Late-Night-Sets für die Sonderlinge – gibt es eine bessere Einladung, um Risa Taniguchis Musik zu entdecken? Die in Tokio geborene und aufgewachsene Künstlerin ist eine der gefragtesten DJs Japans und bekannt für ihre unermüdliche Energie, ihren ausgefeilten Sound und ihre präzise Auswahl. Sie veröffentlicht ihre Musik auf Labels wie CLR, Suara, Kneaded Pains oder Second State, und jede einzelne Veröffentlichung zeigt die Vielseitigkeit ihrer Fähigkeiten als Produzentin.
Risas Musik bewegt sich zwischen nächtlichem Trance, mechanischen Klängen und emotionaler Wucht und formt aus all diesen Elementen Spannung. Und falls du dich noch ein wenig scheust, deinen inneren Sonderling zum Ausdruck kommen zu lassen, lass dir von ihrer brandneuen EP – „Magnetic“ – dabei helfen, alles loszulassen, was du fühlst, hörst und denkst.
Risa Taniguchi ist eine treibende Kraft der japanischen Techno-Szene. Als klassisch ausgebildete Pianistin entdeckte sie dank ihrer Freunde die Welt der elektronischen Musik und verliebte sich auf den ersten Blick in die Beats. Ihr Debüt gab sie 2018 mit „Ambush“ – einer EP, die viel Unterstützung von Künstlern wie Amelie Lens, Dense & Pika, Pan Pot, Perc oder Daniel Avery erhielt. Danach arbeitete sie weiter an ihrer Produktion, am Mixen und daran, ihre künstlerischen Interessen weit über das reine DJing hinaus zu erweitern. Der echte Durchbruch kam mit den Veröffentlichungen bei CLR. „Acid Flesh EP“ (2022, mit Black Asteroid) und „So Loud EP“ (2024) wurden zu persönlichen Meilensteinen und eröffneten ein völlig neues Kapitel ihrer Karriere.
Heute tritt Risa jedes Wochenende im ganzen Land auf, ist Resident-DJ im Ohjo bldg in Tokio und die einzige japanische Resident-DJ im Club Undercity in Seoul. Sie moderiert ihre eigene Sendung bei J-WAVE, einem der führenden landesweiten Radiosender Japans, und hatte außerdem die Gelegenheit, Musik für zwei Laufstegshows von ATTACHMENT, einer japanischen Modemarke, zu komponieren. Darüber hinaus tourt die vielseitig talentierte Künstlerin regelmäßig durch Europa und die USA – ihre Kreativität verbindet den Underground-Geist Asiens mit dem Rest der Welt und bringt ihr Können dem Publikum näher. Zwei ihrer Auftritte 2024 – der erste bei Rave The Planet und der andere bei Ultra Japan – sind beste Beispiele dafür, wie sie das Publikum im Griff hat, es immer wieder überrascht und ihm viele wilde Momente auf der Tanzfläche beschert.
Risas jüngstes Material – „Magnetic EP“ – erschien am 26. Juni 2026 bei CLR und ist damit die fünfte Veröffentlichung auf Chris Liebings Label. Sie besteht zwar nur aus zwei Tracks, doch hier kommt es nicht auf die Quantität, sondern auf die Qualität an. Für Risa ist Techno mehr als nur Rhythmus – es geht darum, die emotionale Dualität elektronischer Musik einzufangen und den repetitiven Sound mit emotionalen Aspekten zu verbinden.
Dieses Wechselspiel bildete die Grundlage ihres charakteristischen Sounds: die Konzentration auf die dunklere Seite des Techno, den rohen Puls, die kantige Ästhetik und, überraschenderweise, ihre eigenen Vocal-Samples. Sowohl ihre Produktionen als auch ihre DJ-Sets erinnern mich daran, wie wichtig Balance in der Musik ist – Momente der Spannung, Verzerrung und dunklen Atmosphäre treffen aufeinander und erzeugen kraftvolle Energie auf der Tanzfläche. Zugleich gibt es auch die emotionale Note: Tiefe, subtile Details oder Stille, die der Wildheit und dem Rhythmus, die hier entstanden sind, entgegenwirken.
Jede Tanzfläche hat ihre eigene Dynamik, jede Nacht ist anders, und Risas Fähigkeit, diese Bewegungen aufzugreifen (und zu lenken), ist beeindruckend. Ihre Musik hat einen klaren Zweck und zeugt von einem tiefen Verständnis. Acid-Bass, düstere Techno-Stimmung, Drums, die den Grundrhythmus vorgeben – perfekt für Late-Night-Sets und für alle Sonderlinge, die mit dabei sein wollen.
