No toda la música es lo bastante accesible como para sonar en cualquier sitio, pero no tiene por qué serlo. Tampoco existe un único consejo universal que funcione siempre y te lleve directamente a lo más alto. «El éxito es una valoración del pasado, no una hoja de ruta para el futuro», afirma Lars Huismann, productor y DJ afincado en Berlín y una de las figuras más importantes del techno actual. Sus palabras transmiten un mensaje sencillo, pero muy importante; y, a juzgar por sus lanzamientos en sellos como Soma, Mutual Rytm, Voxnox, Vault Records y Dolly, sin duda merece la pena tenerlo muy presente (y ponerlo en práctica cada día en el estudio).
Hablamos de su último EP, «System Collapse», desde muchos puntos de vista: el del artista, el de la pista de baile, el de los fans y el del juez más exigente de todos, Dax J. Se estrenará el 4 de septiembre en Monnom Black; y, aunque las tendencias de la música electrónica van y vienen, este sello sigue siendo el guardián de la máxima calidad en el techno actual.
Agata Omelańska: ¡Hola, Lars! Me alegro mucho de conocerte. Por supuesto, el tema principal es tu nuevo EP, pero antes de entrar en detalles, empecemos con una pregunta para entrar en calor. ¿Qué tal estás? ¿Dónde has estado últimamente, cómo estás pasando el verano y cuál ha sido hasta ahora tu momento más bonito, entrañable, divertido o memorable?
Lars Huismann: Ahora mismo estoy de gira por Estados Unidos, Canadá y Latinoamérica. Empezó en Florida y luego pasé por Ciudad de México, Montreal, Calgary, Nueva York, Atlanta y Toronto. La termino aquí, en Colombia, con dos actuaciones, en Bogotá y Armenia. La semana que viene vuelo a Malta para el Glitch Festival, donde pincharé a cuatro manos con Dax J, y después vuelvo a casa, a Berlín.
Después me encierro en el estudio. Tras el lanzamiento en Monnom Black, tengo que terminar uno para Mutual Rytm y me esperan algunas otras cosas. También trabajo fuera de la música, en ciencia de datos y análisis web, así que eso también me espera. Seguiré pinchando, pero los próximos meses me centraré en Europa. Es sencillamente más fácil cuando vivo en Berlín y por fin puedo sacar trabajo adelante.
Lo que más se me queda grabado es Latinoamérica. La gente es amable de una forma difícil de explicar, y la energía en la pista de baile es algo que rara vez se ve en Europa.
¿Tienes alguna forma favorita de disfrutar de la música? La pregunta no se limita a tu perspectiva como DJ o productor (¡y también se admiten los llamados «placeres culpables»!).
En privado, escucho muchas cosas que no tienen nada que ver con lo que pincho: house clásico, garage de la vieja escuela y drum & bass de principios de los 2000. No me gustan las versiones modernas de ninguno de esos géneros, ni el tech house ni el DnB actual. Me gusta que suene crudo. Las imperfecciones del sampling de principios de los 2000 tienen una belleza propia; se oyen las limitaciones de las máquinas que usaba la gente, y eso es precisamente lo que disfruto.
Cuando pincho, quiero contar una historia. Elijo los temas para que la sesión vaya creciendo y ganando intensidad con el tiempo y, cuando alcanzo cierto nivel de intensidad, me mantengo ahí. No vuelvo a bajar.
También es así como quiero escucharlo cuando estoy en la pista. No hay nada que me arruine una sesión más rápido que un DJ que alcanza la máxima energía y de repente se pone a pinchar algo profundo.
¿Cómo descubres música, artistas o géneros nuevos? ¿Cómo sabes que la música que escuchas tiene potencial y que acabará convirtiéndose en un nuevo lanzamiento tuyo o en parte de tu sesión, podcast o mezcla?
Sobre todo a través de promos y de amigos que me envían temas inéditos. En el ámbito en el que me muevo hay dos tipos de techno: el groovy y saltarín, y el constante e hipnótico. Prefiero el hipnótico, porque funciona como un tren que te lleva a través de la sesión. Además, suelo pinchar entre 143 y 145 BPM, algo que tampoco es ideal para el material groovy.
También busco temas psicodélicos, con mucha atmósfera y reverberación. Suelen tener baterías más profundas, así que los mezclo con temas más enérgicos que aportan la base. Tampoco me gusta que haya demasiada melodía en una sesión. A veces sí, pero en la pista no suele hacer falta.
