Seit einiger Zeit mangelt es dem polnischen Musikmarkt an Künstlern, die bei ihren Konzerten kompromisslose elektronische Musik spielen würden. Von diesem großen Pool an Künstlern elektronischer Musik, die vor einem Jahrzehnt den Markt überschwemmten, sind nur noch sehr wenige aktiv, darunter: Rysy, Baasch und Ina West. Und Ina war es, die mir kürzlich von ihren Erfahrungen, ihrem Arbeitsstil und ihrer Öffnung gegenüber anderen Menschen erzählte. Ich lade Sie ein, dies zu lesen.
Während Ihres Konzerts beim Instytut-Festival fiel mir ein, dass es immer noch polnische Künstler gibt, die elektronische Musik spielen. Viele von ihnen sind in den letzten Jahren auseinandergebrochen.
Ja, das stimmt. Es ist schwierig, einfach elektronisches Material, das man live mit einer Band spielt, aufzuführen und es als organisches Konzert zu behandeln. Das ist nicht nur anspruchsvoll für den Künstler, der das elektronische Material neu arrangieren und eine Reihe von Proben durchführen muss, sondern auch kostspielig für den Veranstalter. Für mich ist ein Konzert eine Geschichte, in die ich gerne meine musikalischen Freunde einbeziehe. In den letzten zwei Jahren bin ich auch solo aufgetreten, aber selbst dann bereite ich eine Aufführung vor, bei der ich mich voll und ganz engagieren kann, mit meiner Stimme, Synthesizern oder Bassgitarre. Ich habe mich kürzlich gefragt, was ich in den nächsten 10-15 Jahren beruflich machen möchte. Ich kam zu dem Schluss, dass das Wichtigste sein würde, regelmäßig zu spielen und zu trainieren und privat eine Familie zu haben. Die meiste Zeit meines Lebens habe ich jeden Tag Klavierspielen geübt und es ist etwas, das mir sehr nahe steht, spirituell und beruhigend. Die Musikproduktion kam erst später zu mir und wurde durch die Erweiterung meiner Ausdrucksmöglichkeiten als Musiker inspiriert. Ich habe den Eindruck, dass für die meisten Produzenten elektronischer Musik die Produktion an erster Stelle stand und mit der Zeit ein Interesse am Spielen des Instruments entstand.
Vor unserem Gespräch habe ich über Ihre Ausbildung gelesen und muss zugeben, dass Musik Ihr Leben von klein auf dominiert hat. Ich bin froh, dass Sie sich mehr der Popmusik zugewandt haben.
Ich bin von meiner Ausbildung her klassischer Musiker und mein Interesse an Popmusik ist das Ergebnis der Suche nach etwas Freiheit beim Komponieren und Auftreten. Meine Erfahrung zeigt, dass die Musikausbildung in Polen große Veränderungen erfordert. Das aktuelle Modell ist sehr einschränkend, unterdrückend und ausgrenzend. Als junger Mensch habe ich in diesem Bereich oft Gewalt erlebt. Kommentare wie „Ihre Finger sind zu klein, das wird nicht funktionieren“ waren an der Tagesordnung. Ich hatte auch eine kurze Episode mit einer Lehrerin, die sehr unterdrückende Methoden anwandte und versuchte, mir die Finger mit dem Klavierdeckel einzuklemmen. Glücklicherweise hat sie mir nie einen Finger gebrochen und am Ende war sie diejenige, die mich aus dem Unterricht nahm. Ich kam weinend zu ihrem Unterricht und verließ ihn auch weinend. Sie dachte, ich sei mental nicht stark genug, um Musiker zu werden.
Ich bin froh, dass diese Geschichte gut ausging. Wenn ich jedoch mit Leuten spreche, die die Musikschule abgeschlossen haben, höre ich oft, dass sie dadurch von der Musik abgeschreckt wurden, anstatt ihre Leidenschaft dafür zu entwickeln.
Ja, obwohl ich später das große Glück hatte, neue Lehrer zu haben. Zum Beispiel Tatiana, die ohne Sprachkenntnisse nach Polen kam. Wir mussten nonverbal kommunizieren, was eine sehr anspruchsvolle, aber auch intime Erfahrung war. Ich spürte ihre Beteiligung am meisten, wenn wir zusammen musizierten – zwei Klaviere nebeneinander. Sie und das kleine Ich, das sich dem Gefühl öffnete. Leider konzentrieren sich Musikschulen immer noch auf die Ausbildung von Solisten, aber es gibt viele andere Wege und Möglichkeiten. Tatiana bemerkte auch meine Faszination für Tanz und Bewegung, also schickte sie mich zu einem späteren Zeitpunkt zu einem Eurythmiekurs.
