sich einfach dem eigenen Empfinden hinzugeben. Musik erinnert uns daran. Sie erreicht uns emotional, bevor sie uns intellektuell erreicht.
Ich hoffe, das Label ermutigt die Menschen, Musik auf dieselbe Weise zu begegnen – mit offenem Geist und frei von Erwartungen oder vorgefassten Meinungen zuzuhören. Wenn diese Idee Menschen aber auch über die Musik hinaus inspiriert, bedeutet mir das umso mehr.
Ich glaube, Harmonie ist nichts, was wir erschaffen; wir entdecken sie, wenn wir ehrlich zu uns selbst sind. Je mehr wir darauf vertrauen, wer wir sind, desto natürlicher fügt sich alles andere.
„Autodidaktisch, intuitiv, geduldig. Keine formelle Ausbildung. Nur Zuhören, Experimentieren und Vertrauen in den Instinkt.“ Was für eine schöne Haltung zur Musikproduktion! Ich frage mich, wie und wo du Musik entdeckst. Und wie sieht dein Arbeitsablauf aus?
Danke. Ich war schon immer davon überzeugt, dass Neugier zu den wertvollsten Eigenschaften gehört, die ein Künstler haben kann.
Ich entdecke Musik auf viele verschiedene Arten. Natürlich verbringe ich viel Zeit damit, Neuerscheinungen zu durchstöbern und anderen Künstlern zuzuhören, aber ich greife auch gern zu älteren Platten. Manchmal höre ich mir Musik von vor Jahren noch einmal an und entdecke etwas völlig anderes darin, weil ich mich als Zuhörer verändert habe. Inspiration kommt nicht immer vom Neuen – oft entsteht sie dadurch, etwas mit frischen Ohren wiederzuentdecken.
Über elektronische Musik hinaus versuche ich, offen für verschiedene Genres, Kulturen und Klänge zu bleiben. Inspiration kann von einem Rhythmus, einer Textur, einer Atmosphäre oder sogar von etwas kommen, das überhaupt nichts mit Musik zu tun hat. Reisen, Gespräche, Architektur, Natur … all diese Erfahrungen beeinflussen, wie ich kreativ arbeite.
Mein Arbeitsprozess ist ziemlich intuitiv. Ich setze mich selten mit einem festen Plan ins Studio. Meistens beginne ich mit einem Groove oder einem Gefühl, das ich erkunden möchte, und lasse den Track sich dann ganz natürlich entwickeln. Manche Ideen nehmen innerhalb weniger Stunden Gestalt an, während andere monatelang unvollendet bleiben, bis der richtige Moment kommt.
Ich halte nichts davon, Kreativität zu erzwingen. Ich habe gelernt, dem Prozess zu vertrauen und zu akzeptieren, dass jeder Track sein eigenes Tempo hat. Manchmal ist es das Beste, eine Weile Abstand zu gewinnen und mit frischen Ohren zurückzukommen.
Für mich geht es bei Musik nicht darum, der Perfektion nachzujagen – es geht darum, ein Gefühl einzufangen. Wenn ich im Studio bei einem Track das Zeitgefühl verliere, weiß ich, dass ich auf dem richtigen Weg bin.
Eine weitere Inspiration ist das Motto: „Schließ die Augen. Der Klang wird ehrlich.“ Dabei denke ich sofort an diese Momente auf dem Dancefloor, wenn man die Augen geschlossen hält und die anderen Sinne mehr Weitblick und Sensibilität gewinnen. Lange bevor du dein Label angekündigt hast, hast du die unveröffentlichten Tracks in vielen Sets gespielt – und die vier Stücke von „Metallic Tapes EP“ haben den Test definitiv bestanden!
Deine Interpretation gefällt mir sehr, denn genau das wollte ich mit dieser Botschaft ausdrücken.
„Schließ die Augen. Der Klang wird ehrlich“ bedeutet, alles auszublenden, was unsere Wahrnehmung beeinflusst. Wenn wir die Augen schließen, hören wir auf, das zu beurteilen, was wir sehen, und achten stattdessen darauf, was wir wirklich fühlen. So sollte man meiner Meinung nach Musik erleben – ohne Erwartungen, ohne Vorurteile, einfach durch Emotionen.
