Nicht jede Musik ist zugänglich genug, um überall gespielt zu werden – aber das muss sie auch nicht sein. Ebenso gibt es keinen einzelnen, universellen Ratschlag, der immer funktioniert und einen direkt an die Spitze bringt. „Erfolg ist Feedback über die Vergangenheit, keine Anleitung für die Zukunft“, sagt Lars Huismann, ein in Berlin lebender Produzent und DJ und eine der wichtigsten Figuren des heutigen Techno. Seine Worte vermitteln eine einfache, aber sehr wichtige Botschaft – und wenn man sich seine Veröffentlichungen auf Labels wie Soma, Mutual Rytm, Voxnox, Vault Records und Dolly ansieht, lohnt es sich definitiv, sie zu beherzigen (und im Studioalltag umzusetzen).
Wir haben Lars’ neueste EP „System Collapse“ aus vielen Perspektiven besprochen: aus der des Künstlers, des Dancefloors, der Fans und des anspruchsvollsten Kritikers von allen, Dax J. Die Premiere ist für den 4. September auf Monnom Black angesetzt – und während Trends in der elektronischen Musik kommen und gehen, bleibt dieses Label der Garant für höchste Qualität im heutigen Techno.
Agata Omelańska: Hallo Lars, ich freue mich sehr, dich kennenzulernen! Unser Hauptthema ist natürlich deine neue EP – aber bevor wir ins Detail gehen, fangen wir mit einer kleinen Aufwärmfrage an. Wie geht es dir? Wo warst du in letzter Zeit, wie verbringst du die Sommersaison und was war bisher dein schönster, herzerwärmendster, lustigster oder denkwürdigster Moment?
Lars Huismann: Ich bin gerade mitten auf einer Tour durch die USA, Kanada und Lateinamerika. Los ging es in Florida, dann folgten Mexiko-Stadt, Montreal, Calgary, New York, Atlanta und Toronto. Hier in Kolumbien beende ich die Tour mit zwei Shows, in Bogotá und Armenia. Nächste Woche fliege ich zum Glitch Festival nach Malta, wo ich ein Back-to-back-Set mit Dax J spiele, und danach geht es nach Hause, nach Berlin.
Dann schließe ich mich im Studio ein. Nach der Veröffentlichung auf Monnom Black muss noch eine Veröffentlichung für Mutual Rytm fertiggestellt werden, und ein paar andere Dinge warten ebenfalls. Außerdem arbeite ich außerhalb der Musik in den Bereichen Data Science und Webanalyse, da wartet also auch Arbeit. Ich werde weiterhin spielen, aber in den nächsten Monaten liegt der Schwerpunkt auf Europa. Wenn ich in Berlin lebe und endlich etwas Arbeit erledigen kann, ist das einfach leichter.
Am meisten bleibt mir Lateinamerika in Erinnerung. Die Menschen sind auf eine schwer zu beschreibende Weise freundlich, und die Energie auf dem Dancefloor erlebt man in Europa nur selten.
Hast du eine bevorzugte Art, Musik zu erleben? Die Frage beschränkt sich nicht nur auf deine Perspektive als DJ oder Produzent – und sogenannte „Guilty Pleasures“ sind ebenfalls erlaubt!
Privat höre ich vieles, das nichts mit der Musik zu tun hat, die ich auflege: Classic House, Old-School-Garage, Drum & Bass aus den frühen 2000ern. Von modernen Versionen dieser Genres, Tech House oder modernem DnB, bin ich kein Fan. Ich mag es dreckig. Die Unvollkommenheiten des Samplings der frühen 2000er haben ihre eigene Schönheit, und man hört die Grenzen der Maschinen, mit denen die Leute damals gearbeitet haben. Genau das gefällt mir daran.
Wenn ich auflege, möchte ich eine Geschichte erzählen. Ich wähle die Tracks so aus, dass sich das Set nach und nach aufbaut und immer intensiver wird. Sobald ich eine bestimmte Intensität erreicht habe, bleibe ich dort. Ich fahre nicht wieder runter.
So möchte ich es auch als Zuhörer auf dem Dancefloor erleben. Für mich gibt es nichts, was ein Set schneller abwürgt als ein DJ, der den Energiehöhepunkt erreicht und dann plötzlich in die Tiefe geht.