Es war eine wunderbare und belebende Erfahrung für mich, ich weckte dort meinen Körper und bekam einen sicheren Raum, in dem ich Musik mit Bewegung malen konnte. Darüber hinaus erweiterte Tatiana mein Bewusstsein, indem sie mich mit Film- und Jazzmusik inspirierte. Bei meinen Klavierabschlussprüfungen habe ich immer ein Stück gespielt, das weit vom klassischen Kanon und dem Prinzip der reproduzierbaren Korrektheit abwich.
Was war das für eine Phase Ihrer musikalischen Ausbildung?
Es war die Musikschule. Fryderyk Chopin in Olsztyn. Ich war damals noch keine 11 Jahre alt.
Und hatten Sie vor diesem Klavierunterricht eine Leidenschaft für Musik? Wie begann Ihr Abenteuer?
Mein Großvater hatte ein verstimmtes Klavier, auf dem niemand spielte, und irgendwie fühlte ich mich immer davon angezogen. Mein Vater spielt Schlagzeug und seine ganze Familie ist sehr musikalisch. In den 1980er Jahren gründeten sie eine Familienhochzeitsband und die Einnahmen aus den Partyauftritten machten einen großen Teil des Haushaltsbudgets aus. Woran ich mich sehr gut erinnere, ist, dass mein Großvater ein Repertoire an Kriegsliedern auf der Mandoline spielte.
Haben deine Eltern oder Großeltern versucht, dir diese Liebe zur Musik zu vermitteln?
Das geschah von selbst. Ich bin in diesen musikalischen Raum eingetaucht. Ich habe den Weg zur Musikschule eingeschlagen und mein Großvater hat mich zur Aufnahmeprüfung begleitet. Ich war damals 7 Jahre alt. Ich erinnere mich, dass sie mich für die Geigenklasse qualifizierten, was mich sehr wütend machte und ich protestierte, bis sie mich auf die Klavierliste setzten.
Dann gab es die Musikschule in Olsztyn, aber dann gab es Studiengänge, die sich auch um Musik drehten.
Ja, am Anfang habe ich fünf Jahre polnische Philologie studiert und nach dem Urlaub des Dekans das Musikwissenschaftsstudium beendet.
Letztendlich bist du aber nicht als Sessionmusiker gelandet, sondern hast angefangen, elektronische Musik zu kreieren und zu spielen. Ein ziemlich ungewöhnlicher Weg.
Ich fühle mich aber auch als Sessionmusiker sehr wohl und war oft dort – mit Julia Marcell oder in der Band Tyma Mesa. Ich spiele nicht immer gerne die erste Geige. Ich habe angefangen, mich für Elektronik zu interessieren, als ich zum ersten Mal das Album „Kid A“ von Radiohead gehört habe. Ich erinnere mich, dass ich herausfinden wollte, wie man solche Sounds erzeugt. Bald wird es auch in diesem Genre meine neuen Sachen geben. Ich möchte noch nicht alles verraten, aber ich bin definitiv in einem fortgeschrittenen Stadium der Rückkehr zu meinen Wurzeln und organischer Musik.
Inwieweit hilft dir die Musiktheorie beim Schaffen? Ertappen Sie sich manchmal dabei, etablierten Mustern zu folgen oder brechen Sie komplett von ihnen ab?
Wenn Sie ein so technisches Niveau des Spielens des Instruments erreichen, dass Ihnen manche Dinge leicht fallen, sind Sie sicherlich schon ausgetreten. Dann hört dieses Instrument oft auf, für Sie attraktiv zu sein, und andere Dinge beginnen, Sie anzuziehen. Bei mir waren es Musikproduktion, elektronische Musik und Bassgitarre. Ein Bruch mit den üblichen Mustern.
Letztendlich kann ich, wenn ich zu Ihren Konzerten gehe, den Spaß an der Musik spüren, der wahrscheinlich jeden auf der Bühne in Bewegung versetzt.
Ich bin froh, denn das war mein Ziel. Ich hatte ein sehr starkes Bedürfnis, mich in der Tanzmusik zu versuchen, den Beat und die Bewegung auf der Bühne zu genießen. Ich wollte, dass die Zuhörer Spaß an meiner Musik haben können.
Direkt nach deinem Auftritt beim Instytut-Festival fing es an zu regnen. Du hattest Glück, aber andere Musiker mussten damit klarkommen. Wie reagierst du auf solche Widrigkeiten?