Das ist auch einer der Gründe, warum ich meine Musik so lange teste, bevor ich sie veröffentliche. Der Dancefloor ist der ehrlichste Ort für einen Track. Man kann monatelang im Studio an etwas feilen, aber erst wenn man es vor Publikum spielt, versteht man wirklich, wie es lebt und atmet.
Metallic Tapes ist dafür ein großartiges Beispiel. Diese Tracks waren lange mit mir unterwegs, bevor sie veröffentlicht wurden. Ich habe sie in verschiedenen Ländern, auf verschiedenen Festivals und in Clubs gespielt, und jedes Mal etwas Neues gelernt. Manchmal ging es gar nicht darum, wie die Leute reagierten – sondern darum, wie ich mich Monate später mit den Tracks fühlte. Wenn ich nach all der Zeit immer noch Lust hatte, sie zu spielen, wusste ich, dass sie bereit waren.
Ich glaube nicht daran, Musik zu überstürzen. Jede Platte verdient meiner Meinung nach die Zeit, die sie braucht, um zu reifen. Wenn eine Veröffentlichung erscheint, möchte ich wissen, dass sie sich bereits bewährt hat – nicht nur technisch, sondern auch emotional.
Letztendlich weiß ich: Wenn ein Track mir auch nach Hunderten von Hörgängen noch dasselbe Gefühl gibt und weiterhin echte Momente auf dem Dancefloor schafft, ist er bereit, Teil der Welt zu werden.
Was hast du in nächster Zeit mit Blind Harmonies vor? Du hast erwähnt, dass ab 2027 Demo-Einsendungen möglich sein werden – ich nehme also an, dass du bald neue Musik veröffentlichen wirst. Liege ich da richtig?
Ja, absolut. In der ersten Phase geht es bei Blind Harmonies darum, eine starke Identität aufzubauen. Bevor wir andere Künstler willkommen heißen, möchte ich, dass die Leute verstehen, wofür das Label steht. Deshalb stammen die ersten Veröffentlichungen von mir und von Künstlern, mit deren Musik ich mich verbunden fühle. Sie legen das Fundament und definieren die musikalische Richtung.
Ab 2027 werden wir damit beginnen, Demo-Einsendungen anzunehmen, denn ich möchte, dass Blind Harmonies eine Plattform wird, auf der Künstler entdeckt werden, deren Musik wirklich mit der Philosophie des Labels im Einklang steht. Es geht nicht darum, Trends zu folgen oder möglichst viel Musik zu veröffentlichen. Es geht darum, Künstler mit einer einzigartigen Stimme zu finden und einen Raum zu schaffen, in dem sie sich authentisch ausdrücken können.
Und ja, du wirst definitiv mehr Musik von mir hören. In den vergangenen Jahren habe ich an einer Menge neuem Material gearbeitet und freue mich sehr darauf, es mit anderen zu teilen. Einige dieser Tracks wurden bereits auf Dancefloors rund um die Welt getestet, während andere sich im Studio noch weiterentwickeln.
Mehr als alles andere möchte ich, dass jede Veröffentlichung – ob von mir oder jemand anderem – mit Bedacht entsteht. Ich möchte nicht, dass sich die Leute fragen, wofür Blind Harmonies steht. Wenn sie eine Veröffentlichung hören, sollen sie sofort die Sorgfalt, die Emotion und die Identität dahinter erkennen.
Das ist erst der Anfang. Ich sehe Blind Harmonies nicht als ein Projekt für die nächsten ein oder zwei Jahre, sondern als etwas, das ich über Jahrzehnte hinweg aufbauen möchte. Mein Ziel ist es, einen Katalog zu schaffen, zu dem die Menschen noch Jahre später zurückkehren und in dem sie weiterhin Inspiration finden können. Wenn uns das gelingt, dann denke ich, dass wir etwas wirklich Bedeutungsvolles geschaffen haben.