Wie entdeckst du neue Musik, Künstler oder Genres? Woran erkennst du, dass die Musik, die du hörst, Potenzial hat und zu deiner nächsten Veröffentlichung oder zu einem Teil deines Sets, Podcasts oder Mixes wird?
Meistens durch Promos und durch Freunde, die mir unveröffentlichte Tracks schicken. In der Szene, in der ich mich bewege, gibt es zwei Arten von Techno: den groovigen, federnden und den rollenden, hypnotischen. Ich bevorzuge den hypnotischen, weil er wie ein Zug funktioniert, der einen durch das Set zieht. Außerdem spiele ich meistens mit etwa 143–145 BPM, was für grooviges Material ohnehin nicht ideal ist.
Ich suche auch nach trippigen Tracks mit viel Atmosphäre und Hall. Bei denen sind die Drums meist eher zurückhaltend, deshalb kombiniere ich sie mit energiegeladeneren Tracks, die das Fundament bilden. Und ich bin kein großer Fan davon, zu viel Melodie in ein Set zu packen. Manchmal schon. Aber auf dem Dancefloor ist das meistens nicht nötig.
Und jetzt drehen wir die vorherige Frage um: Wer hat dein Potenzial als Künstler elektronischer Musik entdeckt? Dein Hintergrund als Schlagzeuger hat sicherlich eine wichtige Rolle in deiner Musik gespielt und deinen Stil beeinflusst, aber ich frage mich, wer dich in deinen Anfängen unterstützt hat.
Um 2010 fing ich mit Cubase und FL Studio an zu produzieren, und es gab niemanden, der mich angeleitet hätte. Die meisten meiner Freunde standen auf völlig andere Genres. Damals spielte ich in einer Band, und das schon seit einigen Jahren. Konzerte zu spielen war großartig, aber ich mochte es nie, in Indie-, Rock- oder Metalclubs feiern zu gehen. Einen DJ in diesem Kontext Instrumentalmusik spielen zu sehen, ergab für mich einfach keinen Sinn. Also fing ich früh an, auf Techno-Partys zu gehen, ins Tresor und ins Berghain, und von dort kam der Einfluss. Ich ging aus, hörte genau hin und arbeitete daran. Es war eine andere Zeit.
Die erste Person, die mich wirklich vorangebracht hat, war Martin. 2014 setzten wir uns zusammen und veröffentlichten als MLLH eine Vinylplatte – von Techno inspiriert, aber stärker von House und Dub geprägt. Er brachte mich tief in die Welt des Old-School-Dub-Techno, und das prägt meinen Sound bis heute.
Das Schlagzeug kam vor allem anderen. Ich fing mit elf an und spielte rund fünfzehn Jahre lang in Jazz- und Progressive-Metal-Bands. Diese beiden Schulen lehrten mich Gegensätzliches. Jazz ist fließend und beruht auf Improvisation, daher lernt man, wie sich ein Muster entwickelt und wie man Spannung aufbaut und dann wieder löst. Progressive Metal ist das andere Extrem: ungewöhnliche Taktarten, hohes Tempo, Präzision, kein Raum für Fehler. Beides liegt allem zugrunde, was ich heute mache.
Wichtig war, zu lernen, was man weglassen sollte. Im Jazz und Metal geht es um ständige Veränderung und viele Informationen. Techno will das Gegenteil.
Er muss die Zuhörer in Trance versetzen, also muss der Groove interessant bleiben, ohne jemals überladen zu wirken. Dieses Gleichgewicht habe ich wirklich vom Schlagzeugspielen mitgenommen, mehr als irgendein bestimmtes Muster.
Und wie hat sich deine Vorstellung von Techno im Laufe der Jahre entwickelt? Wie nimmst du „Trends“ in der elektronischen Musikindustrie wahr?
Musikalisch war mir die Richtung schon früh klar. Die Ästhetik brauchte deutlich länger. Richtig zusammen kam das erst mit der Trilogie „Sounds From The Past“, bei der ich voll auf Band, externe Hardware-Filterung und Sampling setzte. Seitdem bewege ich mich in dunklere und härtere Gefilde, ohne dieses Old-School-Fundament aufzugeben.