Das ist unterschiedlich, es hängt von der Situation ab. Früher hätte ich anders reagiert und es wäre definitiv viel Nervosität im Spiel gewesen. Jetzt bin ich viel flexibler. Ich habe so viele verschiedene Umstände erlebt, dass mich nichts mehr überraschen wird. Eine Woche nach dem Institut spielten wir in Ungarn und während unseres Konzerts gab es einen Sturm. Ein grausamer Wind begann zu wehen und starker Regen begann zu fallen, ganz zu schweigen davon, dass die Bühne fast auf uns fiel. Die Leute rannten schnell zu Zelten, um ihr Hab und Gut zu retten. Plötzlich war niemand mehr vor der Bühne und dann mussten wir evakuieren. Das sind traurige Momente, denn man muss viel Energie und Engagement aufbringen, um ein solches Konzert zu ermöglichen. Es gibt jedoch einige Dinge, auf die wir keine Kontrolle haben. Später braucht es sicherlich mehrere Tage, um ein emotionales Gleichgewicht zu erreichen.
Außerdem wickeln sich die Leute oft selbst auf…
Das passiert. Es sind viele Stunden Vorbereitung, logistische Absprachen, Proben und jetzt auch noch ein kleiner Mensch, der gut versorgt werden muss. Manchmal ist es schwer, das alles unter einen Hut zu bringen. Mein Partner spielt auch Konzerte und es gibt Situationen, in denen wir beide am selben Tag spielen. Wenn es zu einer Situation kommt, in der aus Gründen, die außerhalb unserer Kontrolle liegen, ein Konzert nicht klappt, kann das sehr demotivierend sein.
Manchmal kann man sogar am besten vorbereitet sein und dann treten unerwartete Situationen auf, wie ein verkürzter Soundcheck oder zum Beispiel, dass beim Spielen etwas unterbrochen wird.
Das stimmt. Kürzlich passierte mir eine lustige Situation. Ich reiste mit dem Zug von Berlin nach Warschau zu einer Probe mit Artur – dem Schlagzeuger, mit dem ich am Institut spielte. Der Zug hatte eine Panne und nach langer Zeit wurde nur ein Ersatzwagen bereitgestellt. Sie können sich vorstellen, wie der Rest der Reise war. Plus ich mit zusätzlichem Gepäck und Instrumenten, die ich in den Schließfächern am Eingang des Wagens verstaute. Kurz vor der Endstation wollte ich mein Gepäck abholen und es stellte sich heraus, dass es nicht da war. Ich geriet in furchtbare Panik und alle Passagiere beteiligten sich an der Suche. Es war ein so stressiges Ereignis für mich, dass es mich einfach erstarren ließ. Nach ein paar Minuten rief mir jemand zu, ich solle auf der anderen Seite nachsehen. Ich ging dorthin und es stellte sich heraus, dass ich einfach auf der falschen Seite des Wagens war…
Schöne Geschichte!
Ja. Ich bekam sogar stehende Ovationen aus dem ganzen Wagen.
Um das Thema ein wenig zu wechseln: Ich habe in einem Interview gehört, dass Sie sagten, Sie würden immer offener gegenüber anderen. Können Sie das in die Tat umsetzen?
Ich versuche sicherlich, in verschiedenen verwandten Bereichen, wie etwa beim Aufnehmen von Instrumenten, beim Mischen, Mastern, Produzieren von Musikvideos und Visuals, gegenüber anderen Menschen offen zu sein. Kompositorisch wird es jedoch immer meine intime Reise sein, meine Gedanken, Erfahrungen, Gefühle, die Suche nach Ausdrucksmitteln, Stil und einer neuen Sprache. Dies ist eine sehr individuelle Angelegenheit, und die Einzigartigkeit dieses Prozesses erfordert, dass ich darin allein bin. Wenn ich eine andere Person in diesen Raum einlade, dann zum Beispiel, weil wir ähnliche Emotionen teilen. Ich bin neugierig, was Künstler aus anderen Bereichen zu sagen haben und was ich von ihnen lernen kann. Und je mehr ich weiß, desto mehr habe ich das Gefühl, nichts zu wissen. Die Neugier gegenüber anderen Menschen hat schon oft großartige Ergebnisse gebracht. Musikalisch bin ich jedoch immer mehr davon überzeugt, dass ich im Kontext der Musikproduktion, des Aufnehmens, des Erstellens von Musik, des Mischens usw. bereits genug weiß, um viele Dinge selbst tun zu können. Aber das bedeutet nicht, dass ich sie selbst machen möchte. Wenn ich in einer Sackgasse stecke, rufe ich einen Freund an und sage ihm, dass ich ein frisches Paar Ohren brauche.
Hast du dann das Gefühl, dass du dein Ego in die Tasche stecken musst?
Nein, damit hat es wahrscheinlich nichts zu tun. Ich habe eher das Gefühl, dass es aus Beobachtung, Neugier und dem Wunsch kommt, etwas Neues zu erleben – z. B. wenn ich eine bestimmte Ausgabe um jeden Preis fertigstellen möchte und eine Idee im Kopf habe, wie ich es machen könnte, es aber nicht selbst hinbekomme.