Y ahora demos la vuelta a la pregunta anterior: ¿quién descubrió tu potencial como artista de música electrónica? Seguro que tus antecedentes como batería han influido mucho en tu música y en tu estilo, pero me pregunto quién te apoyó en tus comienzos.
Empecé a producir con Cubase y FL Studio alrededor de 2010, y no hubo nadie que me guiara. A la mayoría de mis amigos les interesaban géneros completamente distintos. Por aquel entonces tocaba en un grupo, y llevaba años haciéndolo. Dar conciertos estaba muy bien, pero nunca me gustó salir de club por locales de indie, rock o metal; ver a un DJ pinchar música instrumental en ese contexto no me parecía lógico. Así que empecé a ir pronto a fiestas de techno, a Tresor y Berghain, y de ahí vino la influencia. Salía, prestaba atención y me esforzaba. Era otra época.
La primera persona que realmente me impulsó fue Martin. En 2014 nos sentamos juntos y publicamos un vinilo como MLLH: inspirado en el techno, pero con más influencias del house y el dub. Me adentró de lleno en el dub techno de la vieja escuela, y eso sigue definiendo mi sonido hoy en día.
La batería llegó antes que todo lo demás. Empecé a los once años y toqué en bandas de jazz y metal progresivo durante unos quince años. Esas dos escuelas me enseñaron cosas opuestas. El jazz es fluido y se basa en la improvisación, así que aprendes cómo evoluciona un patrón y cómo crear tensión para después liberarla. El metal progresivo es el extremo opuesto: compases irregulares, velocidad, precisión, ningún margen de error. Ambas cosas están en la base de todo lo que hago ahora.
Lo importante fue aprender qué dejar fuera. El jazz y el metal se basan en el cambio constante y en mucha información. El techno quiere lo contrario.
Tiene que sumir al oyente en un trance, así que el groove debe resultar interesante sin volverse recargado. Ese equilibrio es lo que realmente me llevé de la batería, más que cualquier patrón concreto.
¿Y cómo ha evolucionado tu visión del techno a lo largo de los años? ¿Cómo percibes las «tendencias» de la industria de la música electrónica?
Musicalmente, tuve clara la dirección desde el principio. La estética tardó mucho más en llegar. Solo terminó de definirse con la trilogía “Sounds From The Past”, en la que aposté de lleno por la cinta, el filtrado con hardware externo y el sampling. Desde entonces me he ido adentrando en terrenos más oscuros y duros, sin renunciar a esos cimientos de la vieja escuela.
En cuanto a las tendencias: apenas uso las redes sociales, salvo para publicar, y no las sigo. Van y vienen. Siempre he sido bastante constante a la hora de hacer simplemente lo mío.
Me han dicho más de una vez que mi música no es lo bastante accesible como para ponerla en cualquier sitio. Y es cierto, porque un sonido creado para ser fiel a sí mismo encaja a la perfección en algunas salas y no encaja en absoluto en otras.
Hace mucho que dejé de preocuparme por lo que está de moda o por lo que supuestamente quiere escuchar la gente. Hago lo mío y, de algún modo, funciona.
Hablando de la esencia de tu estilo, es el momento perfecto para centrar la atención en tu próximo EP: «System Collapse» saldrá el 4 de septiembre en Monnom Black, el sello de Dax J. ¿Cuál es el concepto de este EP? ¿Y el hecho de volver a este sello hace que este lanzamiento sea especial?
El primer disco sentó las bases. La conexión en sí viene de antes: Dax había pinchado «Cope», un tema mío publicado en el sello de Steffi, Dolly; nos pusimos en contacto y, un año después, publiqué “Mechanized”.
Sigo Monnom Black desde sus comienzos, y el sello siempre ha tenido un sonido muy singular y, más importante aún, coherencia, algo que no se puede decir de la mayoría de los sellos. Volver ahora, con la confianza ya consolidada, es lo que hace que este lanzamiento sea especial para mí.