Was Trends angeht: Abgesehen vom Posten bin ich selten in den sozialen Medien unterwegs und folge ihnen nicht. Sie kommen und gehen. Ich bin ziemlich konsequent dabei geblieben, einfach mein eigenes Ding zu machen.
Mir wurde mehr als einmal gesagt, meine Musik sei nicht zugänglich genug, um sie überall zu spielen. Das stimmt, denn ein Sound, der ganz er selbst sein soll, passt in manche Räume perfekt und in andere überhaupt nicht.
Schon vor langer Zeit habe ich aufgehört, mich darum zu kümmern, was gerade angesagt ist oder was die Leute angeblich hören wollen. Ich mache mein Ding, und irgendwie funktioniert es.
Apropos Kern deines Stils: Es ist der perfekte Zeitpunkt, den Blick auf deine kommende EP zu richten – „System Collapse“ erscheint am 4. September bei Dax Js Label Monnom Black. Was war das Konzept für diese EP? Und macht die Rückkehr zu diesem Label die Veröffentlichung für dich besonders?
Die erste Platte legte das Fundament. Die Verbindung reicht aber noch weiter zurück: Dax hatte „Cope“ gespielt, einen Track von mir auf Steffis Label Dolly – wir kamen in Kontakt, und ein Jahr später veröffentlichte ich „Mechanized“.
Ich verfolge Monnom Black seit den Anfängen, und das Label hatte immer einen sehr eigenen Sound und, noch wichtiger, eine Beständigkeit, die man über die meisten Labels nicht sagen kann. Jetzt zurückzukehren, mit dem bereits aufgebauten Vertrauen, macht diese Veröffentlichung für mich besonders.
„System Collapse“ baut auf demselben Fundament wie „Mechanized“ auf, und die deutlichste Verbindung zwischen den beiden verläuft über die Dub-Seite: Beide Platten enthalten drei stark von Dub geprägte Tracks. Auf der neuen Platte ist „Atonal“ der tiefere Track, während „Grid“ und „Anomaly“ dieselbe Klangsprache bis zum vollen Peak-Time-Tempo treiben. Um diesen roten Faden herum ist die Platte bewusst breit angelegt. Jeder Track hat seinen eigenen Charakter und seine eigene Aufgabe. „Neon Shadows“ ist für mich der herausragende Track. Er hat erhebende Melodien, und die ganze Herausforderung bestand darin, die Balance zu finden: genug Melodie, um den Track zu tragen, aber nicht so viel, dass er kitschig wird.
Entscheidend ist das Sounddesign. Für Melodien greife ich auf FM-Synthese zurück: FM hat immer einen metallischen Kern und einen Hauch Verstimmung – sie klingt nie völlig sauber, und genau diese kleine Unstimmigkeit sorgt dafür, dass ein melodischer Track dunkel statt süß klingt. Das Ohr springt instinktiv darauf an, viel schneller als auf einen ausgefeilten Wavetable-Patch, den jeder schon kennt. Remco Beekwilder ist ein gutes Beispiel für jemanden, der fast in jedem Track FM einsetzt, und die knallen richtig.
Zur Frage nach dem Konzept: Die Leute stellen sich vor, man setzt sich hin und konzipiert eine EP. In Wirklichkeit ist das Ganze eine Reise und eine Entwicklung über die Zeit. Konzepte entstehen bei einzelnen Tracks, selten bei einer ganzen Platte – das ist bei Minimal Techno oder atmosphärischen, experimentellen Veröffentlichungen einfacher.
Ich produziere niemals Tracks ausschließlich zum Zuhören oder als experimentelles Schaufenster. Alles, was ich mache, ist für den Dancefloor gedacht.
Wie lange hast du an „System Collapse“ gearbeitet? Welchen Teil des Produktionsprozesses magst du am liebsten, und welchen findest du am schwierigsten?
Etwas mehr als ein Jahr. Und „Neon Shadows“ ist tatsächlich ein ziemlich alter Track – vielleicht drei bis vier Jahre. Ich habe ihn schließlich fertiggestellt, als Dax Interesse zeigte. In der Zeit habe ich viele Versionen davon produziert, und auch von den anderen Tracks.
Dax ist sehr wählerisch und hat als Zuhörer viel Erfahrung damit, zu erkennen, ob etwas wirklich einzigartig ist. Dadurch zog sich der ganze Prozess hin und war mit viel Arbeit verbunden, aber ich weiß das zu schätzen, denn es treibt einen an, das Beste aus der Kunst herauszuholen.