Glaubst du nicht, dass es auch eine Art Erfrischung wäre, eine andere Person in den Schaffensprozess einzubeziehen?
Das könnte sein, aber man muss die richtige Person für solche Aktivitäten finden. Die Wahrheit ist, dass die Umstände derzeit nicht sehr günstig waren, um mit einer anderen Person Musik zu machen. Am Anfang 3 Jahre Pandemie und dann eine Schwangerschaft, die Aufsicht und Bewegungseinschränkungen erforderte. Dann das erste, sehr anstrengende Jahr als Mutter und der Modus, jeden freien Moment zum Komponieren und Schaffen zu nutzen. Ich glaube, wenn ich nicht viele Dinge selbst machen könnte, würde ich in drei Jahren wieder Musik machen.
Also, einerseits kreiert man gerne selbst, aber andererseits ist man derzeit ein bisschen dazu verdammt. Letztendlich muss es, glaube ich, sehr entwicklungsfördernd sein.
Ja, aber wie frustrierend es manchmal sein kann… Vor einiger Zeit habe ich angefangen, mit Nela zu arbeiten, die Cello spielt und wie ich in Berlin lebt. Ich habe das Cello immer geliebt, aber ich habe es nie gespielt, also ist Nela eine wahre Fundgrube an Wissen für mich. Nach dem Aufnehmen liebe ich es auch, mit Effekten zu arbeiten, zu defragmentieren und bis zur Unkenntlichkeit zu bearbeiten. Es scheint mir, dass dies derzeit die kreativste und inspirierendste Form für mich ist.
Ich habe auch gelesen, dass man beim Arrangieren von Songs für Konzerte auch anfängt, externe Leute einzubeziehen.
Genau das passiert. Mein Partner ist Schlagzeuger, und nach vielen gemeinsamen Jahren kennen wir uns gut genug, dass er weiß, welche Richtung mir gefallen könnte, und die Sprache kennt, die er spricht. Jakob hat in seiner Interpretation viel Freiheit. Ein weiteres Thema ist, was objektiv funktioniert und was nicht. Wir können darüber diskutieren und es von allen Seiten betrachten.
Also dein Partner improvisiert tatsächlich hundertfach und erst dann arrangierst du es irgendwie?
Ja, das ist eine Methode. Manchmal fragt er mich, bevor er das Schlagzeug aufnimmt, was ich für das Beste halte. Wir beginnen darüber zu sprechen, was uns fehlt, was es nicht wert ist, dupliziert zu werden usw. Dadurch, dass wir uns in- und auswendig kennen, ist diese Offenheit viel größer. Diese Kompositionen ohne Schlagzeug oder Cello können jedoch immer noch als eigenständige Stücke funktionieren. Er führt sie in dieser Form oft bei Konzerten auf. Die Schlagzeug- oder Celloparts sind eine gewisse Weiterentwicklung eines gegebenen Stücks und geben ihm eine etwas andere Form. Dieses menschliche, organische Element in den Liedern gefällt mir sehr gut.
Wenn wir über das menschliche Element sprechen, kommen mir sofort Konzerte in den Sinn. Was erinnerst du dich an das Spielen mit Mes?
Meine Aufgabe bei diesen Konzerten war es, die von Mateusz Holak auf der Gitarre gespielten Teile durch Verzerrung zu ersetzen. Vieles hat sich später entwickelt, aber das war eines der ersten Male, dass ich bei Konzerten Keyboards durch verschiedene Effekte gespielt habe.
Das klingt nicht nach der einfachsten Aufgabe.
Ja, aber hier kommt das, worüber ich vorhin gesprochen habe. Ich bin auch gerne Session-Musiker, also war ich sehr froh, als Mes und sein gesamtes Team mir vertrauten. Bisher verwende ich in meiner Musik Elemente, die ich bei Konzerten mit Mes gelernt habe. Im Team zu sein war eine wunderbare, leichte, lustige und charmante Erfahrung.
Nun, zum Schluss noch eine Frage, die ich allen stelle. Was ist im Moment Ihr größter Traum?
Ich denke, sie werden wahr. Allerdings möchte ich auch mein aktuelles Material fertigstellen. Ich bin an dem Punkt, an dem alles zusammenkommt und die musikalischen Puzzles anfangen, zusammenzupassen. Ich möchte auch anfangen, mit neuem Material zu spielen.
Können wir also noch dieses Jahr mit deinem neuen Album rechnen?
Wahrscheinlich definitiv im nächsten. Es gibt aber auch noch Veröffentlichungspläne für dieses Jahr. Wer bei meinem Konzert beim Instytut Festival dabei war, kennt dieses Material, denn dort habe ich das Material dieser EP uraufgeführt.
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