“System Collapse” se apoya en los mismos cimientos que “Mechanized”, y el vínculo más claro entre ambos está en la vertiente dub: los dos discos incluyen tres temas con un marcado sonido dub. En el nuevo, «Atonal» es el corte más profundo, mientras que «Grid» y «Anomaly» llevan ese mismo lenguaje hasta el ritmo propio de la hora punta. En torno a ese hilo conductor, el disco se despliega deliberadamente en muchas direcciones. Cada tema tiene su propio carácter y función. «Neon Shadows» es el más destacado para mí. Tiene melodías esperanzadoras, y todo el reto consistía en encontrar el equilibrio: suficiente melodía para sostener el tema, pero no tanta como para que resulte cursi.
Lo decide el diseño sonoro. Para las melodías recurro a la síntesis FM: la FM siempre tiene un núcleo metálico y un toque de desafinación; nunca suena del todo limpia, y esa pequeña imperfección es justo lo que mantiene oscuro un tema melódico en lugar de hacerlo dulce. El oído la reconoce instintivamente, mucho antes que un preset de tabla de ondas pulido que todo el mundo ya conoce. Remco Beekwilder es un buen ejemplo de alguien que utiliza FM en casi todos sus temas, y pegan de lo lindo.
En cuanto a la pregunta sobre el concepto: la gente se imagina que te sientas y diseñas un EP. En realidad, todo es un viaje y una evolución a lo largo del tiempo. Los conceptos surgen para temas sueltos, rara vez para un disco entero; eso resulta más fácil con el techno minimalista o con lanzamientos atmosféricos y experimentales.
Nunca produzco temas exclusivamente para escuchar o como muestra experimental. Todo lo que hago está hecho para la pista de baile.
¿Cuánto tiempo llevas trabajando en «System Collapse»? En cuanto a la producción, ¿qué parte del proceso te gusta más y cuál te parece la más difícil?
Un poco más de un año. Y «Neon Shadows» es, en realidad, un tema bastante antiguo: tendrá 3 o 4 años, quizá. Por fin lo terminé cuando Dax mostró interés. Durante ese tiempo produje muchas versiones del tema, y también de los demás.
Dax es muy exigente y tiene mucha experiencia como oyente para juzgar si algo es realmente único. Eso alargó todo el proceso y supuso mucho trabajo, pero lo agradezco, porque te empuja a sacar lo máximo de tu arte.
Lo que más disfruto es el principio: encontrar ese elemento distintivo en torno al cual se construye todo el tema. Normalmente no son las baterías… es un sonido de sintetizador, una textura, a veces un sample. Una vez que está, todo lo demás cobra dirección y las baterías vienen después. Lo más difícil es el último diez por ciento: decidir que un tema está realmente terminado. Dejo un proyecto aparcado durante meses y luego vuelvo a abrirlo como si fuera un vino, y a menudo esa es la única manera de oír qué le sigue faltando.
Sé que esta pregunta puede ser complicada, pero: si pudieras describir «System Collapse» no desde la perspectiva del artista, sino desde la del oyente o la de quien baila, ¿de qué trata este EP? ¿Cuál es el primer elemento de la música que se percibe, o la emoción que se esconde entre los sonidos?
Lo primero que percibes es luz donde esperabas oscuridad. El disco empieza con «Neon Shadows» y, si le das al play a un EP de Monnom Black llamado «System Collapse», una melodía esperanzadora no es precisamente lo que esperas. Ese contraste es el primer gancho. No hace falta saber cómo está construido: simplemente sientes que varias líneas melódicas se pliegan en un movimiento ascendente, muy de los noventa, con esa sensación oscura del rave y algo esperanzador por encima.
Desde el punto de vista de quien baila, el disco no gira en torno a un momento que estés esperando. No hay un gran drop que señalar —hay un pequeño break, sí—, pero la clave está en dejarse llevar y seguir dentro.
La emoción que se esconde entre los sonidos está en algún lugar entre la tensión y la hipnosis: una presión que nunca llega a liberarse del todo y, por debajo, esa pequeña luz obstinada del tema inicial.
Funciona mejor cuanto más tiempo permaneces en la pista. Si te vas después de veinte minutos, habrás oído unos cuantos temas. Si te quedas, escucharás el disco de verdad.
Tu primer lanzamiento en Monnom Black, «Mechanized EP», recibió grandes elogios y una excelente acogida tanto en la industria como en las pistas de baile. ¿Sentiste que el nuevo lanzamiento tenía que llegar mucho más lejos que el anterior? ¿Ser mejor, más popular, más apreciado por los demás? ¿O no dejas que las expectativas de la gente influyan en tu música ni en tu actitud hacia ella?