Am meisten Freude macht mir der Anfang: das eine prägende Element zu finden, um das herum der ganze Track aufgebaut ist. Meistens sind es nicht die Drums … sondern ein Synthesizerklang, eine Textur, manchmal ein Sample. Sobald das steht, ist die Richtung für alles andere klar, und die Drums folgen. Am schwierigsten sind die letzten zehn Prozent: zu entscheiden, dass ein Track tatsächlich fertig ist. Ich lasse ein Projekt manchmal monatelang liegen und öffne es dann wieder wie eine Flasche Wein. Oft ist das die einzige Möglichkeit zu hören, was noch fehlt.
Ich weiß, das ist vielleicht eine knifflige Frage, aber: Wenn du „System Collapse“ nicht aus der Perspektive des Künstlers, sondern aus der des Zuhörers oder Tänzers beschreiben könntest – worum geht es auf dieser EP? Was ist das allererste Element der Musik, das man wahrnimmt, oder die Emotion, die zwischen den Klängen verborgen liegt?
Als Erstes fällt einem Licht auf, wo man Dunkelheit erwartet hat. Die Platte beginnt mit „Neon Shadows“, und wenn man bei einer Monnom-Black-EP namens „System Collapse“ auf Play drückt, rechnet man nicht mit einer hoffnungsvollen Melodie. Dieser Kontrast ist der erste Aufhänger. Man muss nicht wissen, wie das Ganze aufgebaut ist; man spürt einfach, wie sich mehrere Melodielinien zu einer aufsteigenden Bewegung zusammenfügen, ziemlich 90er, dieses düstere Rave-Gefühl, über dem etwas Aufhellendes liegt.
Aus der Perspektive eines Tänzers geht es auf der Platte nicht um einen bestimmten Moment, auf den man wartet. Es gibt keinen großen Drop, auf den man zeigen könnte – eine kleine Pause gibt es schon –, aber darum geht es nicht. Es geht darum, sich mitziehen zu lassen und dabei zu bleiben.
Die Emotion, die zwischen den Klängen verborgen liegt, bewegt sich irgendwo zwischen Spannung und Hypnose: ein Druck, der sich nie ganz löst, und darunter dieses kleine, hartnäckige Licht aus dem Eröffnungstrack.
Je länger man auf der Tanzfläche bleibt, desto besser funktioniert die Platte. Geht man nach zwanzig Minuten, hat man ein paar Tracks gehört. Bleibt man, bekommt man die Platte als Ganzes.
Deine Debütveröffentlichung bei Monnom Black, die „Mechanized EP“, wurde sowohl in der Branche als auch auf den Tanzflächen sehr gelobt und gefeiert. Hattest du das Gefühl, dass die neue Veröffentlichung viel mehr erreichen musste als die vorherige? Besser, populärer und von anderen mehr geschätzt werden musste? Oder lässt du nicht zu, dass die Erwartungen anderer deine Musik und deine Einstellung dazu beeinflussen?
Wie „Mechanized“ aufgenommen wurde, hat mich sehr glücklich gemacht. Wenn eine Platte ausverkauft ist und neu aufgelegt wird, wenn DJs, die man respektiert, sie spielen und Fremde einem schreiben, dass ein Track ihren Abend getragen hat – das nehme ich nicht als selbstverständlich hin. Für all das bin ich dankbar.
Aber Dankbarkeit und Druck sind zwei verschiedene Dinge, und ich versuche, nicht zuzulassen, dass das eine ins andere umschlägt. Ich lasse die Dinge einfach auf mich zukommen und schaue, was passiert. Sobald man anfängt, gegen die Erwartungen anderer zu produzieren, macht man eine schlechtere Platte. Davon bin ich überzeugt. Man beginnt, Instinkte infrage zu stellen, die man nie hätte anzweifeln sollen, schleift die Ecken und Kanten ab, die den Leuten ursprünglich wichtig waren, und jagt am Ende einer Kopie der eigenen Vergangenheit hinterher, statt dem zu folgen, was einen jetzt begeistert. Das Publikum merkt das sofort.