Agata Omelańska: „Magnetic EP“ ist deine Rückkehr zu Chris Liebings CLR – genauer gesagt deine fünfte Veröffentlichung auf diesem Label. Wie fühlt sich das für dich an? Und was steckt hinter diesen zwei kraftvollen Tracks?
Risa Taniguchi: Als ich meine erste gemeinsame EP mit Black Asteroid bei CLR veröffentlichte, hätte ich mir nie vorstellen können, irgendwann fünf EPs auf dem Label herauszubringen. CLR war schon immer eines meiner Traumlabels, und ich weiß, dass dort ein unglaublich hoher Techno-Standard gilt. Meine fünfte Veröffentlichung dort bedeutet mir als Produzentin sehr viel.
Diese beiden Tracks zeigen unterschiedliche Seiten meiner Musik. „Magnetic“ ist ein persönlicherer Track, der widerspiegelt, was in mir vorgeht, während „Masks“ eher für DJs geschrieben wurde, besonders für CLR-Fans, als kraftvoller Clubtrack.
Du bist eine klassisch ausgebildete und versierte Pianistin. Wie hast du die elektronische Underground-Musik entdeckt? Und wie beeinflussen deine bisherigen Erfahrungen deine Arbeitsweise und deinen Ansatz bei der Musikproduktion?
Bis zu meinem Studium war ich ganz in die klassische Musik vertieft. Ich nahm das ziemlich ernst und wusste ehrlich gesagt kaum, dass es überhaupt Nachtclubs gab. Dann nahm mich eines Tages ein Freund von meinem Nebenjob mit in einen Club. Ich hörte diese Beats zum ersten Mal und es fühlte sich wirklich an, als hätte es mir den Verstand weggeblasen – ich weiß, das klingt dramatisch, aber genau so war es.
Ich würde gern glauben, dass meine klassische Ausbildung meine Produktion bis heute beeinflusst, auch wenn
Techno nicht gerade dafür bekannt ist, sich an klassische Harmonielehre zu halten! (lacht)
Mehr als alles andere hat es meiner Meinung nach meine Musikauswahl als DJ geprägt.
Wenn du für Sets oder Podcasts nach Tracks suchst und neue entdeckst: Woran erkennst du, dass die Musik gut ist?
Mich sprechen immer Tracks an, bei denen ich nicht denke: „Oh, das klingt nach diesem Artist, Label oder Genre“, sobald ich sie höre. Ich liebe Musik, die sich nicht eindeutig einer einzigen Kategorie zuordnen lässt. Solche Tracks zu spielen, macht das DJing für mich spannend, und ich denke, genau das lässt meine Sets auch einzigartiger und persönlicher wirken.
Tokio ist deine Heimatstadt und spielt eine wichtige Rolle in deinem Leben. Gleichzeitig reist du regelmäßig nach Europa, in die USA, nach Großbritannien oder Seoul – welche Gemeinsamkeiten und Unterschiede gibt es zwischen deiner lokalen Szene in Japan und den Szenen im Ausland?
Natürlich ist jeder Ort ganz anders als Japan, und umgekehrt gilt das genauso. Ich bin gerade von einer Tour durch die USA zurückgekommen, und sie hat mich daran erinnert, dass sich auch das Publikum in den USA und Europa sehr unterscheidet. In den USA hatte ich das Gefühl, dass die Leute etwas weniger intensiv tanzten, egal in welchem Club ich spielte (lacht). Die Energie in Europa, besonders in Berlin, verblüfft mich immer wieder. Es fühlt sich an, als würden sich die Leute ganz dem Dancefloor hingeben.
Eine Gemeinsamkeit gibt es allerdings: Wenn ein Club eine großartige Soundanlage hat, können die Leute sich wirklich ganz in der Musik verlieren. Ich finde, besonders japanische Clubs haben oft sehr hochwertige Soundanlagen.
Welches Wort wird in der elektronischen Musikbranche derzeit am häufigsten überstrapaziert – und warum?
Vielleicht „authentisch“. Ich höre dieses Wort in der elektronischen Musikbranche oft, und natürlich ist Authentizität wichtig. Aber manchmal wirkt es, wenn Leute es zu oft verwenden, fast wie ein Marketingbegriff.
Für mich muss man echte Authentizität nicht groß erklären. Man hört sie in der Musik und spürt sie auf dem Dancefloor.
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