La acogida de «Mechanized» me hizo muy feliz. Que un disco se agote y se reedite, que lo pinchen DJs a los que respetas y que desconocidos te escriban para decirte que un tema les marcó la noche: no doy nada de eso por sentado. Agradezco cada una de esas cosas.
Pero la gratitud y la presión son dos cosas distintas, y procuro que una no se convierta en la otra. Simplemente me dejo llevar y veo qué pasa. En cuanto empiezas a producir pensando en las expectativas de los demás, haces un disco peor. Estoy convencido. Empiezas a cuestionar instintos que nunca deberían haberse puesto en duda, limas las asperezas que hicieron que a la gente le importara en primer lugar y acabas persiguiendo una copia de tu propio pasado en vez de seguir lo que ahora te entusiasma. El público lo nota enseguida.
Irónicamente, la forma más segura de decepcionar a quienes adoraron el primer disco es esforzarte demasiado por complacerlos con el segundo.
Así que «Mechanized» funcionó bien y estoy agradecido, pero eso no me dice nada sobre cómo debería sonar el siguiente. El éxito es una respuesta sobre el pasado, no instrucciones para el futuro. Lo que sí puedo controlar es lo que ocurre cuando estoy solo en el estudio: hago lo que quiero oír y lo que siento, con toda la honestidad posible, y me rijo por mi propio criterio. Todo lo que viene después —las listas, las reacciones, las cifras— escapa a mi control. O conecta o no. Los dos discos se hicieron exactamente de la misma manera: sin nadie más en la sala. Es el único método en el que confío y, si «System Collapse» llega a la gente como lo hizo «Mechanized», será gracias a eso.
Y, en realidad, ¿qué te influye como artista? ¿De dónde sacas la inspiración?
La respuesta sincera es que no necesito demasiados estímulos externos. Funciono al revés. Después de una temporada de gira como esta, me encierro en el estudio, cierro la puerta y dejo salir todo lo que se ha ido acumulando; siempre hay más de lo que me da tiempo a hacer.
Creo que eso viene de tocar la batería. Cuando empiezas a los once años y pasas quince tocando en bandas, el ritmo deja de ser algo en lo que piensas y se convierte en algo que funciona permanentemente en segundo plano. Como un proceso que no puedes apagar. Oigo ritmos en todo: un tren sobre las vías, un ventilador suelto, máquinas, pasos en una escalera, los ciclos de la vida cotidiana. No apunto esas cosas. Se quedan en algún rincón y, semanas más tarde, vuelven a salir de mis manos convertidas en un patrón, y normalmente ni siquiera sabría decirte de dónde vienen.
Eso es lo que quiero decir con intuitivo: los estímulos llegan al vivir, no al estudiar. Y las giras me nutren más que cualquier lista de reproducción.
La inspiración nunca ha sido mi cuello de botella. Las ideas son la parte más barata del proceso; tengo más bocetos y loops a medio terminar de los que podría publicar en muchos años. El cuello de botella es la estructura: el flujo de trabajo adecuado, la disciplina para sentarme de verdad a una hora fija y tratarlo como un trabajo, semanas dedicadas a grabar en las que solo creo sonidos, y luego fases en las que solo escribo, seguidas de ese último diez por ciento, tan ingrato, en el que hay que terminar un tema en lugar de empezar otro. Nada de eso tiene nada de romántico, y precisamente de eso se trata. Esperar a que llegue la inspiración es la forma de que los bocetos sigan siendo bocetos. A veces, simplemente tienes que obligarte a entrar en el estudio, y lo curioso es que las ideas siempre aparecen unos diez minutos después de que tú llegues.
¿Cuál de tus temas tuvo éxito y nunca esperaste que lo tuviera?
«Functions», de “Mechanized”, mi primer EP para Monnom Black. Fue el tema más vendido del disco y no me lo esperaba en absoluto.
He dejado esta pregunta para el final a propósito. Termina la frase, por favor: «Un buen DJ se reconoce por…»
…contar una historia en la pista de baile. Hay decenas de DJ técnicamente brillantes, pero lo que te queda después es el set completo: la atmósfera, el recorrido, la experiencia. No un momento aislado.
Muchísimas gracias por la entrevista y por el tiempo que le has dedicado, Lars. ¡Enhorabuena por tu nuevo EP! Ojalá te traiga mucha alegría, éxito y realización personal.