Ironischerweise enttäuscht man die Leute, denen die erste Platte gefallen hat, am sichersten, wenn man sich bei der zweiten zu sehr bemüht, ihnen zu gefallen.
„Mechanized“ war also erfolgreich, und dafür bin ich dankbar, aber es sagt mir nichts darüber, wie die nächste Platte klingen sollte. Erfolg ist eine Rückmeldung zur Vergangenheit, keine Anleitung für die Zukunft. Was ich kontrollieren kann, ist das, was allein im Studio passiert: Ich mache das, was ich hören möchte und was ich fühle, so ehrlich wie möglich, und lege dabei meinen eigenen Maßstab an. Alles, was danach kommt – die Charts, die Reaktionen, die Zahlen –, liegt nicht in meiner Hand. Entweder erreicht es die Leute oder nicht. Beide Platten sind auf genau dieselbe Weise entstanden: ohne jemand anderen im Raum. Das ist die einzige Methode, der ich vertraue. Und wenn „System Collapse“ die Leute so erreicht wie „Mechanized“, dann wird es daran liegen.
Und was beeinflusst dich eigentlich als Künstler? Woher schöpfst du deine Inspiration?
Die ehrliche Antwort lautet: Ich brauche nicht viele äußere Einflüsse. Bei mir läuft es genau umgekehrt. Nach einer Tourphase wie dieser schließe ich mich im Studio ein, mache die Tür zu und lasse heraus, was sich angesammelt hat – und es wartet immer mehr, als ich Zeit dafür habe.
Ich glaube, das kommt vom Schlagzeugspielen. Wenn man mit elf anfängt und fünfzehn Jahre lang in Bands spielt, hört Rhythmus auf, etwas zu sein, worüber man nachdenkt, und läuft dauerhaft im Hintergrund mit. Wie ein Prozess, den man nicht abschalten kann. Ich höre überall Grooves: einen Zug auf den Schienen, einen lockeren Ventilator, Maschinen, Schritte im Treppenhaus, die Schleifen des Alltags. Ich schreibe mir solche Dinge nicht auf. Sie sinken irgendwo in mir ein und kommen Wochen später als Muster wieder aus meinen Händen. Meistens kann ich nicht einmal sagen, woher es stammt.
Das meine ich mit intuitiv: Der Input kommt vom Leben, nicht vom Studieren. Und Touren nährt das mehr als jede Playlist es könnte.
Inspiration war für mich noch nie der Engpass. Ideen sind der günstigste Teil des Prozesses; ich habe mehr Skizzen und halbfertige Loops, als ich in vielen Jahren veröffentlichen könnte. Der Engpass ist die Struktur. Der richtige Arbeitsablauf, die Disziplin, sich tatsächlich zu einer festen Zeit hinzusetzen und das Ganze wie Arbeit zu behandeln, fest eingeplante Aufnahmephasen, in denen ich nur Sounds baue, dann Phasen, in denen ich nur schreibe, und schließlich die hässlichen letzten zehn Prozent, in denen ein Track fertiggestellt werden muss, statt einen neuen anzufangen. Nichts davon ist romantisch, und genau darum geht es. Auf die Muse zu warten, ist der Grund, warum Skizzen Skizzen bleiben. Manchmal muss man sich einfach ins Studio zwingen, und das Seltsame ist: Die Ideen tauchen immer etwa zehn Minuten nach einem selbst auf.
Welcher deiner Tracks wurde erfolgreich, obwohl du das nie erwartet hättest?
„Functions“ von „Mechanized“, meiner ersten EP auf Monnom Black. Es war der meistverkaufte Track der Platte, und damit hatte ich überhaupt nicht gerechnet.
Diese Frage habe ich mir bewusst bis zum Schluss aufgehoben. Bitte vervollständige den Satz: „Einen guten DJ erkennt man daran, dass …“
… er auf dem Dancefloor eine Geschichte erzählt. Es gibt Dutzende technisch brillante DJs, aber was einem danach in Erinnerung bleibt, ist das gesamte Set: die Atmosphäre, der Spannungsbogen, das Erlebnis. Nicht der einzelne Moment.
Vielen Dank für das Interview und deine Zeit, Lars. Herzlichen Glückwunsch zu deiner neuen EP – möge sie dir viel Freude, Erfolg und Selbstverwirklichung bringen!