Du lebst in Thessaloniki. Was ist das Besondere, Ungewöhnliche oder Aufregende an der Stadt (und was sollten wir unbedingt darüber wissen)? Und wie würdest du die lokale elektronische Musikszene beschreiben?
Thessaloniki hat eine ganz besondere Atmosphäre. Die Stadt ist lebendig und voller Charakter, hat aber gleichzeitig einen ruhigeren Rhythmus als viele andere europäische Städte. Hier existieren Geschichte und modernes Leben Seite an Seite, und ich denke, das schafft eine einzigartige Energie.
Am meisten liebe ich die Menschen. Es herrscht ein starkes Gefühl von Wärme und Gastfreundschaft, und das Leben spielt sich ganz natürlich draußen ab – in Cafés, am Meer, in kleinen Bars und öffentlichen Räumen. Diese alltäglichen Momente schaffen ein echtes Gemeinschaftsgefühl, und das schätze ich jedes Mal, wenn ich nach Hause komme. Und natürlich das Essen!
Was die elektronische Musikszene angeht, denke ich, dass es viel Talent und Leidenschaft gibt. Es gibt Künstler:innen und Musikliebhaber:innen, denen die Kultur wirklich am Herzen liegt und die hart daran arbeiten, sie wachsen zu lassen. Wie viele lokale Szenen steht auch sie vor Herausforderungen, aber ich denke, sie hat großes Potenzial. Die Szene ist ziemlich klein, und wir müssen die Infrastruktur noch weiter verbessern! Wir brauchen mehr Veranstaltungsorte und Clubs, um eine größere und gesündere Community aufzubauen!
Am meisten begeistert mich, dass eine neue Generation mit frischen Ideen und echter Liebe zur Musik dazukommt. Ich hoffe, die Szene wächst durch Zusammenarbeit, Offenheit und gegenseitige Unterstützung weiter, denn so entstehen starke Communities.
Egal, wohin mich meine Karriere führt: Thessaloniki wird immer meine Heimat sein. Hier hat alles angefangen, und die Stadt wird immer ein wichtiger Teil dessen sein, wer ich bin – als Mensch und als Künstler.
Und was ist während deiner Tourneen deine Lieblingsstadt, dein Lieblingsclub oder -festival, bei dem du gespielt hast? Gibt es einen Ort, an dem du unbedingt einmal auftreten möchtest, oder hast du dort vielleicht schon gespielt?
Das ist immer eine der schwierigsten Fragen, denn jeder Ort hinterlässt etwas anderes in einem. Ich hatte das Glück, in unglaublichen Clubs und auf Festivals sowie in Städten auf der ganzen Welt aufzutreten, und jeder Ort hat seine eigene Persönlichkeit.
Was mir in Erinnerung bleibt, ist nicht unbedingt der Veranstaltungsort selbst, sondern das Gefühl. Am meisten erinnere ich mich an die Nächte, in denen es eine echte Verbindung zwischen der Musik, dem Publikum und der Atmosphäre gab. Diese Momente lassen sich nicht wiederholen, und genau das macht sie so besonders.
Natürlich gab es einige unvergessliche Meilensteine. Auf Festivals und in Clubs zu spielen, die ich früher aus der Ferne bewundert habe, war unglaublich erfüllend. In solchen Momenten hält man kurz inne und merkt, dass einen jahrelange harte Arbeit an einen Ort gebracht hat, den man sich früher nur vorstellen konnte. Clubs wie Berghain, RSO, Bassiani, Basement, Fuse, Fold und viele, viele mehr
Ich habe immer noch das Gefühl, dass viele Kapitel vor mir liegen. Das ist eines der schönen Dinge an dieser Karriere: Es gibt immer eine weitere Stadt zu entdecken, ein weiteres Publikum, mit dem man in Verbindung treten kann, und eine weitere Geschichte, die man durch Musik erzählen kann. Als Orte, an denen ich wirklich gerne spielen würde, würde ich Open Ground und das Wire Festival nennen!
Wir hoffen, dass dir auch das Muse Festival im Juli gefällt – die Veranstaltung findet im Balzaq Palace in Kawęczyn, Polen, statt, und wir können es kaum erwarten, dich dort zu sehen. Wie fühlst du dich dabei? Der Veranstaltungsort ist für ein Techno-Event sehr ungewöhnlich, aber historische Orte sind tatsächlich der Kern des Festivals!
Danke! Ich freue mich wirklich sehr darauf.
Was mich am Muse Festival am meisten begeistert, ist genau das, was du erwähnt hast: dass es in einem so einzigartigen historischen Ambiente stattfindet. Ich denke, die Umgebung spielt eine große Rolle dabei, wie wir Musik erleben. Jeder Veranstaltungsort hat seine eigene Atmosphäre, und wenn man elektronische Musik mit einem Ort verbindet, der bereits so viel Geschichte und Charakter in sich trägt, entsteht etwas ganz Besonderes.
Ich spiele immer gern an Orten, die ihre eigene Identität haben, denn sie werden Teil der Geschichte des Abends.
Musik hat die wunderbare Fähigkeit, einen Raum zu verwandeln, während der Raum gleichzeitig beeinflusst, wie die Musik wahrgenommen wird. Es ist ein Dialog zwischen beiden.
Ich liebe auch das polnische Publikum. Jedes Mal, wenn ich in Polen gespielt habe, habe ich eine echte Leidenschaft für Musik und eine unglaubliche Offenheit auf der Tanzfläche erlebt. Diese Art von Energie ist für mich als DJ immer inspirierend.
Ich freue mich darauf, den Balzaq Palace zum ersten Mal zu erleben, mit allen dort Musik zu teilen und gemeinsam eine unvergessliche Reise zu gestalten.
Die letzte Frage widmet sich den Musen – und es ist wichtig zu wissen, dass das Wort aus dem Griechischen stammt und Göttinnen der Kunst und Wissenschaft bezeichnet! Was, wer oder welcher Ort, welche Idee oder Tätigkeit ist deine Muse? Wo findest du neben der Musik Inspiration?
Ich liebe diese Verbindung, vor allem, weil die Idee der Musen so tief in der griechischen Kultur verwurzelt ist. Sie standen schon immer für Kreativität, Neugier und das Streben nach etwas, das größer ist als wir selbst, und ich denke, diese Ideen sind auch heute noch sehr relevant.
Inspiration kommt für mich selten aus nur einer einzigen Quelle. Natürlich ist Musik eine ständige Inspirationsquelle, aber einige meiner besten Ideen kommen tatsächlich, wenn ich nicht im Studio bin.
Reisen ist ein wichtiger Punkt. Jede Stadt hat ihren eigenen Rhythmus, ihre eigene Architektur, Kultur und Lebensweise, und allein die Beobachtung dieser Unterschiede kann meine Denk- und Schaffensweise völlig verändern. Inspiration finde ich auch in der Natur, in Kunst, Design und Fotografie – in allem, was Emotionen weckt oder eine andere Perspektive eröffnet.
Aber mehr als alles andere inspirieren mich Menschen. Gespräche, gemeinsame Erlebnisse und die Gefühle, die wir miteinander teilen, bleiben mir oft viel länger im Gedächtnis als jede technische Idee. Diese menschlichen Momente finden ihren Weg in meine Musik, auch wenn das nicht immer offensichtlich ist – aber sie sind da.
Ich denke, man muss für Inspiration offen bleiben. Sie kommt nicht immer dann, wenn man nach ihr sucht. Manchmal taucht sie in einem ruhigen Moment auf, bei einem Spaziergang, beim Beobachten eines Sonnenuntergangs oder in einem Gespräch, das die eigene Sicht auf etwas verändert.
Letztendlich ist meine größte Muse die Neugier.
Solange ich neugierig auf die Welt, auf Menschen und auf mich selbst bleibe, weiß ich, dass ich nie aufhören werde, kreativ zu sein.
Vielen Dank für das Interview und die Inspiration, ANNĒ! Viel Erfolg mit deiner Musik, und möge die gute Energie jeden Tag dein Leben erfüllen!